Alternativas al dolor

El día 17 de mayo a las 18.00, tendrá lugar en la RESAD la representación de la obra Deseadas de Max Aub, dirigida por Montse Ortiz, e interpretada por Ainhoa Hernández y Elvira Castro.

"Deseada habla del amor desde la desestructuración familiar. De cómo la familia es el origen de la incapacidad de amar", explica la directora. El texto de Aub, narra el encuentro de una madre y una hija separadas por una serie de desencuentros. Ambas se reprochan mutuamente la muerte de Pedro, novio de la madre, además de la falta a la memoria del padre. La realidad, que el autor nos irá desvelando con el recurso dramático de invertir el recorrido lineal de la temporalidad, que la realidad "es muy diferente de lo que madre e hija pensaban", dice Montse Ortiz.

"Amar y ser amado es una necesidad para la que no hemos sido educados. Las consecuencias de ese `analfabetismo´ son de diversa índole pero siempre llevan aparejadas el dolor", apunta la directora como la idea que sobresale del texto. Ella, en su montaje, considera que "tal vez mi mirada oscura de la humanidad proponga una comprensión alternativa del dolor de los personajes".

Como acicate para ver la obra, Montse Ortiz propone que textos como estos nos muestran "las dificultades para encontrar los canales de comprensión que nos unen a los otros", y que aprendiendo de ello, podremos encontrar "vías de acercamiento coherentes con los deseos con los que todos nos hemos reencontrado".

Don Pedro

La inmoralidad y el deseo

El día 26 de Mayo a las 18.00, se representa en la RESAD el Esclavo del Demonio de Antonio Mira de Amescúa; dirigido por Montse Ortiz.

"La intransigencia moral y sus nefastas consecuencias, son perfectamente transportables a la España de la posguerra civil", afirma la directora. Y es que Montse Ortiz, ha realizado un montaje donde temas como los márgenes del deseo, el matrimonio convenido, las relaciones familiares… nos muestran a través del verso, cómo sus limitaciones barrocas atestiguan una realidad constreñida, que viaja hasta nuestra conciencia presente al mostrarnos los límites de nuestro pasado próximo.

Montse Ortiz ha concretado la acción de la obra a través de la relación entre dos hermanas, Leonor interpretada por Rocío Bello, también adaptadora del texto, y Lisarda representada por Ana Minguela, "que representan las dos Españas irreconciliables, una que no quiere cambiar, y la otra que se destruye a si misma por la vehemencia de su deseo", apunta Ortiz. Todo ello, dramatizado mediante las decisiones que deben tomar ante la inminente muerte de su padre y las posibilidades de vida que genera.

Con todo, Montse Ortiz recreara mediante dilogías morales, una de las obras más representativas de Mira de Amescua, transportándolas a un pasado cercano que "a todos nos toca, ya que dichas generaciones todavía están presentes", lo cual, según la directora debe animar "a ahondar en nuestra conciencia común en un acto de las características del teatro".

Don Pedro

Plantar un árbol. Escribir un libro.

El Diez de Junio del 2010 a las seis y media de la tarde Raúl Rodríguez pondrá en escena “La petición de empleo” de Michael Vinaver, dentro del marco de muestras anuales que se llevan a cabo durante el fin de curso en la Escuela Superior de Arte Dramático. En este segundo curso los alumnos de dirección abordarán escenas de teatro postdramático.

“El hecho de dirigir este tipo de teatro ya supone un reto para mí” afirma el aspirante a director “no va en la línea del teatro que nos enseñan en la escuela. Siempre nos ceñimos a estructuras aristotélicas que avanzan de forma dialéctica hacia un desenlace” Aclara.

Michel Vinaver, uno de los autores de cabecera del teatro europeo, pone a prueba el lenguaje y sus relaciones con lo real, deconstruyendo la estructura dramática y sobre todo sacando a la superficie en sus textos los sentidos ocultos llevados por la sustancia física y musical del lenguaje. De ahí que en algunas de sus obras rechace la puntuación y las exigencias sintácticas en beneficio del ritmo y de la respiración impresa a la frase por la respiración del actor.

“He trabajado mucho con la voz de los actores” manifiesta Raúl que en los últimos nueve meses ha estado asistiendo a clases de voz con Vicente León, profesor de esta misma escuela.

“He aprendido que hay voces que no habitan su cuerpo correspondiente o dicho de una manera

más clara, he aprendido que la voz también es una máscara” nos cuenta el director.

En relación a la puesta en escena Raúl apostará por un minimalismo escenográfico con la intención de que cobre total protagonismo la interpretación actoral. “En mi opinión, el escenario lo constituye el actor” asevera. Aunque no va a prescindir de elementos simbólicos imprescindibles para dotar a la historia de su pleno significado.

En cuanto al enfoque argumental, Raúl se centrará en la incomunicación inevitable a la que se ve condenado el hombre moderno en una sociedad deshumanizada como la nuestra. “Quiero que los personajes no se interpelen directamente” nos cuenta “Creo que esto no supone una gran innovación, pues creo que se desprende de la temática del mismo texto” concluye acertadamente; ya que “La petición de empleo” constituye la carrera de unos personajes por adaptarse al ritmo frenético que todos padecemos:

Encontrar empleo, educar un hijo, conseguir afecto, ser entendidos, plantar un árbol, escribir un libro.

Ana María García

ES UN ASUNTO DE TODOS, NO ES UN ASUNTO DE UNO SOLO

El 18 de Diciembre del 2009 en la sala S1 de la Real Escuela Superior de Arte Dramático, tendrá lugar la esperada muestra de escenas de los alumnos de dirección de 2º curso. La duración de la muestra será de dos horas aproximadamente y se expondrán siete escenas de dramaturgos enmarcados dentro de una estética realista. “Hemos aplicado el método Stanislavsky, es por dónde ha de empezar a trabajar un estudiante de dirección o de interpretación” Montse se muestra firme “Es una técnica que lleva funcionando cien años y que ha dado los mejores resultados en materia de obras de arte” Se refiere sin duda a una polémica que no nos es ajena a los estudiantes de dramaturgia y dirección de la RESAD y que ha tenido como consecuencia más de una acalorada discusión el pasado año. ¿Es el método Stanislavsky aplicable a toda obra? ¿Tiene sentido aplicar el método en una obra de Oscar Wilde? ¿Hay vida más allá del realismo?

Sin duda a Deseada, el drama que Max Aub escribió en 1950, le queda bien la controvertida técnica, pues se trata de un drama psicológico entre dos mujeres. El drama de una madre y una hija enfrentadas por dos hombres. Un que pertenece al pasado, no solucionado y sobre todo, no hablado a tiempo y un presente el hombre del que las dos se enamoran. “Sin duda Deseada habla de de la carga que supone omitir el pasado y las consecuencias que esto tiene en el presente” confirma Montse Ortiz.

El trabajo también se enfoca desde la producción y desde la regiduría, pues los alumnos han de procurarse los actores, diseñar la escenografía y coordinar los ensayos. En total han sido tres meses de trabajo que a juzgar por la cara de cansancio que exhibían los últimos días ha debido ser sido muy intenso.

Las escenas están coordinadas por Nacho Sevilla, profesor de dirección, que en todo momento ha abogado por un trabajo colectivo “Al principio no le hice mucho caso a esta cuestión” comenta Montse “Después caí en la cuenta de lo importante que era la opinión de mis compañeros para mi trabajo. Estás tan embebida en el proyecto que se te pasa por alto abordar los problemas con sencillez y ahí están tus compañeros para recordártelo. No es un asunto de uno, es un asunto de todos”

Son todos los que van a hacer posible que el viernes 18 de Diciembre a las doce y media disfrutemos de la primera muestra como directores de los alumnos de segundo. Es cada uno el que pone su pasión, su tiempo y su esfuerzo para su cuarto de hora de escena.

No faltaremos.

Ana María García

"Hamlet: la aparición de fantasma"

Mañana, día 11 de Junio a partir de las 12,30, tendrá lugar en la Rea Escuela Superior de Arte Dramático la muestra de teatro postdramático de los alumnos de segundo de Dirección.
Uno de los alumnos, Diego Domínguez, mostrará también un ejercico basado en "Hamlet" de Shakespeare.

"He querido que el fantasma esté dentro de la mente de Hamlet"- explica el director. Ha aunado las distintas escenas del texto de Shakespeare en las que aparece el fantasma. "He trabajado a partir de la luz y del sonido. Cuando se hace el silencio se hace real la aparición del fantasma en la mente de Hamlet"

Cuenta sólo con un actor, Richard Collins-Moore, que ha trabajado con el texto en inglés. "Shakespeare tiene una sonoridad preciosa en inglés y quería explotar la idea de cómo el espectador, a pesar de que no entienda el texto, sí puede entender lo que sucede en escena."

Al estar el fantasma en la mente de Hamlet, el director se apoya en la luz y en el sonido para hacerlo presente ante el público. "El fantasma es un pensamiento silencioso en la mente de Hamlet", y este pensamiento se apoya en el silencio de la escena.

Es un ejercicio fuera de la muestra del segundo cuatrimeste, pero que el profesor Nacho Sevilla ha querido incluir en el programa por su buena realización, lo que es un orgullo para este estudiante de dirección.

"The rest is silence..."

No hay trabajo

El próximo viernes 11 de junio tendrá lugar, bajo la dirección de Raul Rodríguez, la obra “Petición de empleo”, de Michel Vinaver. El evento podrá ser visto en la Real Escuela Superior de Arte Dramático.
"La obra refleja la problemática laboral de nuestro tiempo como resultado del sistema capitalista, en el que el hombre se valora solo por su capacidad de producir", comenta el director, resaltando el carácter de actualidad que adquiere la obra de Vinaver en nuestros días.
El texto del autor francés habla del desmoronamiento de una familia cuyo padre lleva un tiempo en paro y va perdiendo la esperanza de encontrar un trabajo conforme avanza la acción.
"Al ser una obra deconstruida, primero juntamos las piezas del puzzle para crear un texto lógico, a partir del cual trabajamos para dar sentido a la obra, y después volvimos a desfragmentarlo", apunta Raul. De esta forma, al quedar partidas todas las réplicas, el texto adquiere una musicalidad y un ritmo especial, convirtiendo el estreno en una apuesta arriesgada.
El reparto está formado por cuatro actores: Samuel Blanco, Santiago Tocarrucho, Esther Acebo y Cristina Martín.

Hoy, Invitados a cenar.

El próximo 23 de Junio, Claudia Tobo estrena su obra, Invitados, en la sala García Lorca de la Resad. Tobo, alumna de 4º de Dirección de la escuela, sumó a su proyecto final de dirección la dramaturgia de la obra.
“El bosquejo de Invitados surgió en un curso para extranjeros, Otras voces, impartido en la sala Cuarta Pared”, cuenta Tobo. A lo cual añade que “el propósito era que gente dedicada al teatro, pero alejada de la escritura, escribiera sobre su situación en España”. Sanchis Sinisterra, director del curso, propuso a sus alumnos que eligiesen un concepto como punto de partida. “Me decidí por el miedo a los bárbaros, a convertirnos en uno de ellos, tomando las palabras de Todorov”, continúa la joven directora.
La obra plantea una situación bastante curiosa. Una familia española de clase media, compra inmigrantes para ponerlos en el salón. Tras este inusual punto de partida, se suceden varias situaciones graciosas y, precisamente por ello, aún más terribles. La autora y directora nos sitúa en el centro mismo de la situación actual existente con respecto a la inmigración.
“Tras la Segunda Guerra Mundial, se llamaba invitados a los turcos llegados a Alemania, confiando en que no tardarían en marcharse, cosa que nunca hicieron”, explica Tobo. De ahí el título. “El mundo está lleno de inmigrantes cuyo deseo primordial es ganarse la vida en cualquier lugar, del que a veces, desgraciadamente, no se sienten parte”, afirma. En este caso encontramos a los invitados casi a modo de estatuas en el salón.
Su miedo con respecto a la obra es que se produzca confusión en la identificación. “El problema de la identificación puede venir provocado por el tono paródico que he utilizado durante toda la obra, tanto en el texto como en el montaje”. La pretensión no es sólo hacer reír, sino hacer pensar.
“Me gustaría que el público no viera a los dueños de la casa como malas personas. No lo son. Se preocupan por sus invitados, y eso ya es más de lo que mucha gente haría”.
¿Qué haríamos nosotros en esa situación?

"El sueño de la razón produce monstruos"

El próximo miércoles, 9 de Junio a las 12,30, se estrena “Dentro”, el montaje de fin de carrera de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, de los alumnos y dramaturgos Antonio Lafuente e Iñaki Oliver y dirigido por Claudia Tobo y Pilar G. Almansa.

“Son los monstruos del miedo, que se apoderan de nuestra imaginación y a quienes rara vez ponemos cara. Y lo peor de todo es que, en ocasiones, aunque creamos que nos hemos librado de ellos, están ahí, escondidos en la multitud…” es la frase que eligen para definir el montaje que se ha basado en el grabado de Goya que lleva el título de “El sueño de la razón produce monstruos”.

Es una reflexión sobre el ser humano y su relación con sí mismo. Plantea una relación de con nosotros mismos, desde un ángulo de antagonistas. Nosotros somos nuestro principal enemigo.
La escenografía de David Pizarro ayuda a crear un ambiente en el cual todo está dispuesto de tal manera para que los actores no tengan más remedio que tener que relacionarse con su propio yo.

“Todavía no ha creado el ser humano ninguna tecnología que, a día de hoy, en el siglo XXI, pueda librar al individuo de su peor enemigo: él mismo, y lo que lleva dentro.” Con esta frase reflexionan sobre hasta qué punto le sirve al ser humano todo el despliegue tecnológico que tiene a su alcance, si no tiene armas para poder sobrevivir a la peor guerra: La guerra con uno mismo.

Los actores y alumnos implicados en este montaje son: Carlos Segura, Elena Alonso, Laura Ros, Fredi Millán, Jorge Quesada, Lara Ortiz, Ángel Sánchez, Cecilia Valencia, Uxía Morán, Raquel Torres y Ane Miren Lafuente. Un gran ejército luchando contra un enemigo en común: El miedo.

“AGUA DOLOROSA”. ANTECRÍTICA

El próximo 11 de junio se representará “Aguante del dolor” de Otso Kautto, dentro de la última muestra de curso de los alumnos de 2º de Dirección de Escena de la RESAD.

En esta obra “la piscina es una alegoría de lo profundo, del sonido de la angustia que se vuelven sordos bajo la densidad del agua, pero que sigue estando allí” comenta Paola Torregrosa, directora del montaje.

“Aguante del dolor”, es uno de los textos más representativos del teatro finlandés más reciente. Esta obra no sólo habla del padecimiento interior; también del aguante del dolor físico que deben de soportar los deportistas para llegar a la élite. En este caso el deporte en cuestión es la natación. Temas como la adicción al esfuerzo físico, el dopaje, el miedo al fracaso y la superstición en las competiciones, son bien conocidos por el autor, que, además de dramaturgo, ha sido también nadador profesional.

En el texto, que podría enmarcarse dentro del “realismo mágico”, conviven personajes vivos con muertos y dialogan entre si. “La piscina es una alegoría de lo profundo, y en su fondo quedaron hundidos los cadáveres de pasadas generaciones” sugiere la directora; que en oposición al género, ha querido trabajar la interpretación de los actores con un tono natural y distendido, haciendo que la presencia de unos y otros, vivos y muertos, resulte de lo más normal. “El sentimiento poético ya lo posee el texto mismo”.

“Aguante del dolor” es una de las obras fundamentales del teatro finlandés contemporáneo. Un teatro prácticamente desconocido para el público español. La oportunidad para conocer más sobre éste: el próximo 11 de junio a las 12:30h en la RESAD.

Siete voces para Müller

El próximo día 19 de mayo en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático), va a tener lugar el estreno de una de las últimas piezas de H. Müller, Camino de Wolokolamsk, basado en documento real de la Segunda Guerra Mundial, un diario de trinchera de un soldado ruso escrito en 1941.

"No me interesa hacer teatro para contar algo que pasó hace 70 años", declara Patricia Benedicto, que ha querido traer a la actualidad un texto escrito en 1984 a modo de advertencia por Müller, en una época en que Gorbachov estaba al mando del Kremlin, y que se estaba elaborando un plan de apertura de Rusia a Estados Unidos, y el comienzo del camino al Capitalismo. Precisamente el texto que se va a estrenar el próximo miércoles es sólo la primera parte de la obra, que está dividida en 5, y lleva el sobretítulo de Apertura Rusa.

"En la RDA se llevó a escena con actores no profesionales, y a modo de pieza didáctica, siguiendo el estilo del Lehrstück de Brecht", aclara la directora. El texto original es una larga tirada de versos sin rima ni personajes y, según ella misma afirma, al hacer una dramaturgia se va configurando, y van surgiendo las distintas voces que hablan en él, hallando incluso una acción. Por ello Benedicto considera que no es una pieza posmoderna al uso, definiendo este término como "texto con carácter fragmentario, ausencia de personajes y ninguna acción clara". A pesar de ello, confiesa que ha construido el conflicto de la obra a partir de imágenes, lo que quizá acentúe ese carácter fragmentario que se encuentra en el texto.

"El texto ha sido distribuido entre 7 voces que roban la voz al narrador, no tanto con el fin de contar al espectador lo ocurrido, sino con el de expresar la tragedia que encierra el texto", declara la directora, acerca de la dramaturgia que ella misma ha realizado. Esas voces son las del comandante (repartido en dos, el primero en la actualidad, y el segundo como una voz del recuerdo), el alférez, dos voces de soldados, y dos voces de desertores. Benedicto ha ideado dos espacios diferenciados, el primero en el centro del escenario, donde sitúa las voces del recuerdo, -encarnadas por 6 actores-, y que va a cubrir con una tonelada de sal para dar una idea de lejanía y frialdad de nieve. El segundo espacio, que corresponde a la actualidad, rodea al anterior, y por él se moverá al 7º actor, el Comandante que habla con sus recuerdos, rodeándolos, a modo del niño que juega con sus muñequitos soldados.

El estreno tendrá lugar en la sala pequeña de la RESAD, a las 17 h. del miércoles 19 de mayo.

Corrección Antecrítica: Nuestro teatro del exilio

Ana Garrido (alumna de segundo de dirección escénica en la Real Escuela de Arte Dramático) mostrará una escena de la obra “Interview a Miss Smith muerta por sus fantasmas”, de Agustín Gómez Arcos, como ejercicio para la asignatura Prácticas de Dirección Actoral.
Agustín Gómez de Arcos fue autor y director de teatro, así como novelista, en el exilio. Se trata de uno de los grandes desconocidos de la literatura dramática española. Tras ser censuradas sus obras por el régimen franquista, se marchó a Paris, donde desarrolló su carrera en francés. A pesar de ser uno de los dramaturgos más innovadores de nuestro siglo, no es conocido en su país natal. Por esta razón, resulta especialmente loable que se rescaten hoy día sus obras para ser representadas.
“Quiero hablar sobre la visión imperialista en el mundo occidental”, afirma Garrido. Precisamente lo que más le interesa del texto es su trasfondo político. Hasta este momento, las obras de teatro que había abordado como directora no le resultaban tan cercanas. A diferencia de sus precedentes, este texto le es próximo en el tiempo y en la visión que ella tiene del mundo.
“El capitalismo reproduce patrones de relación antiguos. La disyuntiva amo/esclavo todavía no ha sido superada”. Garrido opina que este texto supera la visión de actualidad antes expuesta, presentándonos un conflicto universal: las formas de gobierno han mutado pero la relación de poder sigue siendo la misma.
“Me gustaría trabajar con elementos simbólicos, sin necesidad de entrar en la casquería”. Ana Garrido busca llamar la atención del público utilizando imágenes potentes (desde un hombre desnudo congelado hasta una mujer que tiene por vísceras emblemáticos gatos comunistas de “los chinos”). “Me interesa más la sugerencia que la evidencia”, añade. No obstante, al seguir un proceso que empieza en las imágenes, Garrido encuentra problemas a la hora de justificar las acciones. A su vez, dice Garrido, son las que activan la creatividad. Es la razón por la que apuesta por este trabajo: le toca de cerca.
“Lo más gratificante del proceso es trabajar con los actores”, afirms. Para ella es importante un proceso que sigue el siguiente orden: los actores aprenden el texto antes de empezar a ensayar. Al estar liberados de esta carga, pueden centrarse en la creación de imágenes a la que están acostumbrados porque su especialidad es el gesto. A partir de esta afirmación, podemos deducir una apuesta por el trabajo hecho con seriedad, cosa que agradecemos a la joven directora.
Podremos asistir a esta pieza el próximo día 26 de Mayo. Tendrá lugar en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático).

ANTECRÍTICA. “MUERTE, MISERIAS Y OTRAS VIRTUDES

El próximo 7 de junio se mostrará por primera vez al público “Muerte, miserias y otras virtudes” en la sala García Lorca, dentro de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, como resultado de uno de los Talleres integrados de final de carrera en todas sus especialidades.

“Todos escondemos nuestra verdad detrás de una careta” afirma la dramaturga de la obra, Diana Luque, acerca de una realidad sobre la que se sostiene el eje central de la obra. “Muerte, miserias y otras virtudes” trata de la renuncia a nosotros mismos por miedo a no encajar en el sistema actual; cada vez más movido por los intereses económicos y sociales.

Los individuos de nuestra época actual han entrado de lleno en una dinámica de constante superación y de metas cada vez más altas. Esta es la realidad en la que se encuentran envueltos los personajes de la obra. Una realidad empujada por el ánimo de sobrevivir, por el espíritu competitivo, por la posibilidad de alcanzar el estatus deseado; marcado por los parámetros de la sociedad contemporánea. “Vivimos en un mundo de apariencias, donde todos mostramos una careta, escondiendo nuestra verdad, porque si la mostráramos no sería posible el encuentro” según palabras de la dramaturga Diana Luque. En su texto se encuentra muy presente la evidencia de una cultura que tiende cada día más a contemplar la verdad como una debilidad, de la miseria moral de la sociedad contemporánea; la cual también es extrapolable a las relaciones humanas.

Todo en el texto ha sido plasmado en tono de comedia negra con grandes dosis de humor ácido y el uso de diálogos rápidos y ágiles que acentúan el ritmo fluido de la obra.
“No queríamos hacer una drama en el que predominara el discurso retórico. Por ello hemos situado la acción en un espacio a cuatro bandas, un ring de boxeo en el cual representar el tema casi como una alegoría de nuestra sociedad” cuenta el director del montaje, Juan Ollero.

Actualmente, director y actores continúan perfilando la interpretación trabajando mediante ejercicios de improvisación a partir de las premisas del texto. “Considero que el proceso de puesta en escena nunca se acaba. Siempre existirán aspectos sobre los que trabajar”.
El resultado lo veremos el día 7 de junio, a las 18:00h en la sala García Lorca de la R.E.S.A.D.

Aproximación al Sometimiento de Actualidad

Ana Garrido (alumna de segundo de dirección escénica en la Real Escuela de Arte Dramático) mostrará una escena de la obra “Interview a Miss Smith muerta por sus fantasmas”, de Agustín Gómez Arcos como ejercicio para la asignatura Prácticas de Dirección Actoral.

“Me gustaría trabajar con elementos simbólicos, sin necesidad de entrar en la casquería”. Ana Garrido busca llamar la atención del público utilizando imágenes potentes (desde un hombre desnudo congelado hasta una mujer que tiene por vísceras emblemáticos gatos comunistas de “los chinos”). “Me interesa más la sugerencia que la evidencia”, añade. No obstante, al seguir un proceso que empieza en las imágenes, Garrido encuentra problemas a la hora de justificar las acciones pero estas dificultades son las que activan su creatividad. Es la razón por la que apuesta por este trabajo: le toca de cerca.

“Quiero hablar sobre la visión imperialista en el mundo occidental”, afirma Garrido. Precisamente lo que más le interesa del texto es su trasfondo político. Hasta este momento, las obras de teatro que había abordado como directora no le resultaban tan cercanas. A diferencia de sus precedentes, este texto le es cercano en el tiempo y en la visión que ella tiene del mundo.

“El capitalismo reproduce patrones de relación antiguos. La disyuntiva amo/esclavo todavía no ha sido superada”. Garrido opina que este texto supera la visión de actualidad antes expuesta presentándonos un conflicto universal: las formas de gobierno han mutado pero la relación de poder sigue siendo la misma.

“Lo mejor ha sido trabajar con los actores”, afirma. Y es que Santiago Gómez y Ane Miren (dos actores del cuarto curso de la especialidad de gestual) proponen muchas ideas. No son el tipo de actores que esperan a que el director les diga lo que tienen que hacer y eso, según Ana, enriquece mucho la creación puesto que el hacer teatro significa trabajar en equipo. “Para trabajar con ellos las imágenes, tema que dominan, prefiero que quede fijado el texto de antemano”, concluye Garrido. A partir de esta afirmación podemos deducir una apuesta por el trabajo hecho con seriedad, cosa que agradecemos a esta joven directora.

Podremos asistir a esta pieza el próximo día 26 de Mayo. Tendrá lugar en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático).

Antecrítica

El viernes 18 de Diciembre los alumnos de segundo de dirección mostrarán al público textos de David Mamet, Lilian Hellman y Federico García Lorca, entre otros, en la Real Escuela de Arte Dramático de Madrid.

Ana Garrido presenta Bodas de Sangre la famosa obra de Federico García Lorca.
“En esta obra, como en otras muchas, Lorca habla de la represión que los convencionalismos sociales producen en el individuo” afirma la directora. “El tema que he querido reflejar en la escena es ser uno mismo, y dejarse llevar por los instintos, en contra de las normas sociales de una época que produce un enfrentamiento entre individuo y sociedad con trágicas consecuencias”.

Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, provincia de Granada, 5 de junio de 1898 – entre Víznar y Alfacar, ibídem, 19 de agosto de 1936) fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con Valle-Inclán y Buero Vallejo. Murió ejecutado tras el levantamiento militar de la Guerra Civil Española, por su afinidad al Frente Popular y por ser abiertamente homosexual.

Ana Garrido se acerca a una interpretación “lo más natural posible”. Según dice, “no quería caer en el costumbrismo lorquiano, que fuera lo más cercano posible a un drama realista, así que obvié algunas de las partes poéticas, como por ejemplo la de las canciones de los invitados y lo sustituí por efectos sonoros”.

La decente, de Mihura

El martes 23 de marzo va a tener lugar en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático), la muestra de comedia de los alumnos de segundo curso de dirección de escena. "He de reconocer que no me gustaba nada en absoluto", confiesa Ana Garrido, directora de una de las escenas que se van a poder ver, en este caso la parte central de La Decente, de Miguel Mihura. "Al principio estaba muy perdida", continúa, "y tras el primer pase comencé a entender un poco por dónde debíamos ir, pero no lo vi claro hasta el segundo, en el que comprobé qué le hacía falta a la escena." Con el término pase se refiere a cada una de las veces previas a la muestra en que la escena debe ser representada en el aula, ante el docente y el resto de compañeros, para que se pueda llevar un seguimiento del trabajo y una proceso de evaluación.

"¡La disposición y entrega de los actores ha sido la leche!", en estos términos define Garrido su trabajo con Tamara Carro y Manuel Benito, "ambos algo jóvenes para la idea inicial que tenía de los personajes tras la primera lectura de la obra". Su intención primigenia era la de incluir gags cómicos y números de clown, pero al darse cuenta de que en el texto que le había correspondido montar no tenía cabida este tipo de cosas, se centró en el trabajo de los actores y en ir perfilando los personajes poco a poco. "Yo creo que eso es lo que me ha ayudado a estar motivada con el proyecto", afirma Garrido respecto al proceso de ensayos con sus dos amigos a los que ha embarcado en esta aventura.

Para Ana la muestra de mañana es sólo un principio, pues, según sus propias palabras, "queda mucho por hacer... es una escena complicada que requiere mucho tiempo." "Pero no puedo quejarme del resultado", concluye Garrido, "el trabajo ha sido muy interesante".

nico guau

Estreno de Cornudo y contento , de Lope de Rueda

Mañana miércoles va a tener lugar en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid) el estreno de la pieza Cornudo y Contento, de Lope de Rueda (siglo XVI), dentro la muestra de escenas de la asignatura de Taller de Teatro Clásico. "No pensé que me fuera a divertir tanto", comenta su directora Ana Garrido, "hemos pasado muy buen rato durante los ensayos". Ella, junto con los actores Morgan Blasco y Toño Velasco tomaron a primeros de año la decisión de no actualizar el texto de partida, sino sólamente en aquello que pudiera no ser entendido por el público actual. "Mantiene toda su frescura a pesar del paso de los siglos, por tanto los únicos cambios han sido unas frases coloquiales de nuestros abuelos, con las que hemos sustituido alguna de las originales", afirma Garrido.

"Hemos trabajado la Commedia dell'Arte, en concreto los personajes de Arlechino y del Dottore", explica la directora y estudiante de segundo curso de Dirección de Escena de la citada escuela. Garrido que huye del teatro de evasión y entretenimiento, porque, según ella misma dice, el artista debe buscar más allá de su obra y no quedarse en un mero goce estético, ha encontrado la horma de su zapato al trabajar con los dos actores. "Son un par de payasos, en el buen sentido del término, y en el primer ensayo proponían no dejaban de proponer juego tras juego y gracia tras gracia; hubo un momento tenso en que tuve que para aclarar con ellos el tema del que quería yo hablar. Entonces pude comprobar que estaban completamente de acuerdo con mi propuesta, y a partir de ahí todo fue mucho más fácil." La pieza, que trata del engaño de un pobre hombre (el cornudo del título) por parte de su mujer y del amante de ésta, le ha servido a la directora para hablar de un tema que considera de plena actualidad en aquella y en todas las épocas: "el del poderoso y el sometido."

El texto dirigido por Garrido ha sido a su vez trabajado por sus compañeros directores, y cada uno podrá mostrar mañana su propuesta, que seguramente será distinta a las demás.

nico guau

Pendejadas y Mamaditas

El pasado viernes 18 de Diciembre en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid, tuvo lugar la muestra de los alumnos de segundo de Dirección. Estuvo muy concurrida por profesores y alumnos de otras especialidades que acudieron como público.

Los alumnos mostraron las escenas que han trabajado durante este trimestre. El objetivo era “trabajar la relación del director con los actores”, en palabras de Nacho Sevilla, profesor de Dirección y encargado de coordinar los ensayos.

Los textos que se pusieron en escena fueron, entre otros, “Bodas de Sangre” de Federico García Lorca; “Edmon” de David Mamet.

“Estoy contento con el trabajo. Pero todo lo que diga son pendejadas y mamaditas. Lo que realmente quiero expresar está en la escena”- explicaba Raúl, director de la escena de Mamet.

En general todos los alumnos quedaron satisfechos del trabajo expuesto.

Aphrax K.

“Yo dirijo con la verga”

El próximo viernes, día 18 de Diciembre, tendrá lugar la presentación de una escena de Edmond, obra de David Mamet, dirigida por Raúl Rodríguez, en la sala S-17 de la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Dicha escena formará parte del ejercicio Drama Realista, una muestra del trabajo realizado por los alumnos de 2ºCurso de Dirección.

El acto está programado para la una de la tarde, con una duración de no más de 3 horas, incluidas las pausas destinadas a los cambios de escenas, en las que se podrán ver puestos en escena textos de autores tan dispares como Oscar Wilde, Lorca o Wedekind, entre otros.
Se tratará de mostrar al público el resultado de meses de ensayos que corresponden a la asignatura de Dirección Actoral impartida por el profesor Nacho Sevilla. El trabajo de los alumnos-directores ha sido dedicado en su totalidad a dirigir a los intérpretes, únicamente, por lo que no se han de valorar elementos de la puesta en escena como la escenografía, el espacio lumínico o el sonoro. Por su parte, Nacho Sevilla ha exigido a sus alumnos que trabajen a partir del planteamiento propuesto por Jorge Saura, basado en el análisis activo.
En lo que respecta a Raúl Rodríguez (México D.F., 14.02.83), decir que para analizar su labor debemos tener en cuenta la formación que recibió en El Foro Teatro Contemporáneo, escuela de la capital mexicana en la que estudió la carrera de Interpretación durante 4 años. En su estancia allí, participó en montajes como Rey Lear, de Shakespeare o Rhinoceronte, de Ionesco.
Como director aún no ha dirigido una pieza teatral completa, así que esta será su muestra-prima en la RESAD. Se ha decidido por el texto de Mamet por que este “ofrecía múltiples posibilidades con las que jugar”, lo cual se verá plasmado, puesto que Raúl “definió, decidió y encontró la manera adecuada que el texto le exigía para poder jugar”. Claro que, la manera adecuada según él mismo.
Pero no hay nada acabado, nada definitivo, nisiquiera el planteamiento de dirigir a los actores según los sucesos y el análisis activo, sobre el que opina el director: “Tan sólo es una herramienta, pero no la única”.
La pareja de actores, Guillermo de los Santos y Lidia Méndez – alumnos de 3er Curso de Interpretación Textual de la RESAD, previamente habían participado en muestras de escenas de autores como Chéjov o Cervantes, decían estar muy contentos de trabajar con este director americano.
En los primeros ensayos de la escena, los 3 comenzron a trabajar a partir de improvisaciones que les permitía “descubrir y respirar el mundo de Mamet”. Así, fuimos encontrando hallazgos del texto y de la propia escena, que nos ha permitido indagar en diversas posibilidades escénicas” comenta Raúl Rodríguez. Conociendo el texto de David Mamet sabemos que hay una muerte en escena; tratándose de un ejercicio dedicado a la dirección actoral, será interesante poder ver la resolución que le dará el pinche director a esta posibilidad escénica. “El trabajo del director consiste en encontrar interés a un texto”, afirma Raúl, quien afirma dirigir actores con la misma pasión que actúa en la cama.

Comentarios de la antecrítica de Jerónimo Jimeno, por nico guau

* Las citas del entrevistado se han convertido en lenguaje indirecto, no está el toma y daca de que se habló sino que el redactor ha hecho suyas las palabras del entrevistado. Forzando las citas, por ejemplo la última frase del primer párrafo podría quedar así:

El propio Raúl Rodríguez señala dicha complicación: "intentar encontrar el camino más efectivo y conseguir guiar al actor hacia ese camino, como el interés principal del trabajo."

* Al no haber citas, falta también la frase primera que enganche. Quizá podría colocarse al principio la de "Yo haría de todo".

* Sam Shepard está mal escrito.

* Varias frases mal redactadas o confusas, como por ejemplo:

Raúl Rodríguez, familiarizado con el realismo a través de trabajos sobre textos de Sam Shepard, no descarta este estilo de su futuro teatro.



(Realmente no sé si la tarea es hacer comentarios o reescribirla, así que aquí está reescrita:)

Raúl Rodríguez presenta Edmond, de David Mamet.

"Yo haría de todo", señala el director mexicano Raúl Rodríguez, dando muestra con ello de la pasión e inquietud con que desarrolla su actividad. El próximo viernes 18 de diciembre Rodríguez va a mostrar una escena de la obra de Mamet en un aula de la RESAD de Madrid (Real Escuela Superior de Arte Dramático). Edmond es la historia de un hombre de negocios, que, huyendo de su vida gris, emprende una peripecia nocturna, violenta y catártica. "El complejo arco dramático de este héroe de comedia negra ha supuesto mi principal reto como director", comenta Rodríguez.

David Mamet, cineasta y dramaturgo estadounidense, ganador del premio Pulitzer en 1984, retrata en esta obra una sociedad de prejuicios, a los que el protagonista se va enfrentando. Edmond, llevada al cine por Stuart Gordon, propone otra dificultad para Rodríguez, el ritmo. El director ve solventada esta dificultad pese a las limitaciones del proceso de ensayos.

El elenco está formado por Lidia Rodríguez y Guillermo de los Santos, ambos alumnos de la RESAD en la especialidad de Interpretación. "Mi mayor complicación ha sido intentar encontrar el camino más efectivo y conseguir guiar al actor hacia ese camino", afirma Rodríguez hablando acerca del trabajo con el protagonista de la obra.

Raúl Rodríguez, familiarizado con el realismo a través de trabajos sobre textos de Sam Shepard, no descarta este recientemente experimentado dentro de sus futuros montajes. Mientras tanto, se enfrenta a la prueba académica satisfecho, tranquilo y entusiasmado.

por nico guau

antecrítica de Ignatius Reilly corregida por Jerónimo Jimeno

“Nunca antes me había interesado por la metodología naturalista”
Germán Collado

El próximo viernes 18 tendrá lugar en la RESAD (Real Escuela de Arte Dramático) la muestra de los trabajos de dirección de segundo. Germán Collado presentará la escena final del acto primero de El Abanico de Lady Windermere , de Oscar Wilde. El joven estudiante de dirección considera interesante este texto porque, según sus palabras, “El qué dirán influye hasta tal punto en nuestras vidas que, a menudo, se convierte en más real que la verdad misma”.

Germán Collado afirma que la experiencia de trabajar una metodología naturalista, ajena a su formación actoral, enriquece su escena con nuevas herramientas. Además, el director ha sido fiel al marco histórico de la obra, aristócratas de la época victoriana.

Los actores, dos alumnos de interpretación textual de la escuela – Cristina Salmerón y Jota Rodríguez – han sido muy importantes dentro del proceso a pesar de los problemas que ha ocasionado la diferencia de nivel. “Cristina me ha enseñado mucho porque conocía muy bien esta técnica”, añade Germán Collado en referencia a la metodología de Stanislavski/Layton.

Finalmente, Germán Collado afirma que ha merecido la pena sacar adelante este proyecto. “Ha sido un verdadero trabajo en equipo. Hemos puesto en común nuestros conocimientos desde el respeto mutuo”, concluye el director.

Ignatius Reilly.