Y al principio fue el verbo

Kaspar, de Peter Handke. Director: Roberto Ciulli; Dramaturgia: Helmut Schäfer; Reparto: María Neumann, Simone Thorna, Petra von der Beek, Rosmarie Brücher… entre otros. Theatre an der Ruhr. Teatro de la Abadía del 1 al 4 de junio.

El mundo se creó con la palabra como única herramienta. Se cuenta que el viejo chamán crea el mundo cada mañana nombrando los elementos que lo componen: cielo, tierra, nubes… La compañía de teatro alemana Theatre an der Ruhr nos trae una historia que nos habla de la importancia de la palabra… a través de las imágenes.

El espectáculo se basa en la historia real de Kaspar Hauser, un niño salvaje que fue encontrado en Colonia a principios del siglo XIX. Pero esto es tan sólo una excusa para hablar del significado del lenguaje en la sociedad actual, y del deterioro que sufre.

El italiano Roberto Ciulli, fundador de Theatre an der Ruhr es uno de los directores escénicos menos convencionales de la escena internacional. Nos propone en este Kaspar una puesta en escena fascinante y sorprendente.

El espectáculo está dividido en dos partes bien diferenciadas. En la primera se nos cuentan los esfuerzos de Kaspar por aprehender el nuevo mundo al que ha sido llevado. La única forma de comprenderlo, de asimilarlo, de formar parte de él, es a través de la palabra. Pero pronto ha de descubrir las trampas del lenguaje. Los circunloquios, los dobles sentidos, las palabras vacías que han perdido su significado. Se trata de una puesta en escena sobria, exquisita. Los movimientos están perfectamente coreografiados, dando la sensación de baile.

La segunda parte nos muestra un espectáculo prácticamente mudo. Nos muestra la posible evolución de esta sociedad que ha pervertido de tal forma la lengua que ha llegado a perderla, llegando a caer en la desesperación y la barbarie. La estética es totalmente distinta a la parte anterior. Este crítico la definiría como una mezcla entre La clase muerta de Tadeusz Kantor y una película de Tim Burton. El espectáculo es a ratos brutal, lleno de imágenes poderosas, apocalípticas, y consigue que el público, alucinado, no aparte la vista de lo que ocurre en escena.

Al principio fue el verbo. Y el final será la ausencia del mismo, parecen decirnos. Confiemos en que el chamán siga nombrando/creando el mundo durante muchos miles de años. Cielo, tierra, nubes… y sobre todo, buen teatro como este.

Tragedia Express

Rey Lear, de William Shakespeare. Compañía Kaputt, Dirección: Ana Contreras; Versión: Marc Gutiérrez Rubio y Marcos García Barrero. Reparto: Diego Santos Simona Ferrar, Huichi Chiu, Marina Bruno, Andrés Bernal, Marcos García Barrero, Clemente García, André Börner y Andrej Yaroshenko. Centro Cultural Moncloa. Del 6 al 12 de Junio.
Llevar a escena a Shakespeare es un proyecto titánico más propio de centro dramático nacional que de una pequeña compañía como Kaputt. Al menos llevarla a escena tal y como fue escrita hace cuatrocientos años. El dramatis del Rey Lear se compone de una veintena de personajes (sin contar criados, caballeros, etc), hay gran variedad de escenarios, tormentas, guerras, combates… Lo más lógico es realizar una adaptación dramatúrgica para contar lo mismo con menos medios. LePage por ejemplo, realizó en su montaje Elsinore una adaptación de Hamlet para un solo actor (aunque había decenas de técnicos tras el escenario)
Hay una propuesta dramatúrgica detrás de este Rey Lear, pero es a todas luces insuficiente. Se han eliminado personajes, tramas y se ha mutilado la florida prosa del bardo inglés, dejando un texto que por momentos es de lo más ramplón. (Quizá es de agradecer, pues los soliloquios que han quedado están dichos por los actores sin apenas convicción, resultando las más de las veces algo tediosos)
Se ha conseguido reducir a hora y media esta tragedia que nos cuenta el descenso a los infiernos de Lear, rey repudiado por sus hijas tras cederles su reino.
Pese a todo, a esta versión aún le sobran personajes que no aportan nada a la trama, obligando a los actores, que doblan papeles, a, en algunas ocasiones hacer rápidos y absurdos cambios de vestuario como si fueran el mítico Fregoli . También sobran escenas, que no aportan nada y no hacen más que deslucir más aún el conjunto, y no consigue resolver las partes más complicadas de llevar a un escenario como es el del Centro Cultural de Moncloa, (los distintos escenarios, apuñalamientos, crímenes, peleas con espada no terminan de funcionar en este montaje.
Estamos de acuerdo que el de este centro es un escenario difícil. Es pequeño y no se pueden conseguir los efectos deseados. Pero debemos intentar ir a favor de nuestros medios materiales, nunca en contra.
Todo es confuso y apresurado. No se da tiempo a que las escenas o los actores evolucionen convenientemente. Todo parece descuidado y da la impresión de cajón de sastre: la obra comienza con una fiesta, por lo que las paredes están decoradas con brillantes tiras de papel. Pero según evoluciona la obra, los escenarios cambian, aunque las lustrosas tiras permanecen distrayendo la atención del público (sobre todo cuando se enganchan a los actores) Quizá un escenario completamente neutro hubiera ayudado más. Tampoco entendemos el uso de música medieval cuando parece que la acción se sitúa en un contexto contemporáneo.

En definitiva, la compañía Kaput no ha medido sus fuerzas, dando como resultado un espectáculo irregular.

Chirigota esperpéntica

Nadie lo quiere creer. Autor: Eusebio Calonge. Dirección: Paco de La Zaranda. Intérpretes: Gaspar Campuzano; Francisco Sánchez; Enrique Bustos. Teatro Español Del 9 al 26 de junio.

Siento comenzar esta crítica con una mala noticia, pero, créanlo o no, nuestro destino ineludible es morirnos. No hagan drama de ello, tampoco tiene mucho sentido. Mejor tomárselo a broma, como hace la compañía La Zaranda en este espectáculo.

La Zaranda es una compañía de teatro andaluza que nació hace ya más de treinta años. Su peculiar lenguaje escénico les ha llevado a ser conocidos internacionalmente, así como merecedores del premio Nacional del teatro el pasado 2010.

Eusebio Calonge, habitual dramaturgo de la compañía nos presenta un sainete espectral alrededor de tres personajes y su convivencia: una anciana de rancio abolengo, que en otros tiempos fue adinerada y que está a las puertas de la muerte, y su criada y su sobrino, que tan sólo buscan heredar.

A partir de esta sencilla trama las situaciones cómicas se suceden a ritmo de pasodoble. El sentido del humor de esta compañía está cercano a la chirigota: un humor localista, muy andaluz, con gusto por el retruécano y la cuchufleta, y con personajes femeninos encarnados por hombres. Pero llevado al plano teatral, el resultado está lejos de ser carnavalesco.

En primer lugar por la cuidada estética. La vejez es marrón. Los tonos ocres inundan la escena indicándonos que los protagonistas viven en un perpetuo otoño. Incluso las caras de los personajes son macilentas. Todo en la escena está viejo y descuidado. Se crea una atmósfera enfermiza y malsana y una sensación de final, de tiempo detenido. No puede seguir pasando más tiempo por esos objetos o esos personajes, pues el paso siguiente sería que se desmenuzaran, que se convirtieran en polvo.

Los personajes, al final de sus vidas no son más que sombras de lo que fueron. Espectros, muertos vivientes que continúan existiendo por pura inercia. Esta inercia se representa en escena por el movimiento continuo de los personajes. Las más de las veces, modificando la escenografía. Compuesta por tres sillas, tres ventiladores, un reloj de pared y algunas sábanas, se le saca todo el partido posible y más. Con estos elementos se recrea desde un balcón hasta una habitación de hospital.

El detenerse significa la muerte, parecen decirnos. Los personajes, llenos de tics, y no pueden parar de andar de un lado para otro de la escena, ni de realizar acciones mecánicas, que de tantas veces repetidas han perdido su sentido. Como tampoco tiene sentido ya su existencia.

Añádasele a todo esto tres actores en estado de gracia que interpretan unos personajes estereotipados, perfectamente reconocibles y llevados al límite. Todo esto tiene como resultado un divertido y absurdo esperpento.

Como divertida, absurda y esperpéntica puede ser la vida.

Marisa Plasencia

UN GOLPE DIRECTO A LA CONCIENCIA

Grietas

Autora: Angie Martín; Dirección: Diego Domínguez; Escenografía: Nuria Enríquez; Vestuario: Gala Domínguez e Irene Serrano; Iluminación: Miguel Ángel Ruz; Reparto: Cristina González, Angie Martín; Irene Montes; Irene Serrano.

“¡El horror! ¡El horror!” eran las últimas y enigmáticas palabras que pronunciaba Kurtz, rodeado de las hermosas selvas africanas, en la novela de Conrad El corazón de las tinieblas. Con ellas no se refería a ningún peligro concreto, sino a todo lo abominable, lo incomprensible, todo lo oscuro que habita en el alma humana.

Grietas nos muestra una realidad que no por lejana nos es desconocida. Grietas se asoma al interior de uno de esos agujeros que se abren en las tierras de Ciudad Juárez, brechas por las que se cuelan y desaparecen cientos de mujeres cada año. Grietas ilumina una de esas oscuras rendijas, haciendo que nos enfrentemos cara a cara con ese horror al que se refería Conrad. La violencia descarnada que sufren mostrada en algunos momentos de forma cercana al snuff, nos golpea constantemente a lo largo de la obra. Un horror al que ni siquiera podemos ponerle rostro.

No se nos propone un texto dramático al uso. Poca acción existe en el tema de la víctima indefensa que se repite a lo largo de la obra. Pero en ningún momento resulta un espectáculo monótono. Como la jungla de Conrad, el contexto es bello. La poesía de la joven dramaturga Ángeles Martín, un estupendo elenco de actrices y el director Diego Domínguez, que pone al servicio de la obra toda su pirotecnia audiovisual, consiguen algunos momentos de una hermosura sobrecogedora, haciendo que nos preguntemos ¿cómo pueden cohabitar esos dos mundos? ¿Cómo el ser humano puede ser capaz de albergar tanto horror y tanta belleza?

En definitiva, una obra denuncia cuyo mensaje nos llega como un golpe certero, directo a la boca del estómago.

Marisa Plasencia

EL ESCRITOR Y EL OLVIDO

“Yo nunca me he considerado un profesional del teatro (…) Me ha faltado la pasión suficiente”. Con estas modestas palabras abre Francisco García Pavón (1919-1989) el prólogo a su libro Textos y escenarios (1971). En lo que se refiere al teatro siempre se sintió un espectador. Y en la vida fue un observador, un cronista cuya verbosa pluma retrató fielmente la España de su época. Su España, pues más que nadie, eran él y su mirada los protagonista de sus historias.

Escritor, ensayista, crítico, periodista, tertuliano del café Gijón y director y catedrático de la Real Escuela de Arte Dramático. Una de las aulas de esta escuela lleva su nombre, pero pocos alumnos saben quién fue y qué significó para la historia de las letras Francisco García Pavón. Como todo espectador, ha quedado relegado al olvido una vez finalizada la función y terminados los aplausos.

Sirvan estas líneas para rendirle homenaje.

García Pavón y Tomelloso

“Paco es Tomelloso, y Tomelloso es Paco” argumentaba Cuesta Santandreu durante la concesión de la Medalla de Oro de la ciudad al escritor, que moriría pocos días después.

La vida literaria de García Pavón está íntimamente ligada a esta ciudad manchega que lo vio nacer. Su estilo está definido por el humor y la ironía con que dota a sus obras y el costumbrismo tan cuidado, tan minucioso que encontramos en ellas. Este típico y aletargado pueblo campesino y sus gentes son los protagonistas de la gran mayoría de los relatos narrados por el escritor. Allí pasó su infancia y juventud. Luego marchó a Oviedo, y a Madrid, pero su corazón siempre estuvo en la ciudad que lo vio nacer. Siempre. En los buenos y en los malos momentos.

Cuentos republicanos (1961), Los liberales (1965), Los nacionales (1977) son relatos de cómo la convulsa historia marcó la ciudad y a sus habitantes. Aunque la guerra civil no es la espina dorsal de la obra de García Pavón, es un tema recurrente en sus novelas y escritos. “…Las guerras nunca nacen de verdaderos enfrentamientos ideológicos, religiosos o militares, sino de la obsesión periódica que tiene el hombre por convertir en tierra a sus prójimos con el pretexto que sea” afirma Braulio, alter ego de Pavón en El hospital de los dormidos.

Y es en Tomelloso donde discurren las historias que le traerían verdadera fama. Plinio, jefe de policía local de Tomelloso es el protagonista de ellas. Acompañado de Don Lotario, veterinario del pueblo, se dedican a resolver los más extraños crímenes que acontecen en su pueblo.

Estas novelas trascienden más allá de la simple novela policíaca acercándose más bien a la novela negra, por sus elementos costumbristas y la, algunas veces velada, crítica social que acompaña los lances del detective

El éxito le llegaría con el salto de su personaje de los libros a la televisión. A principios de los setenta, Antonio Giménez Rico y José Luís Garci llevarían al personaje a la pequeña pantalla con gran éxito. Este salto a la fama de su conciudadano no fue del agrado de las gentes del pueblo, que vieron como Tomelloso era identificado con un lugar donde el crimen estaba a la orden del día, lleno de rufianes y ladrones. Pavón pasó de Hijo Predilecto de la ciudad a tener que leer pintadas como: “Pavón al paredón”.

García Pavón y Madrid

En 1939 consigue un certificado de adicto al régimen y marcha a Madrid a estudiar filosofía y letras. Animado por Carmen Laforet, que había conseguido el premio Nadal en 1945 con su novela Nada, presenta Cerca de Oviedo, quedando finalista. No lo conseguiría hasta el 69, con una novela con Plinio como protagonista Las hermanas coloradas.

La fama de Pavón comienza a crecer. Se hace asiduo de las tertulias literarias del café Gijón, donde se reúne con asiduidad con otros importantes autores de la época, como los aún desconocidos Antonio Buero Vallejo o Francisco Umbral.

Por éstas fechas, 1958, consigue la cátedra de Historia de la Literatura Dramática de la Real Escuela Superior de Arte Dramático, de la que sería subdirector y luego director hasta 1970.

García Pavón y la crítica

No nos ha llegado mucho material de su labor como crítico teatral. Tan sólo dos libros, Teatro social en España y Textos y escenarios, donde en una serie de artículos reflexiona sobre el mundo del teatro.

“El buen crítico teatral debe estar adornado de saber, sensibilidad, agudeza, rapidez –al menos en España-, calidad de pluma, honradez y contención; atributos que no concurren en cualquiera y que por sí mismos configuran un talante intelectual muy diferenciado”, afirma en estas páginas, donde disecciona la figura del crítico e intenta explicar cuál es su importancia dentro del hecho teatral. “La crítica es la labor dramática o paradramática que menos satisfacciones tiene… Realmente, sólo la íntima de cumplir con un deber importante: el de orientar al público hacia lo mejor, e impedir que el teatro llegue a ser un espectáculo desnaturalizado e inferior”.

En estas páginas podemos encontrar parte de su pensamiento crítico en las disecciones que hace de algunas de las más importantes obras de la época, pero tan sólo a nivel de texto, nunca sobre el espectáculo teatral.

García Pavón y el olvido

En 1980 Francisco García Pavón sufrió una apoplejía, a consecuencia de la cual, perdió casi todos sus recuerdos.

A partir de entonces se dedicó a perseguir su memoria. Acompañado de su hija buscaba por todo Madrid su juventud perdida, buscaba el portal de la primera pensión donde se alojó, buscaba el sastre que le hizo su primer traje. Se buscaba a sí mismo.

Intentó dictarle a su hija una última novela de Plinio: la historia de un asesino sin memoria que olvida sus crímenes tras cometerlos. Frustrado por la dificultad que le suponía escribir, abandonó el proyecto a las cuarenta páginas.

Nos dejó un 18 de marzo de 1989. Y el olvido que ocupaba su cabeza siguió extendiéndose, hasta casi hacerle desaparecer por completo. Hace tiempo que ha dejado de aparecer en las listas de los escritores españoles más influyentes. Incluso la editorial Taurus, de la que fue director durante diez años, no le dedica ni una sóla línea en su libro Taurus, cinuenta años de una editorial (1954-2004)

Poco le importará este olvido al propio Pavón. Según sus propias palabras: “Lo que los demás puedan pensar de nosotros después de la muerte importa poco… como lo que pensaban antes de nacer. El verdadero valor de la obra de arte es para el propio creador”

Marisa Plasencia

Muslo o tórax

OLEANNA de David Mamet. Versión: Juan V. Martínez Luciano. Reparto: José Coronado e Irene Escolar. Escenografía: Miguel Ángel Coso y Juan Sanz. Iluminación: Mario Gas y Paco Ariza. Dirección: Manuel de Benito. Sala pequeña del Teatro Español. Del 28 de abril al 12 de junio.

Vivimos tiempos de corrección política, no cabe duda. En los tiempos que corren, el progre y buenrrollista profesor Keating habría sido despedido en menos tiempo del que tarda en decirse ¡Oh, Capitán, mi Capitán! Y el profesor Higgins habría pasado sus años de vejez en la cárcel acusado de malos tratos por la joven florista Doolitle.

Algo parecido nos cuenta Mamet en Oleanna, una perversión de las viejas historias de profesor.alumno: A través de tres actos perfectamente simétricos nos narra cómo varían las relaciones de poder entre un profesor progresista y una de sus alumnas, de carácter más bien cuadriculado. Una lucha dialéctica que tiene como arma más poderosa lo políticamente correcto.

Mamet es uno de los más importantes dramaturgos de la década de los ochenta. Con obras tan importantes como American Buffalo, Glengarry Glenn Ross, o el guión de Los Intocables de Elliot Ness, Oleanna representa el canto del cisne de este autor. Escrita en 1992, Mamet ha sido incapaz de producir desde entonces una obra que esté a la altura. Pero es difícil, ya que nos encontramos ante un texto potente, endiabladamente inteligente, y con una estructura a prueba de bomba.

Una obra así es difícil que no funcione en escena. Y este montaje que nos presenta el Teatro español con la dirección de Manuel de Benito, funciona, y lo hace a pesar de los numerosos fallos de dirección que hacen que la obra pierda en riqueza.

En primer lugar la elección del protagonista. Nadie duda a estas alturas que Coronado es un estupendo y carismático actor. Y es por su carisma que no resulta una elección idónea, pues se gana la simpatía del público desde el principio de la obra, aplanando así un personaje lleno de aristas.

Mamet se caracteriza por unos diálogos entrecortados, que generan un ritmo, una partitura. Nunca ha pretendido ser naturalista, opción que se ha tomado en este montaje, perdiendo el texto toda la musicalidad propia del autor.

La puesta en escena se resuelve con un escenario central que presenta el despacho del profesor y público en dos de los lados. Quizá es la mejor elección de espacio para una sala como ésta, pero a este crítico le resultó francamente molesto pasar más de media obra observando la espalda de Coronado (con los problemas acústicos que ello conlleva) Quizá se debería dar a la entrada la oportunidad al público de elegir que parte de la anatomía del actor prefiere presenciar durante más tiempo. “¿Muslo o pechuga?” podrían preguntar los acomodadores a la hora de situarnos en nuestras butacas. Sobra comentar el recurso de la ventana que nos muestra un cielo que se va volviendo de tormenta a medida que crecen los problemas del profesor. De tan obvio, puede resultar irritante.

Y finalmente, el final. De sus representaciones en los escenarios de Broadway se recuerda que con la llegada del climax, el público, según su ideología, o aplaudía rabiosamente o abucheaba sonoramente. Esto no ocurre en este montaje, cuyo final no ha sido lo suficientemente construído. No se consigue una atmósfera lo suficientemente densa y atosigante, de modo que el final no es más que una conclusión, de ningún modo una liberación.

En definitiva, un montaje demasiado políticamente correcto, para una obra políticamente incorrecta.

Marisa Plasencia.

De la cuadratura del círculo a la redondez de la democracia.

Winston Churchill dijo una vez que la democracia es el menos malo de los sistemas políticos. Y a mí eso me suena como si el inventor de la rueda se hubiera quedado en un prototipo de forma rectangular y nos dijera: “lo siento, la rueda cuadrada es la mejor rueda que podemos tener”.

Ningún mecanismo nace de primeras perfecto. Han de evolucionar. Incluso si coges una rueda cuadrada y la haces rodar por una ladera escarpada, se acaba puliendo, sus aristas difuminando, se va redondeando.

La democracia no nació como un sistema perfecto, pero me pregunto, ¿cuándo dejó de ser un sistema eficaz? ¿Cuándo el ciudadano dejó de votar por la gente que pensaba que le representaba y comenzó a votar por aquellos que le parecen menos malos, o para que no salgan “los otros”? (Ahora mismo leo en una página de uno de los partidos mayoritarios el slogan: “Si votas PP se marchará ZP”)¿Cuándo se decidió que aquel que los ciudadanos elegimos tenga poder absoluto para hacer cuanto le venga en gana durante los cuatro años que está en el poder?

Confieso que la política es un Arte que no domino y que nunca me ha interesado. Y lo llamo Arte con mayúscula, por la forma en que juega con la palabra y el lenguaje. Si consideramos que la post-modernidad es líquida, la política sería la más postmoderna de todas las artes, pues ha conseguido hacer que la palabra pierda su sentido, ha conseguido hacer del discurso algo dúctil, de la realidad algo maleable. Y como arte posmoderno se ha separado completamente de la realidad que vivimos los ciudadanos. ¿Hay alguien que se crea que un político hace carrera por “el bien de España” o por “crear una sociedad mejor”? Creo que hoy en día preferiría votar a un político que dijera que está ahí porque el sueldo es bueno, te dan alojamiento durante cuatro años y puedes robar material de oficina sin que nadie te diga nada.

Como he dicho, no entiendo de política. Pero tampoco entiendo de fontanería y sé que cuando el inodoro empieza a escupir mierda hay que ponerle remedio.

Y estoy seguro que eso es lo mismo que piensan muchas de las personas que toman la Puerta de Sol estos días. Gente que no entiende qué está pasando, pero que piensa que hay que ponerle remedio. Gente harta de políticos sofistas que pulen más su imagen que sus programas electorales.

La plaza se ha convertido en un escenario de pesadilla lleno de sueños que no se pueden cumplir. La gente se agrupa, se hacina bajo arquitecturas efímeras imposibles, pidiendo lo mismo, el imposible de que se les escuche, que esos políticos que nosotros mismos hemos encumbrado, abandonen su Olimpo líquido y se dignen a prestar atención a sus problemas. Problemas reales.

Quizá ha llegado el momento de que entre todos echemos a rodar la democracia por una ladera escarpada.

Marisa Plasencia.

Un infierno muy sugerente

No haberte muerto, de y dirigida por Ricardo Salamanca. Intérpretes: Ismael Carreño, Sabina Coira, Txabi Pérez, Alfonso Enjuto, Catalina Pueyo, Lidia Rodríguez, Gonzalo Grodon y Luis Lara. Diseño de Luces: Pau Ferrer Garrofé.

Que el camino hacia el infierno está pavimentado de buenas intenciones es algo que todos conocemos. Ricardo Salamanca, alumno de cuarto curso de la RESAD nos lo muestra en No haberte muerto, pieza en la que nos presenta un particular infierno donde un grupo de personajes que fueron “virtuosos” en vida, han de cumplir penitencia durante toda la eternidad.

Salamanca aplica el conocido principio de Woody Allen que afirma que la comedia es tragedia más tiempo, otorgándole el protagonismo de su hilarante obra a un remedo de Francisco Franco y al mismísimo Hitler, que siguiendo aquella otra máxima de que hay que tener amigos hasta en el infierno, aúnan fuerzas para dar un golpe de estado en este singular inframundo.

Estas son las premisas en las que se basa esta sugerente comedia. Por desgracia se queda en eso, en sugerencia y apunte. A ratos desdibujada, a ratos emborronada y confusa, a ratos brillante. La escenografía, construida con unas cuantas tablas, es el apunte del bar-infierno donde se desarrolla la historia. El actor principal, Ismael Carreño, apunta maneras, pero no es lo suficiente carismático. Sus compañeros Alfonso Enjuto y Lidia Rodríguez espléndidos en sus papeles de Hitler y Demonio le roban el protagonismo durante toda la función.

Ricardo Salamanca no ha podido (aún) sacarle todo el partido a su excelente material. Todos sabemos que el teatro, y sobre todo la comedia, nunca es un producto completamente terminado, sino un mecanismo en constante evolución, donde la prueba y el error nos sirven para ir perfilando, definiendo y ajustando la obra definitiva. Sirva este boceto como premisa del excelente fresco en que esperamos se convierta No haberte muerto.

LA ESCURRIDIZA VERDAD

La puta y el gigante. Escrita, dirigida e interpretada por Marco Canale. Madrid. Teatro La Grada. 1, 2 y 3 de Febrero.

A diario nos enfrentamos con qué es verdad y qué no lo es. A diario nos encontramos con noticias o hechos con distintos enfoques, a menudo contradictorios. Por cada estudio que se realiza, de seguro que existen media docena que sotienen la tesis contraria. A nosotros nos corresponde decidir. Encontrar la verdad es un proceso de aprendizaje, un método de ensayo-error donde la confianza juega un papel determinante.

La puta y el gigante es un "one man show" del dramaturgo licenciado en la RESAD, Marco Canale. El gigante del título es el poderoso presidente de Colombia, Álvaro Uribe, y la puta es el periódico El País que, según Canale, se pone al servicio del mandatario para ocultar y manipular la realidad del país sudamericano.

El autor, armado únicamente de un foco, una botella de agua y la palabra, denuncia desde el escenario vacío lo que el gigante Uribe le está haciendo al país. Pone de manifiesto su mala gestión, las masacres que tanto él como las FARC están cometiendo, y se pone de parte del pueblo, principales víctimas de esta tragedia.

"La palabra está vacía", afirma Canale en uno de los momentos del espectáculo. Pero en su boca es un arma potente. Con ella consigue momentos de gran lirismo, y algunos verdaderamente estremecedores.

"¡Esta es la verdad! ¡No lo que cuenta El País y sus colaboradores! ¡Creedme!", grita Canale en su espectáculo. Pero todos sabemos que esto no es mas que una de las caras de la moneda. Queda en manos del público la decisión de creerla o no.

Hasta aquí el espectáculo podría haberse convertido en algo meramente panfletario. Lo interesante de esta creación escénica de Marco Canale es su mecanismo, cómo intenta ganarse nuestra confianza y su reflexión acerca de qué es la verdad.

Además de espectáculo denuncia, se encuadra dentro de las dramaturgias del yo (no en vano Canale estudió con Angélica Liddell) El autor se desnuda en la escena vacía. No hay lugar donde esconder ninguna carta marcada, salvo quizá esa botella de agua siempre presente en la escena. Canale nos habla de su vida, de sus problemas, de sus miedos. Y a la vez, no deja de recordarnos que esto no es más que ficción. Teatro.

Canale nos muestra su mecanismo sin tapujos. Nos muestra el mecanismo por el que las verdades se convierten en mentiras, y viceversa. Nos muestra lo que no nos enseñan nunca los periódicos ni los informativos: nos habla de sus intereses, del proceso de creación, de la necesidad de sacar adelante esta obra. De la necesidad de luchar. De la necesidad de denunciar lo que ocurre.

"¡No les engaño!", parece decirnos. "Esto es teatro. Ficción. Éste que ven aquí no es Marco Canale, sino Marco Canale interpretándose a sí mismo. Ésta es mi ficción y esta es mi verdad. Confíen en mí." Y el espectador acaba confiando.

Éste es un espectáculo fronterizo que se mueve en la fina línea que separa realidad y ficción. Como el propio Canale afirma, "el único lugar donde habita el ser humano es ese abismo que se abre entre lo que desearíamos ser y lo que somos". No nos queda más remedio que vivir en ese espacio que nos queda entre la verdad y la mentira. La incertidumbre.

Marisa Plasencia.

NEIL SIMON SIEMPRE A FLOTE

PLAZA SUITE

Autor: Neil Simon. Versión y dirección: Carlos E. Laso. Intérpretes: María José Gallego, Merche Lagarejo, Monica Souto, Vicente Casado, Jesús Martínez, Ángel Jiménez, Juan Carlos Galdo

Siempre es un verdadero placer reencontrarse con Neil Simon. Para todos aquellos que hemos crecido admirando comedias como “La extraña pareja”, “Descalzos por el parque”, “La chica del adiós”, por citar tan sólo unos pocos ejemplos, es un gusto redescubrir que el humor que destila este viejo neoyorquino funciona tan eficazmente hoy en día como lo hacía en el momento en que fue escrito.

“Plaza Suite” es un ejemplo perfecto. Escrita en 1968, esta disección de la clase alta norteamericana posee todos los elementos que hicieron popular la obra de Simon: una perfecta construcción de situaciones y personajes, una fina ironía, diálogos veloces e ingeniosos y una pizca de amargura/ternura que toca la fibra sensible.

“Plaza suite” nos presenta tres historias que tienen como nexo común el que transcurren en la habitación 719 del hotel Plaza. Eso y que las tres ironizan sobre el matrimonio. La demoledora visión sobre la pareja sigue siendo tan fresca y actual como hace cuarenta años. Simon utiliza su afilada pluma para mostrarnos, en clave de alta comedia, los trapos sucios, las bajezas, las miserias de tan sacrosanta institución.

Y este montaje funciona, no gracias a la compañía Drama Contra Mundum que lo ha llevado a escena, sino a pesar de ella, que desde el primer minuto se dedica a torpedearlo.

El problema de la alta comedia es que para que funcione necesita de “cosas”. Hay que vestirla. Uno puede montar a Shakespeare con cuatro elementos y un escenario neutro y podemos asistir desde nuestras butacas a batallas, increíbles viajes, etc… Tal es el poder de la narrativa del genial bardo. Pero con Simon es distinto. La comedia de Simon necesita adornarse para que su brillante mecanismo de relojería funcione a la perfección. Necesitamos ver para creer. Necesitamos admirar el lujo del Plaza para contraponerlo con las miserias de esos personajes que lo habitan. Necesitamos ver los chaqués que se rasgan para poder entender esa clase alta que se desmorona.

La compañía ha hecho un esfuerzo encomiable a la hora de llevar esta obra a los escenarios. Pero quizá son demasiadas las “cosas” que son necesarias para poner en pie esta comedia. El montaje falla en cuanto que la puesta en escena no está en muchas ocasiones a la altura del texto. La mayor parte de la obra se mueve en los terrenos de la comedia sofisticada, pero hay elementos que no siguen ese código: algunos elementos del vestuario, como ese risible chaqué del último acto; todas las pelucas, imposibles e increíbles; personajes como el del botones, nos remiten a lenguajes que tienen que ver más con el clown que con la alta comedia. Esta mezcolanza hace que no terminemos de entrar en la obra, sacándonos una y otra vez de lo que ocurre en la escena. Tampoco ayuda la escenografía, fea, y a la que apenas se le da ningún uso. Ni siquiera las actuaciones; faltos de subtexto, los actores se dedican a moverse de un lado para otro limitándose a recitar sus papeles, cuando consiguen no tropezar con las endiabladamente ágiles frases del dramaturgo.

Y pese a todas estas cargas de profundidad, el público, incluido éste crítico, ríe. Tal es el poder de la obra de Simon. Si uno consigue abstraerse de todo lo anterior, si uno consigue profundizar en el texto, puede “disfrutar” del espectáculo.

Aunque quizá, por el precio de la entrada, prefieran comprar el libro y leerlo cómodamente en casa.

Marisa Plasencia