Yo era de esos sujetos en extinción. De los de pipa en mano y bufanda de colores, un ser llamativo como pocos. Ya desde que nací llame la atención. Mi padre, que es músico, siempre me recordaba el breve grito que compuse nada más nacer, perfectamente afinado en La menor, y como, acto seguido, me quede en silencio. Los médicos, que me dieron por muerto, mascullaron la palabra “Cadáver”, término que elegí a los 3 años como mi primera palabra al observarme en el espejo, y que se me quedó grabada a fuego en mi tierna cabeza. Recuerdo a mi madre sorprendida, dejando caer un: “¿Qué?”, y añadiendo en un lenguaje disléxico: “No hijo, no cadáver. Yo mamá, tu niño especial”. Evidentemente, la creí. Era “niño especial”. Yo no era un cadáver.
Años más tarde, contrariamente a lo que se suele asociar con ese periodo pre-coital y contestatario llamado adolescencia, yo fui un chico de los que les gustaba escuchar a los adultos. Incluso de vez en cuando me daban unas moneditas por los consejos que me regalaban desinteresadamente. Me encantaba escuchar, aprender lo que decían que decían otros, porque me daba cuenta de que ellos pensaban como yo, o yo como ellos. Me ayudaban a descubrir mi camino. Y me sentía enormemente agradecido. “No haces nada” me decía mi madre. “Pareces un cadáver” añadía mi padre. Y yo pensaba, sí, parece que lo soy, al fin y al cabo, fue mi primera palabra. Pero yo era un ser extraño, no un cadáver.
No mucho más adelante termine los estudios, o más bien, yo acabe con ellos. Y, como mi condición exclusiva requería, me entregue a esa maravillosa maquina globalizadora del trabajo fugaz, saltando de empleo en empleo. En esta aventura conocí a mucha gente, gente común y corriente, sin aspiraciones. De los que no escuchaban lo que pensaban otros. Yo les miraba, vestidos como yo, trabajando en lo mismo que yo, pero, no como yo. Yo era especial y ellos no. Yo no era un cadáver.
Actualmente duermo en una caja de madera, hecha en serie para personas de mi complexión, pero no igual de especiales que yo. Oí el discurso de mi propio funeral. Terminó con unas profundas frases de goteo: “Un trabajador. Un luchador. Empezó y terminó su vida en silencio. Escuchando. Y ahora, es un cadáver”. Era verdad, como todo lo que se escucha, y yo, como no podía ser de otra forma, la escuché y la hice mía. Ahora sí que tenían sentido esas primeras palabras de la infancia. Ahora sí que era un cadáver, antes no...
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domingo, 13 de junio de 2010
miércoles, 9 de junio de 2010
Desenterrando mitos
El próximo día 11 de Junio se presentará en la RESAD Julieta en el sepulcro, escena de la obra El Público, escrita por Federico García Lorca en 1930. La muestra tendrá lugar en el aula S. 13 a las 11:30. Será interpretada por: Laura Salido Naranjo, Cipri, Adán, Carlos, Pablo y Leonor. La dirección correrá a cargo de Germán Collado, alumno de segundo de dirección de escena en la RESAD.
.”Este es un teatro donde la verdad se descubre y se muestran todos los instintos del ser humano sin reprimirlos”, comenta Collado. La escena nos presenta a Julieta levantándose del sepulcro. Posteriormente llegan dos caballos, uno negro y otro blanco, que intentarán forzar a la joven y virgen protagonista.
“Julieta como protagonista de su propio drama. Del desconocimiento que tiene de él”, declara el joven y generoso director. Germán Collado dibuja en escena dos temas de vital importancia para su autor: el teatro bajo la arena y el amor imposible representado en Julieta. Para ello se vale de elementos surrealistas y simbólicos, usando los objetos en su sentido más freudiano.
“Para crear el universo onírico y cíclico me he valido de canciones, interpretación gestual y marionetas” añade Collado, que se sirve de numerosos códigos para crear su universo. Usa varios intérpretes gestuales para dar vida a los caballos.
“El erotismo está continuamente presente”, explica Collado, que ha pensado en todos los públicos. “He añadido un toque de comedia, para que no se convierta en un dramón”, concluye el director sobre una escena que nos acercará a una de las facetas artísticas menos conocidas de Lorca.
.”Este es un teatro donde la verdad se descubre y se muestran todos los instintos del ser humano sin reprimirlos”, comenta Collado. La escena nos presenta a Julieta levantándose del sepulcro. Posteriormente llegan dos caballos, uno negro y otro blanco, que intentarán forzar a la joven y virgen protagonista.
“Julieta como protagonista de su propio drama. Del desconocimiento que tiene de él”, declara el joven y generoso director. Germán Collado dibuja en escena dos temas de vital importancia para su autor: el teatro bajo la arena y el amor imposible representado en Julieta. Para ello se vale de elementos surrealistas y simbólicos, usando los objetos en su sentido más freudiano.
“Para crear el universo onírico y cíclico me he valido de canciones, interpretación gestual y marionetas” añade Collado, que se sirve de numerosos códigos para crear su universo. Usa varios intérpretes gestuales para dar vida a los caballos.
“El erotismo está continuamente presente”, explica Collado, que ha pensado en todos los públicos. “He añadido un toque de comedia, para que no se convierta en un dramón”, concluye el director sobre una escena que nos acercará a una de las facetas artísticas menos conocidas de Lorca.
Autora redescubierta
El próximo día 26 de Mayo tendrá lugar en el aula S.13 la muestra de Taller de Teatro Clásico, donde podremos ver escenas de varias obras del Siglo de Oro español, y, entre otras, de La Margarita del Tajo que dio nombre a Santarén de Angela Azevedo . Obra hagiográfica que cuenta la vida de Santa Irene. La escena elegida, ha sido dirigida por Diego Domínguez y adaptada por los dramaturgos Jose Carlos Beas y Javier Muélledes.
“Se trata del momento de confrontación más importante. Una lucha de titanes donde el discurso maquiavélico está muy presente”, comenta Domínguez. La escena, que se desarrolla en el interior de un convento, nos presenta a dos mujeres, la Madre Irene y Rosimunda, que se baten en un duelo dialéctico por el amor de un hombre.
“No quiero crucifijos. Pero sí Santidad. Solo ética”, asegura el director, que para lograrlo se ha valido de la simbología de la luz, evocando con ella espacios áureos sin relación alguna con cualquier tipo de religión.”Quiero actualizar la belleza platónica”, remarca Domínguez acerca de este esfuerzo por limpiar la escena.
Los dramaturgos, alumnos como Domínguez de segundo curso, se encargaron de adaptar la escena original, eliminando uno de los personajes masculinos, y dejando en el cuadrilátero a las dos féminas para que dieran rienda suelta a su retórica.
“Necesitábamos unas actrices que pudieran estar a la altura de este texto dramático. Cristina y Candela nos dieron todo lo que queríamos, y lo superaron con creces”, explica el dramaturgo Beas sobre las exigencias del casting. Javier Muélledes asiente.
“Queremos rescatar esta gran autora, que, en nuestra opinión, no merece caer en el olvido”, concluyen Domínguez y Beas. Javier Muélledes no se mueve.
“Se trata del momento de confrontación más importante. Una lucha de titanes donde el discurso maquiavélico está muy presente”, comenta Domínguez. La escena, que se desarrolla en el interior de un convento, nos presenta a dos mujeres, la Madre Irene y Rosimunda, que se baten en un duelo dialéctico por el amor de un hombre.
“No quiero crucifijos. Pero sí Santidad. Solo ética”, asegura el director, que para lograrlo se ha valido de la simbología de la luz, evocando con ella espacios áureos sin relación alguna con cualquier tipo de religión.”Quiero actualizar la belleza platónica”, remarca Domínguez acerca de este esfuerzo por limpiar la escena.
Los dramaturgos, alumnos como Domínguez de segundo curso, se encargaron de adaptar la escena original, eliminando uno de los personajes masculinos, y dejando en el cuadrilátero a las dos féminas para que dieran rienda suelta a su retórica.
“Necesitábamos unas actrices que pudieran estar a la altura de este texto dramático. Cristina y Candela nos dieron todo lo que queríamos, y lo superaron con creces”, explica el dramaturgo Beas sobre las exigencias del casting. Javier Muélledes asiente.
“Queremos rescatar esta gran autora, que, en nuestra opinión, no merece caer en el olvido”, concluyen Domínguez y Beas. Javier Muélledes no se mueve.
jueves, 13 de mayo de 2010
Muerte y miseria en la RESAD
El próximo día 7 de Junio se presentará en la sala B de la Real Escuela Superior de Arte Dramático la obra Muerte, miserias y otras virtudes. Comedia teatral escrita por las alumnas del último curso de dramaturgia Diana I. Luque y Paula Parra, y dirigida por alumnos de cuarto curso de dirección, Juan Ollero y Rosa Fernández.
Muerte, miseria y otras virtudes nos muestra tres historias de reencuentro unidas por un denominador común: la miseria. “La miseria no hace distinción de clases. Afecta a todos por igual” declara Diana I. Luque. En las 3 historias se reflexiona sobre el pasado, sobre la muerte. Tres situaciones vividas por gente de diversas clases sociales, que hace tiempo que no se ve, y cuya convivencia se ve alterada por alguien externo que llega para hacer más patente la miseria de sus vidas.
Las diferentes tramas se desarrollan en un mismo momento, Nochevieja, que, como puntualiza la autora: “Es una fecha límite llena de buenos propósitos, que en lugar de hacer mejorar a la gente, les hace empeorar”. Una noche que reúne en un mismo escenario numerosos actores y actrices de 4º curso: Ori Esteban, José Ramón Gómez, Alejandro Lara, Daniel Ramírez, Cecilia Aguado, Nuria Álvarez, Guillermo Logar, Laura de Arcos, Ada Fernández, Karla Ferreño, Isabel Montijano y Carlos Troya.
El interesante trabajo escenográfico, hecho por los también alumnos de cuarto de escenografía David Fuente y Jorge Alcalde, juega con la altura de los espectadores con respecto al escenario, proyectando la escenografía directamente sobre el suelo.
“Muerte miseria y otras virtudes es un texto que, sin pretender irse por las nubes ni atender a temas universales, hace una profunda autopsia a las relaciones humanas” concluye I. Luque, la joven escritora que verá por primera vez representada su obra.
Muerte, miseria y otras virtudes nos muestra tres historias de reencuentro unidas por un denominador común: la miseria. “La miseria no hace distinción de clases. Afecta a todos por igual” declara Diana I. Luque. En las 3 historias se reflexiona sobre el pasado, sobre la muerte. Tres situaciones vividas por gente de diversas clases sociales, que hace tiempo que no se ve, y cuya convivencia se ve alterada por alguien externo que llega para hacer más patente la miseria de sus vidas.
Las diferentes tramas se desarrollan en un mismo momento, Nochevieja, que, como puntualiza la autora: “Es una fecha límite llena de buenos propósitos, que en lugar de hacer mejorar a la gente, les hace empeorar”. Una noche que reúne en un mismo escenario numerosos actores y actrices de 4º curso: Ori Esteban, José Ramón Gómez, Alejandro Lara, Daniel Ramírez, Cecilia Aguado, Nuria Álvarez, Guillermo Logar, Laura de Arcos, Ada Fernández, Karla Ferreño, Isabel Montijano y Carlos Troya.
El interesante trabajo escenográfico, hecho por los también alumnos de cuarto de escenografía David Fuente y Jorge Alcalde, juega con la altura de los espectadores con respecto al escenario, proyectando la escenografía directamente sobre el suelo.
“Muerte miseria y otras virtudes es un texto que, sin pretender irse por las nubes ni atender a temas universales, hace una profunda autopsia a las relaciones humanas” concluye I. Luque, la joven escritora que verá por primera vez representada su obra.
miércoles, 5 de mayo de 2010
Una de nube por favor
Hará unas semanas pasó algo que conmocionó el mundo entero. Una nube de humo negro, nacida del corazón de un volcán islandés, invadió el espacio aéreo europeo, causando la cancelación a gran escala de numerosos vuelos (esta vez con excusa).
Casualmente, hace unos días, mis oídos sintonizaron en un bar de poca monta la gran historia de una joven. La muchacha en cuestión, que llamaremos Sally por no ocurrírseme otro nombre mejor, se encontraba de viaje en Italia. Ella debía volver en avión a España, concretamente a Madrid, pero la nube negra enturbio su regreso. Y por no poder quedarse sola y escandalizada en el aeropuerto, decidió protagonizar su propia Odisea.
Consiguió, tras catar prácticamente todos los trenes italianos, llegar hasta una ciudad costera (perdonen a mi memoria que no recuerde la ciudad, pues para entonces ya me acompañaba más de una rubia). Fue ahí donde embarco en uno de esos gigantescos prodigios de la ingeniería (véase el Titanic o el Prestige), que la dejó en Barcelona. A partir de aquí, la historia merece un punto y aparte.
Fue en Barcelona donde convenció a un turco, de profesión camionero, para acompañarle en su viaje hasta la capital. Como Sally no era turco parlante (lo que impedía las conversaciones banales), el camionero, poco a poco, fue cerrando los ojos de sueño y aumentando la emoción. Sally, asustada y viendo su final muy cerca, comenzó a fisgar por todo los resquicios de la cabina, hasta que encontró un CD de música turca que puso a todo volumen (tenía oídos valientes).
Llegados a este punto, Sally corto su historia con un gran: “¡Fue muy emocionante!”. Así que supongo que el camionero se despertó, puesto que la chica estaba a mi lado. Yo, por mi parte, pedí otra cerveza y medité durante un buen rato sobre ello.
Pensé en la frase de Sally, en las cosas que dejamos a la técnica. Me imagino esta situación repetida a menor escala: Un hombre o mujer se olvida el teléfono móvil en casa; Una familia ante el televisor, hipnotizada por Jorge Javier Vázquez , y de pronto, ¡Puf! se va la luz; El metro no funciona, toca ir andando; Tu esposa y su amante bajan por el ascensor, y al mismo tiempo tú llegas. El ascensor se atasca y tú eres bombero… Ahora miro a mi alrededor, luego mi copa. Entonces llamo al camarero:
CAMARERO: Dígame ¿Otra cerveza?
YO: No. Póngame una de nube por favor
.
Casualmente, hace unos días, mis oídos sintonizaron en un bar de poca monta la gran historia de una joven. La muchacha en cuestión, que llamaremos Sally por no ocurrírseme otro nombre mejor, se encontraba de viaje en Italia. Ella debía volver en avión a España, concretamente a Madrid, pero la nube negra enturbio su regreso. Y por no poder quedarse sola y escandalizada en el aeropuerto, decidió protagonizar su propia Odisea.
Consiguió, tras catar prácticamente todos los trenes italianos, llegar hasta una ciudad costera (perdonen a mi memoria que no recuerde la ciudad, pues para entonces ya me acompañaba más de una rubia). Fue ahí donde embarco en uno de esos gigantescos prodigios de la ingeniería (véase el Titanic o el Prestige), que la dejó en Barcelona. A partir de aquí, la historia merece un punto y aparte.
Fue en Barcelona donde convenció a un turco, de profesión camionero, para acompañarle en su viaje hasta la capital. Como Sally no era turco parlante (lo que impedía las conversaciones banales), el camionero, poco a poco, fue cerrando los ojos de sueño y aumentando la emoción. Sally, asustada y viendo su final muy cerca, comenzó a fisgar por todo los resquicios de la cabina, hasta que encontró un CD de música turca que puso a todo volumen (tenía oídos valientes).
Llegados a este punto, Sally corto su historia con un gran: “¡Fue muy emocionante!”. Así que supongo que el camionero se despertó, puesto que la chica estaba a mi lado. Yo, por mi parte, pedí otra cerveza y medité durante un buen rato sobre ello.
Pensé en la frase de Sally, en las cosas que dejamos a la técnica. Me imagino esta situación repetida a menor escala: Un hombre o mujer se olvida el teléfono móvil en casa; Una familia ante el televisor, hipnotizada por Jorge Javier Vázquez , y de pronto, ¡Puf! se va la luz; El metro no funciona, toca ir andando; Tu esposa y su amante bajan por el ascensor, y al mismo tiempo tú llegas. El ascensor se atasca y tú eres bombero… Ahora miro a mi alrededor, luego mi copa. Entonces llamo al camarero:
CAMARERO: Dígame ¿Otra cerveza?
YO: No. Póngame una de nube por favor
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viernes, 16 de abril de 2010
Decálogo del GRAN dramaturgo
1. Un dramaturgo es juzgado por el cuaderno en el que escribe. Cómprate uno caro. No hace falta que escribas en él. Llévalo a todas partes y disimula que no quieres enseñarlo, pero no lo hagas cuando te lo pidan. Di que perteneció a Hemingway.
2. No te laves. La inspiración no deja tiempo para la higiene.
3. No digas que ves la televisión, di que la analizas.
4. A la gente le atrae lo que no comprende. Al dar tu opinión carraspea, y sigue con un “no es dramático”, nadie lo esperará ni entenderá.
5. La extravagancia es tu firma. Aficiónate a algo que nadie haga. Di que odias a los pedantes y sé el mayor de todos.
6. Créete más raro de lo que realmente eres. Que es mucho más.
7. En las reuniones sociales, quédate mirando fijamente a algo, no importa el qué. Ensaya poses ante el espejo todas las mañanas antes del desayuno.
8. Bienaventurado el joven suicida. Memoriza las veces que lo has intentado y deleita a los demás contándoselo.
9. Eres el dios de las palabras. No importa qué faltas cometas, porque tú creas el lenguaje.
10. No destruyas el misterio que emana de esa "D" mágica. Si nadie te entiende no intentes explicárselo. Será mucho peor…para ti.
2. No te laves. La inspiración no deja tiempo para la higiene.
3. No digas que ves la televisión, di que la analizas.
4. A la gente le atrae lo que no comprende. Al dar tu opinión carraspea, y sigue con un “no es dramático”, nadie lo esperará ni entenderá.
5. La extravagancia es tu firma. Aficiónate a algo que nadie haga. Di que odias a los pedantes y sé el mayor de todos.
6. Créete más raro de lo que realmente eres. Que es mucho más.
7. En las reuniones sociales, quédate mirando fijamente a algo, no importa el qué. Ensaya poses ante el espejo todas las mañanas antes del desayuno.
8. Bienaventurado el joven suicida. Memoriza las veces que lo has intentado y deleita a los demás contándoselo.
9. Eres el dios de las palabras. No importa qué faltas cometas, porque tú creas el lenguaje.
10. No destruyas el misterio que emana de esa "D" mágica. Si nadie te entiende no intentes explicárselo. Será mucho peor…para ti.
Antecrítica
El viernes 18 de Diciembre los alumnos de segundo de dirección mostrarán al público textos de David Mamet, Lilian Hellman y Federico García Lorca, entre otros, en la Real Escuela de Arte Dramático de Madrid.
Ana Garrido presenta Bodas de Sangre la famosa obra de Federico García Lorca.
“En esta obra, como en otras muchas, Lorca habla de la represión que los convencionalismos sociales producen en el individuo” afirma la directora. “El tema que he querido reflejar en la escena es ser uno mismo, y dejarse llevar por los instintos, en contra de las normas sociales de una época que produce un enfrentamiento entre individuo y sociedad con trágicas consecuencias”.
Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, provincia de Granada, 5 de junio de 1898 – entre Víznar y Alfacar, ibídem, 19 de agosto de 1936) fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con Valle-Inclán y Buero Vallejo. Murió ejecutado tras el levantamiento militar de la Guerra Civil Española, por su afinidad al Frente Popular y por ser abiertamente homosexual.
Ana Garrido se acerca a una interpretación “lo más natural posible”. Según dice, “no quería caer en el costumbrismo lorquiano, que fuera lo más cercano posible a un drama realista, así que obvié algunas de las partes poéticas, como por ejemplo la de las canciones de los invitados y lo sustituí por efectos sonoros”.
Ana Garrido presenta Bodas de Sangre la famosa obra de Federico García Lorca.
“En esta obra, como en otras muchas, Lorca habla de la represión que los convencionalismos sociales producen en el individuo” afirma la directora. “El tema que he querido reflejar en la escena es ser uno mismo, y dejarse llevar por los instintos, en contra de las normas sociales de una época que produce un enfrentamiento entre individuo y sociedad con trágicas consecuencias”.
Federico García Lorca (Fuente Vaqueros, provincia de Granada, 5 de junio de 1898 – entre Víznar y Alfacar, ibídem, 19 de agosto de 1936) fue un poeta, dramaturgo y prosista español, también conocido por su destreza en muchas otras artes. Adscrito a la llamada Generación del 27, es el poeta de mayor influencia y popularidad de la literatura española del siglo XX. Como dramaturgo, se le considera una de las cimas del teatro español del siglo XX, junto con Valle-Inclán y Buero Vallejo. Murió ejecutado tras el levantamiento militar de la Guerra Civil Española, por su afinidad al Frente Popular y por ser abiertamente homosexual.
Ana Garrido se acerca a una interpretación “lo más natural posible”. Según dice, “no quería caer en el costumbrismo lorquiano, que fuera lo más cercano posible a un drama realista, así que obvié algunas de las partes poéticas, como por ejemplo la de las canciones de los invitados y lo sustituí por efectos sonoros”.
Perfil escritor: Orson Scott Card
Orson Scott Card nació el 24 de agosto de 1951 en Richland-Washington y crece en California, Arizona y Utah. Está considerado como uno de los mejores autores de literatura de ciencia ficción de la década de los 90. Además, ha hecho algunas incursiones en el mundo del cine, los comics y los videojuegos.
Miembro de la Iglesia mormona, viaja a Brasil en 1971 y 1973, donde ejercerá de misionero a las órdenes de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. Es en esta época donde comienza su carrera literaria escribiendo relatos bíblicos. Posteriormente, se adentrará en la literatura fantástica y en el género con el que se ha ganado la atención y el cariño del público: la ciencia ficción.
Licenciado por la Brigham Young University en 1975 y la Universidad de Utah en 1981, dice preferir al público de la ciencia ficción porque "está preparado para escuchar ideas que nunca ha oído antes".
Su éxito llega en 1985 con El juego de Ender, con el que obtiene el premio Nébula y Hugo, los más importantes del género en Estados Unidos. En 1986 con La voz de los muertos vuelve a ganar ambos premios, convirtiéndose en el primer escritor de ciencia ficción en ganarlo por dos años consecutivos.
El estilo de su literatura es claro y conciso. Trata, según sus propias palabras, "de hacer en la ficción lo que Hopkins hizo en poesía: el ritmo y la cadencia del habla natural, en vez del artificio literario".
Actualmente vive en Greensboro, Carolina del Norte con su mujer, Kristine, y sus cinco hijos: Geoffrey, Emily, Charles, Zina Margaret y Erin Louisa, llamados así por Chaucer, Brontë y Dickinson, Dickens, Mitchell, y Alcott, respectivamente.
Miembro de la Iglesia mormona, viaja a Brasil en 1971 y 1973, donde ejercerá de misionero a las órdenes de la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días. Es en esta época donde comienza su carrera literaria escribiendo relatos bíblicos. Posteriormente, se adentrará en la literatura fantástica y en el género con el que se ha ganado la atención y el cariño del público: la ciencia ficción.
Licenciado por la Brigham Young University en 1975 y la Universidad de Utah en 1981, dice preferir al público de la ciencia ficción porque "está preparado para escuchar ideas que nunca ha oído antes".
Su éxito llega en 1985 con El juego de Ender, con el que obtiene el premio Nébula y Hugo, los más importantes del género en Estados Unidos. En 1986 con La voz de los muertos vuelve a ganar ambos premios, convirtiéndose en el primer escritor de ciencia ficción en ganarlo por dos años consecutivos.
El estilo de su literatura es claro y conciso. Trata, según sus propias palabras, "de hacer en la ficción lo que Hopkins hizo en poesía: el ritmo y la cadencia del habla natural, en vez del artificio literario".
Actualmente vive en Greensboro, Carolina del Norte con su mujer, Kristine, y sus cinco hijos: Geoffrey, Emily, Charles, Zina Margaret y Erin Louisa, llamados así por Chaucer, Brontë y Dickinson, Dickens, Mitchell, y Alcott, respectivamente.
A. Puñette
Nacido en Besanzón, Francia, en 1957. En 1975 se traslada a Paris, donde gana pequeños certámenes de poesía y cuento erótico que le permiten financiarse la carrera de escritura en la Université Sorbonne Nouvelle de Paris. Novio desde pequeño del teatro y amante de sus actrices, escribe su primera obra, “Sabado sabadete…”, en 1979 y la estrena ese mismo año en la "Comédie-Française" alcanzando un inesperado éxito de crítica y público. Un año después se casa con la actriz y crítica, Brigitte Tautou, con la que actualmente vive y que, según dice: “Me redescubrió el placer sádico que se esconde tras la crítica teatral”. Gana el Goncourt en 1990 con su autobiografía “le feu”, que fue traducida a mas de 14 idiomas. Actualmente no se conoce el paradero exacto de este extravagante ser, que continúa escribiendo críticas de teatro por internet desde lo que él llama “La galería de las sombras erectas”.
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