El pasado 1 de mayo se ha dado a conocer la nueva de que ha muerto, a los 54 años de edad, Usāma bin Muhammad bin Awad bin Lādin, conocido mundialmente como Osama Bin Laden.
Nació en Arabia Saudí el 10 de marzo de 1957, en una ciudad llamada Riad. Fue el decimoséptimo hijo de Mohammad bin Laden. Su padre era uno de los empresarios de la construcción más ricos del país. Mohammad bin Laden falleció en un accidente de avioneta en 1967, pasando todo su imperio industrial y económico a manos de sus hijos (más de cincuenta).
A la edad de once ingresó en una escuela elitista para, posteriormente, graduarse en la Universidad del monarca árabe Abdul Aziz. No se ha hecho pública su elección de carrera, aunque se piensa que estudió una licenciatura de Ingeniería o Administración de Empresas. Al salir de la Universidad era un hombre multimillonario, gracias a la herencia de su padre.
Participó en la Guerra de Afganistán, comenzada en 1979, en la que los afganos luchaban contra el invasor ejército soviético. Bin Laden, Bin Laden, así como miles de otros islamistas alrededor del mundo, se unió a esa “guerra santa”, reclutando guerrilleros para la resistencia y estableciendo campamentos desde 1980. La Central de Inteligencia Americana (CIA), coherente con su postura anticomunista, apoyó económicamente y entrenó a Bin Laden y sus adeptos: les enseñó a cómo mover dinero a través de sociedades fantasmas y paraísos fiscales, a preparar explosivos, a utilizar códigos cifrados para comunicarse, y a ocultarse.
Se cree que él, junto con Aymán al-Zawahirí, fueron los formadores del grupo terrorista Al-Qaeda (la base, del árabe).
Se le atribuyen los ataques a los consulados estadounidenses en Kenia y Tanzania, asesinatos de turistas en Egipto, así como la colocación de coches bomba en otros países del norte de África a finales de los noventa. También se le atribuye (mediante la manipulación informativa de los medios oficiales de comunicación) la planificación de los ataques del 11 de septiembre a Estados Unidos, del 11 de marzo a España, entre muchos.
Lo que los medios oficiales han censurado, manipulado u ocultado es la amistad de la familia Laden con la familia Bush, y la estrecha relación que mantenían (y mantienen) las dos familias.
Desde la prensa oficial se le acusaba de homicidio, conspiración, secuestro y terrorismo, cuatro cosas que no han sido demostradas con pruebas tangibles a día de hoy. Cuatro cosas que han propagado los sensacionalistas periodísticos. Los mismos medios que han difundido la supuesta noticia de su muerte sobre la faz de toda la tierra. Una muerte a manos de los buscadores e instauradores de la paz y de la democracia en el planeta Tierra: las fuerzas especiales del ejército estadounidense.
Bueno o malo, como a todo ser humano sólo se le puede desear que descanse en paz.
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jueves, 12 de mayo de 2011
martes, 26 de abril de 2011
Muestra “prima”
Título: La posadera. Autor: Carlo Goldoni. Dirección: Gonzalo Azcona. Intérpretes: Bárbara Álvarez y Pablo Gallego. Lugar: Real Escuela Superior de Arte Dramático. Fecha: 11 de abril de 2011.
No es imprescindible ser poseedor de un presupuesto elevado para producir un buen montaje. Ni ser amigo de un buen escenógrafo para obtener un espacio escénico acertado. Ni siquiera es necesario el trabajo de un iluminador o de un técnico de sonido, puesto que el silencio y la luz natural pueden llegar a ser más sugerentes y evocadores que un puñado de focos y altavoces. No obstante, de lo que todavía no queda exento el teatro es de la necesaria presencia de cuerpos vivos en el escenario.
El pasado lunes se han podido observar los primeros trabajos del alumnado del primer curso de la especialidad de Dirección Escénica de la RESAD, de los que cabe destacar la arriesgada propuesta de Gonzalo Azcona. La susodicha consistía en suprimir del escenario todo aquello que estorbase el juego actoral; es decir: todo, exceptuando dos sillas, y dos actores.
El espacio vacío fue compensado por la brillante actuación de la joven pareja de intérpretes, basada en la explicitación de las intenciones por medio de la exageración gestual, y, unos apartes que, si bien quedan marcados de forma clara desde el texto, han sido aprovechados desde la dirección con gran acierto, ya que han conseguido cumplir con su propósito: divertir al público. Todo ello en pro de la comicidad que desprende el texto del autor italiano.
Esta comedia de Carlo Goldoni gira en torno a un sencillo argumento: el Caballero Rippafratta, recién llegado a una posada, jura y perjura no enamorarse jamás de una mujer, promesa que incumple al caer en las garras de la posadera, Mirandolina.
La puesta en escena, además de arrancar estrepitosas carcajadas en el patio de butacas, ha permitido que la imaginación del espectador esté en continuo funcionamiento, puesto que nos hemos tenido que construir el mobiliario y el resto del espacio con la mente, gracias a la interacción de los actores con los objetos imaginarios que les rodeaban.
El sencillo vestuario, la iluminación natural y la ausencia de efectos sonoros han permitido al público disfrutar de este debut en los escenarios de la escuela de una nueva ola de alumnos de Dirección. La única pega – la corta duración del ejercicio: se trataba tan sólo de una escena de apenas diez minutos del primer acto de la obra. Unos diez minutos que nos han dejado buen sabor de boca, pero no nos han quitado el hambre.
No es imprescindible ser poseedor de un presupuesto elevado para producir un buen montaje. Ni ser amigo de un buen escenógrafo para obtener un espacio escénico acertado. Ni siquiera es necesario el trabajo de un iluminador o de un técnico de sonido, puesto que el silencio y la luz natural pueden llegar a ser más sugerentes y evocadores que un puñado de focos y altavoces. No obstante, de lo que todavía no queda exento el teatro es de la necesaria presencia de cuerpos vivos en el escenario.
El pasado lunes se han podido observar los primeros trabajos del alumnado del primer curso de la especialidad de Dirección Escénica de la RESAD, de los que cabe destacar la arriesgada propuesta de Gonzalo Azcona. La susodicha consistía en suprimir del escenario todo aquello que estorbase el juego actoral; es decir: todo, exceptuando dos sillas, y dos actores.
El espacio vacío fue compensado por la brillante actuación de la joven pareja de intérpretes, basada en la explicitación de las intenciones por medio de la exageración gestual, y, unos apartes que, si bien quedan marcados de forma clara desde el texto, han sido aprovechados desde la dirección con gran acierto, ya que han conseguido cumplir con su propósito: divertir al público. Todo ello en pro de la comicidad que desprende el texto del autor italiano.
Esta comedia de Carlo Goldoni gira en torno a un sencillo argumento: el Caballero Rippafratta, recién llegado a una posada, jura y perjura no enamorarse jamás de una mujer, promesa que incumple al caer en las garras de la posadera, Mirandolina.
La puesta en escena, además de arrancar estrepitosas carcajadas en el patio de butacas, ha permitido que la imaginación del espectador esté en continuo funcionamiento, puesto que nos hemos tenido que construir el mobiliario y el resto del espacio con la mente, gracias a la interacción de los actores con los objetos imaginarios que les rodeaban.
El sencillo vestuario, la iluminación natural y la ausencia de efectos sonoros han permitido al público disfrutar de este debut en los escenarios de la escuela de una nueva ola de alumnos de Dirección. La única pega – la corta duración del ejercicio: se trataba tan sólo de una escena de apenas diez minutos del primer acto de la obra. Unos diez minutos que nos han dejado buen sabor de boca, pero no nos han quitado el hambre.
Foster Kane
lunes, 7 de marzo de 2011
La risa burda es imprescindible
Doce más uno, de y dirigido por Javier Pastor. Escenografía: Ana Somoza. Técnico de luces: Ángel Hidalgo. Coordinadora de iluminación: Pau Ferrer Garrofé. Reparto: José Manuel Peña, José Ramón Gómez, Juan Martínez, Ángel Hidalgo, Álvaro Fernández-Villamil, Natalia Lagares. Fecha: 24.02.11. Lugar: Sala García Lorca de la Real Escuela Superior de Arte Dramático, Madrid.
¿Existen razones en infravalorar algún género teatral por su aparente bajeza o falta de seriedad? Algunos personas desprecian la comedia, por no hablar ya de la comedia ligera, calificándola de vulgar en comparación con el drama o la tragedia.
Sin embargo, olvidan que para atreverse con el teatro vulgar y grosero como ellos lo llaman, lo que hace falta es desenfado, frescura, gracia, oportunidad, aparte de la innegable habilidad de hacer reír que poseen los comediógrafos. Quizá atreverse con lo bajo no es alentar a nada, no es osar a cosa respetable ni es pretender la alta estimación de nadie; no obstante, no hay derecho alguno a vituperar y menos aún a desconsiderar a los que cultivan este arte.
El pasado jueves, los que asistimos a Doce más uno, espectáculo de Javier Pastor, pudimos disfrutar de una historia sobre la buena y la mala suerte en clave de humor. Eso sí, un humor que no pretende elevarse al nivel de Moliere, pero que tampoco se queda en mero chiste. Aunque, a decir verdad, algunos momentos de la representación, dotados de gran ingenio, rozan la pura gracieta, cosa a la que se apunta más desde la dirección que desde la dramaturgia.
El texto nos cuenta la historia de un hombre que, tras ser despedido de su puesto de trabajo, se ve sumergido en una espiral de mala suerte, creyéndose ser gafe. En vistas de su propia boda, para detener la mala racha, el tipo contrata los servicios de un chamán. Este le ayuda a recuperar la buena fortuna y superar así los posibles obstáculos que impidan la celebración de la citada unión matrimonial.
Como vemos, el hilo argumental es bien sencillo y cómico, y permite a la vez incorporar unos gags que, de no haber sido tan repetitivos, podrían tener mucha más efectividad.
Sobre la estética cabe decir que oscila entre el mundo del cómic y la paródica imitación de las comedias hollywoodienses, vista por los ojos de un español, reivindicando la chapuza y casi que riéndose de sí misma. La escenografía, que parece sacada de una tienda de segunda mano - cutre a propósito -, nos surgiere la multiplicidad de espacios de manera metonímica: así como una barra, una mesa y una máquina tragaperras nos sitúan en un bar, una mesa y dos sillas nos llevan al despacho del jefe, con pasmosa facilidad y eficacia.
Los personajes son tratados de forma arquetípica y pueden parecer un tanto planos, como el jefe cabrón o el amigo bobo, pero en esta pieza se les ha dado un giro de tuerca, haciendo que sean impredecibles dentro de su coherencia. Sus acciones y réplicas no son descabelladas, pero existe una imprevisibilidad constante que impera en su lenguaje, lleno de “respuestas salvajemente inadecuadas” muy bien escogidas por parte del autor. Chapeau al reparto y a su dirección, puesto que la manera de interpretar basada en la exageración resultaba ser lo más cómica que el texto permitía.
El ritmo picado y el tono ligero del espectáculo crearon un ambiente distendido, relajado, sonriente, y despertaron una sensación de agrado que se mantuvo en el patio de butacas desde el comienzo hasta el último oscuro.
La comedia ligera, siempre que se aprecie como tal, es tan válida como cualquier otro género dramático. Esta obra en concreto no cuenta nada nuevo, ni nada arriesgado, no hace que el espectador salga de la sala y se haga grandes preguntas existenciales, puesto que de este género no se puede esperar un gran acierto dramático ni literario. Pero es innegable el acierto que tiene esta obra de satisfacer a un público que lo único que busca en ocasiones es, simplemente, pasar un buen rato.
Foster Kane.
¿Existen razones en infravalorar algún género teatral por su aparente bajeza o falta de seriedad? Algunos personas desprecian la comedia, por no hablar ya de la comedia ligera, calificándola de vulgar en comparación con el drama o la tragedia.
Sin embargo, olvidan que para atreverse con el teatro vulgar y grosero como ellos lo llaman, lo que hace falta es desenfado, frescura, gracia, oportunidad, aparte de la innegable habilidad de hacer reír que poseen los comediógrafos. Quizá atreverse con lo bajo no es alentar a nada, no es osar a cosa respetable ni es pretender la alta estimación de nadie; no obstante, no hay derecho alguno a vituperar y menos aún a desconsiderar a los que cultivan este arte.
El pasado jueves, los que asistimos a Doce más uno, espectáculo de Javier Pastor, pudimos disfrutar de una historia sobre la buena y la mala suerte en clave de humor. Eso sí, un humor que no pretende elevarse al nivel de Moliere, pero que tampoco se queda en mero chiste. Aunque, a decir verdad, algunos momentos de la representación, dotados de gran ingenio, rozan la pura gracieta, cosa a la que se apunta más desde la dirección que desde la dramaturgia.
El texto nos cuenta la historia de un hombre que, tras ser despedido de su puesto de trabajo, se ve sumergido en una espiral de mala suerte, creyéndose ser gafe. En vistas de su propia boda, para detener la mala racha, el tipo contrata los servicios de un chamán. Este le ayuda a recuperar la buena fortuna y superar así los posibles obstáculos que impidan la celebración de la citada unión matrimonial.
Como vemos, el hilo argumental es bien sencillo y cómico, y permite a la vez incorporar unos gags que, de no haber sido tan repetitivos, podrían tener mucha más efectividad.
Sobre la estética cabe decir que oscila entre el mundo del cómic y la paródica imitación de las comedias hollywoodienses, vista por los ojos de un español, reivindicando la chapuza y casi que riéndose de sí misma. La escenografía, que parece sacada de una tienda de segunda mano - cutre a propósito -, nos surgiere la multiplicidad de espacios de manera metonímica: así como una barra, una mesa y una máquina tragaperras nos sitúan en un bar, una mesa y dos sillas nos llevan al despacho del jefe, con pasmosa facilidad y eficacia.
Los personajes son tratados de forma arquetípica y pueden parecer un tanto planos, como el jefe cabrón o el amigo bobo, pero en esta pieza se les ha dado un giro de tuerca, haciendo que sean impredecibles dentro de su coherencia. Sus acciones y réplicas no son descabelladas, pero existe una imprevisibilidad constante que impera en su lenguaje, lleno de “respuestas salvajemente inadecuadas” muy bien escogidas por parte del autor. Chapeau al reparto y a su dirección, puesto que la manera de interpretar basada en la exageración resultaba ser lo más cómica que el texto permitía.
El ritmo picado y el tono ligero del espectáculo crearon un ambiente distendido, relajado, sonriente, y despertaron una sensación de agrado que se mantuvo en el patio de butacas desde el comienzo hasta el último oscuro.
La comedia ligera, siempre que se aprecie como tal, es tan válida como cualquier otro género dramático. Esta obra en concreto no cuenta nada nuevo, ni nada arriesgado, no hace que el espectador salga de la sala y se haga grandes preguntas existenciales, puesto que de este género no se puede esperar un gran acierto dramático ni literario. Pero es innegable el acierto que tiene esta obra de satisfacer a un público que lo único que busca en ocasiones es, simplemente, pasar un buen rato.
Foster Kane.
lunes, 14 de febrero de 2011
Género antiguo en tiempos modernos
Maese Manole, de Lucian Blaga. Dirección: Mario Mocanu. Ayudante de dirección: Claudio Bandini. Escenografía: Marcos Carazo Acero. Iluminación: Helena Conejero. Vestuario: Ana Montes. Interpretación: David Carrio, Raquel Moreno, Antonio Luque, Juan Carlos Reina, Fran Calvo, Betto Nhem, Javier Rios, Javier Camañez, Dario Ese, Rafa Ibáñez, Claudio Bandini, Jose Antonio Ruiz. Lugar: Sala A de la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Fecha:10 y 11 de febrero de 2011
¿Qué tiene que decir hoy en día el más antiguo de los géneros dramáticos?
El pasado jueves y viernes un grupo de estudiantes de la RESAD nos han ofrecido una pieza trágica de Lucian Blaga, ganador del premio Nóbel a mediados del siglo XX.
El texto del dramaturgo rumano trata de un arquitecto incapaz de edificar una iglesia. Para conseguirlo, haciendo caso de las palabras del cura local, realiza un sacrificio humano – el de su propia esposa – por lo que finalmente se arrepiente, renegando de la religión para acabar cayendo en uno de los pecados más graves: el suicidio. Dicha pieza es una reinterpretación de Monastirea Argesului - un cuento folklórico de Rumania, una relectura que cuestiona tales aspectos de la religión como la fe ciega.
El director ha optado por contarnos esta historia de un modo que se asemeja a los clásicos griegos: dándole más valor al cómo que al qué; todos intuíamos lo que iba a suceder, así que lo importante no era sorprender al espectador con efectos espectaculares, ni tampoco crear suspense, sino hacer que el público comprenda y viva intensamente lo que sucede en escena. Para ello, de manera acertada, se ha apostado por una representación sencilla, sin trucos ni trampas escenográficas, acompañado de un hábil juego lumínico que, siendo austero, reseñaba lo realmente importante de lo que sucedía en escena.
Es posible que la lentitud del ritmo de la representación favoreciera para contar una tragedia, pero conseguía disipar la atención del público cuando se le hace esperar. No obstante, la puesta en escena atrapaba el espectador en los momentos de las pausas con unos silencios estremecedores, claramente marcados desde la dirección.
De la ya citada escenografía es preciso señalar que los paneles que la conformaban eran móviles y fueron los actores quienes se encargaron de moverlos, creando un efectivo juego interactivo entre actores y escenario.
El trabajo actoral, a rasgos generales, transmitía un aire trágico, con una dicción ciertamente grandilocuente. También es verdad que esa dicción no se palpaba en los que interpretaban a los albañiles, prácticamente a modo de coro. Algunos actores se encontraban mucho más sumergidos en la obra que otros, dejando ver la diferencia de capacidad actoral que había entre todos. Especialmente cabe subrayar la más que correcta actuación de la protagonista, quien ha sorprendido por su gran manejo de diferentes registros, tratándose de una interpretación sencilla, acompañada por una dicción que oscilaba entre la suavidad íntima y la ya nombrada grandilocuencia.
Para redondear el espectáculo faltaba una lectura que al público de nuestros días le acerque más esta historia. Un tema tan denso como la religión y la creencia, contado desde el punto de vista trágico, no es de fácil digestión, por lo que aquellos que acudimos al montaje, aplaudimos aliviados al desplomarse el telón final.
Foster Kane.
¿Qué tiene que decir hoy en día el más antiguo de los géneros dramáticos?
El pasado jueves y viernes un grupo de estudiantes de la RESAD nos han ofrecido una pieza trágica de Lucian Blaga, ganador del premio Nóbel a mediados del siglo XX.
El texto del dramaturgo rumano trata de un arquitecto incapaz de edificar una iglesia. Para conseguirlo, haciendo caso de las palabras del cura local, realiza un sacrificio humano – el de su propia esposa – por lo que finalmente se arrepiente, renegando de la religión para acabar cayendo en uno de los pecados más graves: el suicidio. Dicha pieza es una reinterpretación de Monastirea Argesului - un cuento folklórico de Rumania, una relectura que cuestiona tales aspectos de la religión como la fe ciega.
El director ha optado por contarnos esta historia de un modo que se asemeja a los clásicos griegos: dándole más valor al cómo que al qué; todos intuíamos lo que iba a suceder, así que lo importante no era sorprender al espectador con efectos espectaculares, ni tampoco crear suspense, sino hacer que el público comprenda y viva intensamente lo que sucede en escena. Para ello, de manera acertada, se ha apostado por una representación sencilla, sin trucos ni trampas escenográficas, acompañado de un hábil juego lumínico que, siendo austero, reseñaba lo realmente importante de lo que sucedía en escena.
Es posible que la lentitud del ritmo de la representación favoreciera para contar una tragedia, pero conseguía disipar la atención del público cuando se le hace esperar. No obstante, la puesta en escena atrapaba el espectador en los momentos de las pausas con unos silencios estremecedores, claramente marcados desde la dirección.
De la ya citada escenografía es preciso señalar que los paneles que la conformaban eran móviles y fueron los actores quienes se encargaron de moverlos, creando un efectivo juego interactivo entre actores y escenario.
El trabajo actoral, a rasgos generales, transmitía un aire trágico, con una dicción ciertamente grandilocuente. También es verdad que esa dicción no se palpaba en los que interpretaban a los albañiles, prácticamente a modo de coro. Algunos actores se encontraban mucho más sumergidos en la obra que otros, dejando ver la diferencia de capacidad actoral que había entre todos. Especialmente cabe subrayar la más que correcta actuación de la protagonista, quien ha sorprendido por su gran manejo de diferentes registros, tratándose de una interpretación sencilla, acompañada por una dicción que oscilaba entre la suavidad íntima y la ya nombrada grandilocuencia.
Para redondear el espectáculo faltaba una lectura que al público de nuestros días le acerque más esta historia. Un tema tan denso como la religión y la creencia, contado desde el punto de vista trágico, no es de fácil digestión, por lo que aquellos que acudimos al montaje, aplaudimos aliviados al desplomarse el telón final.
Foster Kane.
martes, 11 de enero de 2011
La Noche de la Mezcla
La incógnita que preside los espectáculos tipo cabaret o vaudeville reside en la falta de unidad que predomina en dichos eventos: quedarse o irse, esa es la cuestión. Al no haber un hilo conductor claro, los chicos que ofrecieron al público del Café la Palma el espectáculo La noche de la mezcla, se enfrentaron a este problema. Música en vivo, chistes, títeres y un monólogo eran los ingredientes de un coctail falto de dirección y coordinación.
Es cierto que, por un lado, una estructura caótica puede causar en el espectador una sensación de estrés por la ausencia de armonía y equilibrio. No obstante, el público de nuestro tiempo mantiene difícilmente la atención durante un largo rato. Y fueron precisamente los cambios de números, las entradas y salidas a escena de los distintos artistas los que dotaron al espectáculo del dinamismo necesario para captar la atención de la grada.
A decir verdad no se trataba de una grada, sino más bien una sala de suelo liso, sin asientos. Sin embargo, al tratarse de un local destinado al consumo de bebidas – era un café - el espacio favorecía para transmitir la idea de variedades que sustentaba todo el espectáculo. La buena acústica de la sala nos permitío deleitarnos con las actuaciones musicales de J.E.S.U. + Invitados y de Mr Blaky. Los primeros abrieron la lata con media docena de versiones en acústico (dos guitarras y un cajón) de canciones de culto del rock alternativo, imitando a los míticos grupos como Nirvana y the Pixies, entre otros. Mr Blaky cerraba la actuación con un sonido potente, resultado de una mezcla de rock duro y hip-hop. Entremedias de los dos conciertos pudimos presenciar un monólogo - Ejecutor 14 – cargado de emoción y reflexión a propósito de la guerra, leído por el actor mejicano Raúl Rodríguez. El hecho de ser leído resultó chocante, puesto que anclaba la mirada del intérprete a los folios que sostenía en mano, lo cual detuvo el ritmo general. Un ritmo que se volvía a recuperar con las apariciones de unos títeres manipulados por Oscar Merino, gracias al humor e imaginación que acompañaban dichas apariciones.
Cabe destacar también el pésimo juego lumínico que, lejos de apoyar lo que sucedía en escena, distraía al espectador, ya de por sí distraído y alborotado por tanto cambio. También es verdad que nadie pudo sentirse engañado – el propio título de la función anunciaba de antemano lo que nos íbamos a encontrar: los amantes de la variedad escénica pudieron satisfacer su hambre de espectador, independientemente de la heterogeneidad del espectáculo.
Es cierto que, por un lado, una estructura caótica puede causar en el espectador una sensación de estrés por la ausencia de armonía y equilibrio. No obstante, el público de nuestro tiempo mantiene difícilmente la atención durante un largo rato. Y fueron precisamente los cambios de números, las entradas y salidas a escena de los distintos artistas los que dotaron al espectáculo del dinamismo necesario para captar la atención de la grada.
A decir verdad no se trataba de una grada, sino más bien una sala de suelo liso, sin asientos. Sin embargo, al tratarse de un local destinado al consumo de bebidas – era un café - el espacio favorecía para transmitir la idea de variedades que sustentaba todo el espectáculo. La buena acústica de la sala nos permitío deleitarnos con las actuaciones musicales de J.E.S.U. + Invitados y de Mr Blaky. Los primeros abrieron la lata con media docena de versiones en acústico (dos guitarras y un cajón) de canciones de culto del rock alternativo, imitando a los míticos grupos como Nirvana y the Pixies, entre otros. Mr Blaky cerraba la actuación con un sonido potente, resultado de una mezcla de rock duro y hip-hop. Entremedias de los dos conciertos pudimos presenciar un monólogo - Ejecutor 14 – cargado de emoción y reflexión a propósito de la guerra, leído por el actor mejicano Raúl Rodríguez. El hecho de ser leído resultó chocante, puesto que anclaba la mirada del intérprete a los folios que sostenía en mano, lo cual detuvo el ritmo general. Un ritmo que se volvía a recuperar con las apariciones de unos títeres manipulados por Oscar Merino, gracias al humor e imaginación que acompañaban dichas apariciones.
Cabe destacar también el pésimo juego lumínico que, lejos de apoyar lo que sucedía en escena, distraía al espectador, ya de por sí distraído y alborotado por tanto cambio. También es verdad que nadie pudo sentirse engañado – el propio título de la función anunciaba de antemano lo que nos íbamos a encontrar: los amantes de la variedad escénica pudieron satisfacer su hambre de espectador, independientemente de la heterogeneidad del espectáculo.
En qué piensan los críticos cuando ven actrices guapas
Título: The Homecoming
Autor: Harold Pinter
Dirección e interpretación: companía Great Mascarad
Lugar: La Grada, Guadalajara
Fecha: 27 diciembre de 2010
La semana pasada tuve el privilegio de asistir a un bonito espectáculo, uno en el que corroboré mi propia opinión acerca de la fuerza femenina en el teatro. Y no lo afirmo por lo que observé encima de las tablas del teatro “La Grada”, en Guadalajara – “The Homecoming”, de Harold Pinter, representada por la compañía británica “Great Mascarad” – sino por la presencia a mi derecha de un crítico profesional, que se hallaba allí por motivos profesionales. Dicho ser disfrutaba tanto de lo que veía que se quedaba dormido por momentos desde el comienzo. El pobre no conseguía llegar a la fase R.E.M. puesto que el resto, exceptuándome a mí – que le miraba a él –, estaban pendientes de la obra: algunos reían, otros aplaudían de cuando en cuando. Sin embargo, la mayoría de los espectadores no se mostraban atrapados por la obra, no había verdadero entusiasmo. Pero bien, llegado el cuarto de hora de la representación salió a escena la única actriz de la compañía, una chiquilla inglesa llamada Jane Watson. Es preciso recordar que el argumento de la pieza de Pinter tiene cobra vida precisamente con la aparición de una mujer. Aquí viene lo mejor. De repente, como por arte de magia, el espectáculo adquirió un inexplicable esplendor: los diálogos fluían con más ritmo, el público comenzó a entender el humor negro del dramaturgo inglés, y el crítico del asiento contiguo, pasmado, posó su mirada y con ella todo su interés en la interpretación de esa tal Jane. No se movía. No pestañeaba. Se le caía la baba. La miraba a ella al tiempo que su respiración se hacía más salvaje y su pulso cardíaco se disparaba. Recordé el pasaje de Oscar Wilde en el que su héroe Dorian Grey ve por primera vez a Silbila Vane, de la que se enamora locamente. Unos instantes pensé que la extremidad más masculina del caballero que tenía a mi lado iba a romperle el pantalón y abalanzarse desde la fila seis hasta el mismo escenario. Entonces yo también quise fijarme bien en esa criatura y averiguar en qué consistía su encanto. Era muy fácil: una belleza que rozaba la veintena, con enormes ojos azules y unos cabellos bañados en oro hacían brillar su precioso rostro. El vestuario apretado le venía como anillo al dedo a su delicado, pero a la vez bien formado, cuerpo. La iluminación, atenuando los focos secundarios y centrándose en ella, también ayudaba. La representación me atrapó, y cuando quise darme cuenta, la butaca del señor crítico quedó vacía y permaneció así hasta la bajada del telón final. No sé lo que habrá escrito aquel hombre en su crítica, pero una vez acabada la obra, cuando todo el mundo ovacionaba a la señorita Watson, apareció él, al pie del escenario, con un ramo de flores. Un ramo, desde luego, merecido, y un gesto consecuente con la actitud del crítico, como gran profesional que mostró ser.
Autor: Harold Pinter
Dirección e interpretación: companía Great Mascarad
Lugar: La Grada, Guadalajara
Fecha: 27 diciembre de 2010
La semana pasada tuve el privilegio de asistir a un bonito espectáculo, uno en el que corroboré mi propia opinión acerca de la fuerza femenina en el teatro. Y no lo afirmo por lo que observé encima de las tablas del teatro “La Grada”, en Guadalajara – “The Homecoming”, de Harold Pinter, representada por la compañía británica “Great Mascarad” – sino por la presencia a mi derecha de un crítico profesional, que se hallaba allí por motivos profesionales. Dicho ser disfrutaba tanto de lo que veía que se quedaba dormido por momentos desde el comienzo. El pobre no conseguía llegar a la fase R.E.M. puesto que el resto, exceptuándome a mí – que le miraba a él –, estaban pendientes de la obra: algunos reían, otros aplaudían de cuando en cuando. Sin embargo, la mayoría de los espectadores no se mostraban atrapados por la obra, no había verdadero entusiasmo. Pero bien, llegado el cuarto de hora de la representación salió a escena la única actriz de la compañía, una chiquilla inglesa llamada Jane Watson. Es preciso recordar que el argumento de la pieza de Pinter tiene cobra vida precisamente con la aparición de una mujer. Aquí viene lo mejor. De repente, como por arte de magia, el espectáculo adquirió un inexplicable esplendor: los diálogos fluían con más ritmo, el público comenzó a entender el humor negro del dramaturgo inglés, y el crítico del asiento contiguo, pasmado, posó su mirada y con ella todo su interés en la interpretación de esa tal Jane. No se movía. No pestañeaba. Se le caía la baba. La miraba a ella al tiempo que su respiración se hacía más salvaje y su pulso cardíaco se disparaba. Recordé el pasaje de Oscar Wilde en el que su héroe Dorian Grey ve por primera vez a Silbila Vane, de la que se enamora locamente. Unos instantes pensé que la extremidad más masculina del caballero que tenía a mi lado iba a romperle el pantalón y abalanzarse desde la fila seis hasta el mismo escenario. Entonces yo también quise fijarme bien en esa criatura y averiguar en qué consistía su encanto. Era muy fácil: una belleza que rozaba la veintena, con enormes ojos azules y unos cabellos bañados en oro hacían brillar su precioso rostro. El vestuario apretado le venía como anillo al dedo a su delicado, pero a la vez bien formado, cuerpo. La iluminación, atenuando los focos secundarios y centrándose en ella, también ayudaba. La representación me atrapó, y cuando quise darme cuenta, la butaca del señor crítico quedó vacía y permaneció así hasta la bajada del telón final. No sé lo que habrá escrito aquel hombre en su crítica, pero una vez acabada la obra, cuando todo el mundo ovacionaba a la señorita Watson, apareció él, al pie del escenario, con un ramo de flores. Un ramo, desde luego, merecido, y un gesto consecuente con la actitud del crítico, como gran profesional que mostró ser.
martes, 23 de noviembre de 2010
Acordes baratos
El pasado miércoles 17 de noviembre, los viajantes de la línea C-7 de Cercanías-RENFE tuvimos la suerte de asistir a un auténtico concierto de rock en directo. Dicho evento musical vino de la mano de un joven artista ambulante -Roberto Díaz- desconocido todavía para el gran público. Sin embargo, experiencia no le falta: a pesar de su juventud acumula ya más de un centenar de representaciones por la red madrileña del ferrocarril. En el caso del pasado miércoles, se trató de una serie de versiones de las míticas bandas de los ’70 como Led Zeppelin, Deep Purple o Pink Floyd.
“No hacen falta grandes medios para hacer arte; yo tan sólo necesito mi guitarra y al menos un oyente”. Estas palabras del músico han sido corroboradas por su actuación durante cada tramo del viaje, canción por trayecto, canciones que sirvieron para desahogar, entretener y hacer sonreír a los viajantes por el módico precio de una limosna. La energía, la exquisita técnica musical y la ronca y a la vez sincera voz de Roberto convirtieron por treinta minutos un simple vagón de tren en todo un escenario. El acto invita a una reflexión sobre el espacio destinado al espectáculo y a una reiterada asistencia en la próxima exhibición de este curioso artista callejero. Perdón, ferroviario.
“No hacen falta grandes medios para hacer arte; yo tan sólo necesito mi guitarra y al menos un oyente”. Estas palabras del músico han sido corroboradas por su actuación durante cada tramo del viaje, canción por trayecto, canciones que sirvieron para desahogar, entretener y hacer sonreír a los viajantes por el módico precio de una limosna. La energía, la exquisita técnica musical y la ronca y a la vez sincera voz de Roberto convirtieron por treinta minutos un simple vagón de tren en todo un escenario. El acto invita a una reflexión sobre el espacio destinado al espectáculo y a una reiterada asistencia en la próxima exhibición de este curioso artista callejero. Perdón, ferroviario.
lunes, 25 de octubre de 2010
El precio del deporte
Bajo el pretexto de jugar una pachanga futbolera entre amigos, nos reunimos todos en el bareto de siempre. El buen ambiente de aquel establecimiento en los encantadores instantes previos al partido no permitía imaginarnos ni de lejos el triste desenlace de nuestro posterior encuentro: ser vapuleados del campo sin que el esférico empiece tan siquiera a correr por el césped. Dicho de otro modo: durante el precalentamiento un grupo de jóvenes se acercó para decirnos que tenían la cancha alquilada, y que debíamos marcharnos para que ellos pudieran entrenar. Presos de la ira, nos dirigimos hacia el hall de entrada del polideportivo en busca de explicaciones.
-¿Me está diciendo que estas pistas, construidas con nuestro dinero, con el sudor de nuestra frente, no son de uso público?
-No. Lo que le digo es que pueden ser alquiladas por horas.
-Es decir que, a pesar de haber tenido que pagar impuestos para comprar cada kilo de cemento utilizado, ¿tenemos que seguir apoquinando?
-La pista es de dominio público, y es gratuita. Lo que ocurre es que si viene una persona y la alquila – tenéis que marcharos.
-¡Pero si la pista es pública!
-Ya, pero son las normas.
-Lo que me intenta decir es que al ser pobre tengo menos privilegios, y encima debo ceder los pocos que tengo, porque si quiero disfrutar de unas instalaciones deportivas en mi ciudad tengo que tener en cuenta que un rico puede privarme de ello.
-Explíquese, no le entiendo.
-Sí, sí que me entiende; cuanta más pasta tenga – más derecho tengo de hacer deporte, ¿no es eso?
Tras una brevísima pausa, el señor sentado al otro lado de la ventanilla comunicó: “eso es”; acto seguido los pitidos y los gritos por parte de los resignados deportistas comenzaron a agitar el pacífico aura del lugar, a lo que el señor sentado al otro lado de la ventanilla respondió llamando a la policía. Y es curioso, pero lo paradójico del asunto es que si hubiéramos seguido ahí plantados, reclamando nuestros derechos, la policía - a la que también le pagamos nosotros – habría venido, nos habría echado y nos habría puesto una multa. Y todo por querer pegarle patadas a un balón…
-¿Me está diciendo que estas pistas, construidas con nuestro dinero, con el sudor de nuestra frente, no son de uso público?
-No. Lo que le digo es que pueden ser alquiladas por horas.
-Es decir que, a pesar de haber tenido que pagar impuestos para comprar cada kilo de cemento utilizado, ¿tenemos que seguir apoquinando?
-La pista es de dominio público, y es gratuita. Lo que ocurre es que si viene una persona y la alquila – tenéis que marcharos.
-¡Pero si la pista es pública!
-Ya, pero son las normas.
-Lo que me intenta decir es que al ser pobre tengo menos privilegios, y encima debo ceder los pocos que tengo, porque si quiero disfrutar de unas instalaciones deportivas en mi ciudad tengo que tener en cuenta que un rico puede privarme de ello.
-Explíquese, no le entiendo.
-Sí, sí que me entiende; cuanta más pasta tenga – más derecho tengo de hacer deporte, ¿no es eso?
Tras una brevísima pausa, el señor sentado al otro lado de la ventanilla comunicó: “eso es”; acto seguido los pitidos y los gritos por parte de los resignados deportistas comenzaron a agitar el pacífico aura del lugar, a lo que el señor sentado al otro lado de la ventanilla respondió llamando a la policía. Y es curioso, pero lo paradójico del asunto es que si hubiéramos seguido ahí plantados, reclamando nuestros derechos, la policía - a la que también le pagamos nosotros – habría venido, nos habría echado y nos habría puesto una multa. Y todo por querer pegarle patadas a un balón…
jueves, 10 de junio de 2010
Clasicazos
Entre los días 15 al 18 de este mes, ambos inclusive, en la Real Escuela Superior De Arte Dramático podremos ver el ejercicio final del curso académico 2009/2010 de los alumnos de 3ro de textual, quienes mostrarán la capacidad adquirida durante el año para manejar el verso, dirigidos por sus profesores Chelo García, Charo Amador y Vicente Fuentes. Este último trabaja como asesor de la Compañía de Teatro Clásico y La Joven Compañía.
"Somos doce actores y todos participamos activamente en la escena, lo que hace que el montaje adquiera un carácter coral", señala uno de los intérpretes, Christian Vásquez.
Se tratará de un tablado barroco, en un espacio prácticamente vacío, tan sólo unos pocos objetos, de modo que los actores han de mostrar todo su potencial prácticamente al desnudo, lo cuál supone un reto a batir.
Las obras en torno a las que girará la muestra pertenecen a uno de los grandes dramaturgos del teatro español del XVII – Lope de Vega - y son:
-“La Dama Boba”,
-“Fuenteovejuna”
-“Caballero De Olmedo”
-“Castigo Sin Venganza”
“Nuestro planteamiento consiste en que el sentido quede por encima de la forma, de modo que vencer la dificultad que presenta la estructura versal fue el principal obstáculo”, comenta Lidia Mendez, una de las actrices del reparto.
Por otro lado, dicho abanico de intérpretes -las chicas- tendrán que doblar algunos de los papeles en varias de las obras, a causa de la falta de intérpretes masculinos.
"Somos doce actores y todos participamos activamente en la escena, lo que hace que el montaje adquiera un carácter coral", señala uno de los intérpretes, Christian Vásquez.
Se tratará de un tablado barroco, en un espacio prácticamente vacío, tan sólo unos pocos objetos, de modo que los actores han de mostrar todo su potencial prácticamente al desnudo, lo cuál supone un reto a batir.
Las obras en torno a las que girará la muestra pertenecen a uno de los grandes dramaturgos del teatro español del XVII – Lope de Vega - y son:
-“La Dama Boba”,
-“Fuenteovejuna”
-“Caballero De Olmedo”
-“Castigo Sin Venganza”
“Nuestro planteamiento consiste en que el sentido quede por encima de la forma, de modo que vencer la dificultad que presenta la estructura versal fue el principal obstáculo”, comenta Lidia Mendez, una de las actrices del reparto.
Por otro lado, dicho abanico de intérpretes -las chicas- tendrán que doblar algunos de los papeles en varias de las obras, a causa de la falta de intérpretes masculinos.
YA SOY LEGAL
Una hora después de comer me encontraba tumbado en el sofá, cervecita en mano, apunto de dormir la siesta. Sólo una cosa podía fastidiar el momento: el telefonillo sonó y me acordé de muchos familiares de aquella persona que llamaba, a pesar de no saber aún quién era.
-Correos.
¿Qué clase de empresa, pública o privada, trabaja a las tres de la tarde? ¿Correo urgente? ¿Habrá pasado algo malo?
Una carta de la comisaría.
(Pausa larga.)
Tras conseguir abrir el sobre pude leer la fecha en la que debía acudir a la sección de extranjería, citado para poner mi huella dactilar y finalizar de ese modo mi tramitación del permiso de residencia en España. Mi vida ha cambiado por completo de la noche a la mañana. ¡Qué bien, ya soy un legal!
Me han dado un papel que legitimiza mi existencia en un territorio concreto. Me siento mucho mejor. Cinco años luchando para conseguirlo y aquí está, el pase VIP para un inmigrante del este.
A partir de entonces voy tranquilo por las calles, sin temor a nada. ¿Qué importa si me meto en una pelea y lesiono a alguien? ¿De qué necesito preocuparme? Ya soy intocable. Puedo incluso dedicarme a delinquir conscientemente sin temor a que me deporten. Ya soy legal.
Antes me llamaban “ilegal” señalándome con el dedo índice; en el colegio me insultaban, en el instituto me despreciaban, me decían “sin papeles” y se reían en mi cara, a pesar de que dominaba el castellano mejor que la mayoría de ellos. Sin embargo ahora todo se ha puesto del revés, ahora tan sólo pueden llamarme “p. extranjero de m.” o “ruso asqueroso”. ¿Y a mí qué? Mi dignidad no queda dañada ahora que soy legal.
En el trato con un policía facha ya no debo tener miedo a que me agreda verbal o físicamente o que consiga romper la integridad de mi dichosa dignidad. El Estado Español me protege bajo un escudo con la silueta taurina.
Soy legal, la gente me trata bien, como paella los domingos y saboreo como el que más el bocadillo de jamón con aceite de oliva, tomate, queso curado y una pizca de eneldo.
Fuera queda el estrés, pero dentro el dilema: ¿realmente ha cambiado algo desde que soy legal?
-Correos.
¿Qué clase de empresa, pública o privada, trabaja a las tres de la tarde? ¿Correo urgente? ¿Habrá pasado algo malo?
Una carta de la comisaría.
(Pausa larga.)
Tras conseguir abrir el sobre pude leer la fecha en la que debía acudir a la sección de extranjería, citado para poner mi huella dactilar y finalizar de ese modo mi tramitación del permiso de residencia en España. Mi vida ha cambiado por completo de la noche a la mañana. ¡Qué bien, ya soy un legal!
Me han dado un papel que legitimiza mi existencia en un territorio concreto. Me siento mucho mejor. Cinco años luchando para conseguirlo y aquí está, el pase VIP para un inmigrante del este.
A partir de entonces voy tranquilo por las calles, sin temor a nada. ¿Qué importa si me meto en una pelea y lesiono a alguien? ¿De qué necesito preocuparme? Ya soy intocable. Puedo incluso dedicarme a delinquir conscientemente sin temor a que me deporten. Ya soy legal.
Antes me llamaban “ilegal” señalándome con el dedo índice; en el colegio me insultaban, en el instituto me despreciaban, me decían “sin papeles” y se reían en mi cara, a pesar de que dominaba el castellano mejor que la mayoría de ellos. Sin embargo ahora todo se ha puesto del revés, ahora tan sólo pueden llamarme “p. extranjero de m.” o “ruso asqueroso”. ¿Y a mí qué? Mi dignidad no queda dañada ahora que soy legal.
En el trato con un policía facha ya no debo tener miedo a que me agreda verbal o físicamente o que consiga romper la integridad de mi dichosa dignidad. El Estado Español me protege bajo un escudo con la silueta taurina.
Soy legal, la gente me trata bien, como paella los domingos y saboreo como el que más el bocadillo de jamón con aceite de oliva, tomate, queso curado y una pizca de eneldo.
Fuera queda el estrés, pero dentro el dilema: ¿realmente ha cambiado algo desde que soy legal?
miércoles, 9 de junio de 2010
No hay trabajo
El próximo viernes 11 de junio tendrá lugar, bajo la dirección de Raul Rodríguez, la obra “Petición de empleo”, de Michel Vinaver. El evento podrá ser visto en la Real Escuela Superior de Arte Dramático.
"La obra refleja la problemática laboral de nuestro tiempo como resultado del sistema capitalista, en el que el hombre se valora solo por su capacidad de producir", comenta el director, resaltando el carácter de actualidad que adquiere la obra de Vinaver en nuestros días.
El texto del autor francés habla del desmoronamiento de una familia cuyo padre lleva un tiempo en paro y va perdiendo la esperanza de encontrar un trabajo conforme avanza la acción.
"Al ser una obra deconstruida, primero juntamos las piezas del puzzle para crear un texto lógico, a partir del cual trabajamos para dar sentido a la obra, y después volvimos a desfragmentarlo", apunta Raul. De esta forma, al quedar partidas todas las réplicas, el texto adquiere una musicalidad y un ritmo especial, convirtiendo el estreno en una apuesta arriesgada.
El reparto está formado por cuatro actores: Samuel Blanco, Santiago Tocarrucho, Esther Acebo y Cristina Martín.
"La obra refleja la problemática laboral de nuestro tiempo como resultado del sistema capitalista, en el que el hombre se valora solo por su capacidad de producir", comenta el director, resaltando el carácter de actualidad que adquiere la obra de Vinaver en nuestros días.
El texto del autor francés habla del desmoronamiento de una familia cuyo padre lleva un tiempo en paro y va perdiendo la esperanza de encontrar un trabajo conforme avanza la acción.
"Al ser una obra deconstruida, primero juntamos las piezas del puzzle para crear un texto lógico, a partir del cual trabajamos para dar sentido a la obra, y después volvimos a desfragmentarlo", apunta Raul. De esta forma, al quedar partidas todas las réplicas, el texto adquiere una musicalidad y un ritmo especial, convirtiendo el estreno en una apuesta arriesgada.
El reparto está formado por cuatro actores: Samuel Blanco, Santiago Tocarrucho, Esther Acebo y Cristina Martín.
martes, 4 de mayo de 2010
Silbo de las ligaduras
El próximo día 14 de mayo tendrá lugar en la Sala García Lorca de la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid el estreno de la obra Ligazón, escrita por Ramón de Valle-Inclán y dirigida por la alumna del tercer curso de la especialidad de dirección, Coline Rosdahl.
“En un mundo corrupto, uno quiere hacer una revolución, se da cuenta de que no vale ni sirve para nada y acaba siendo corrompido”; eso, dice la directora, es lo que quiere contar a partir del texto de Valle-Inclán.
“Al pertenecer a otra cultura, la complejidad del lenguaje de esta obra implica abordar el texto desde el punto de vista formal y musical más que desde el sentido”, reconoce Coline, estudiante de ERASMUS que ha llegado a la capital española desde Paris, donde estudia Dirección Teatral en la Universidad Sorbonne. Así, para solucionar los problemas que haya podido causar esa complejidad del contenido a la hora de trabajar, la directora ha buscado junto con los actores dar múltiples sentidos a las palabras de Valle.
Rosdahl, quién hace unos meses dirigió una escena de Caricias, de Sergi Belbel, posee esta vez un reparto bastante más amplio: si en aquella ocasión tan sólo contaba con una pareja de actores, ahora serán ocho los intérpretes que habrá en escena: Cristian Simois García, Ragnar Petursson, Laura Romero Sanfelix, Lucía Benedicto Córdoba, Blanca Gil, Liébana Vidal Garrido, Julio López Guevara y Miguel Ángel Rodríguez. “Durante el proceso de los ensayos nuestros referentes para trabajar han sido el Butoh, el mundo de la magia, la Bauhauss y el ritual”, comenta Coline.
La estética del montaje, apoyada por el trabajo de la escenógrafa Maite Agoneta Amazubi, estará basada en el carácter simbólico y geométrico del círculo, que comparte lo oculto y mágico y también la estructura circular de la pieza del dramaturgo gallego.
“En un mundo corrupto, uno quiere hacer una revolución, se da cuenta de que no vale ni sirve para nada y acaba siendo corrompido”; eso, dice la directora, es lo que quiere contar a partir del texto de Valle-Inclán.
“Al pertenecer a otra cultura, la complejidad del lenguaje de esta obra implica abordar el texto desde el punto de vista formal y musical más que desde el sentido”, reconoce Coline, estudiante de ERASMUS que ha llegado a la capital española desde Paris, donde estudia Dirección Teatral en la Universidad Sorbonne. Así, para solucionar los problemas que haya podido causar esa complejidad del contenido a la hora de trabajar, la directora ha buscado junto con los actores dar múltiples sentidos a las palabras de Valle.
Rosdahl, quién hace unos meses dirigió una escena de Caricias, de Sergi Belbel, posee esta vez un reparto bastante más amplio: si en aquella ocasión tan sólo contaba con una pareja de actores, ahora serán ocho los intérpretes que habrá en escena: Cristian Simois García, Ragnar Petursson, Laura Romero Sanfelix, Lucía Benedicto Córdoba, Blanca Gil, Liébana Vidal Garrido, Julio López Guevara y Miguel Ángel Rodríguez. “Durante el proceso de los ensayos nuestros referentes para trabajar han sido el Butoh, el mundo de la magia, la Bauhauss y el ritual”, comenta Coline.
La estética del montaje, apoyada por el trabajo de la escenógrafa Maite Agoneta Amazubi, estará basada en el carácter simbólico y geométrico del círculo, que comparte lo oculto y mágico y también la estructura circular de la pieza del dramaturgo gallego.
lunes, 12 de abril de 2010
Decálogo del... BUEN estudiante de dramaturgia
1 Olvídate de todo lo que "sabes". Su supieras escribir - no estarías aquí.
2 Recuerda por momentos la razón por la que comenzaste a estudiar dramaturgia.
3 No faltes ni llegues tarde a clase.
4 Sé generoso con los maestros, sin besarle las nalgas ninguno.
5 Haz piña con tus compañeros: los solitarios no tienen con quién irse al "Tercio".
6 No te pases de listo, siempre hay alguien más listo (incluso en tu clase).
7 Exígete el máximo y escribe todos los dias, excepto los fines de semana, por que...
8 ...Los fines de semana: desconecta y...
9 Piensa en que hay una vida más allá del teatro.
10 Mentalízate para lo siguente: un ciudadano de a pie seguramente no ha escuchado en su vida la palabra "dramaturgia", asi que tendrás que explicarle a mucha gente lo que es cuando te pregunten "¿qué estudias?"
2 Recuerda por momentos la razón por la que comenzaste a estudiar dramaturgia.
3 No faltes ni llegues tarde a clase.
4 Sé generoso con los maestros, sin besarle las nalgas ninguno.
5 Haz piña con tus compañeros: los solitarios no tienen con quién irse al "Tercio".
6 No te pases de listo, siempre hay alguien más listo (incluso en tu clase).
7 Exígete el máximo y escribe todos los dias, excepto los fines de semana, por que...
8 ...Los fines de semana: desconecta y...
9 Piensa en que hay una vida más allá del teatro.
10 Mentalízate para lo siguente: un ciudadano de a pie seguramente no ha escuchado en su vida la palabra "dramaturgia", asi que tendrás que explicarle a mucha gente lo que es cuando te pregunten "¿qué estudias?"
miércoles, 10 de marzo de 2010
IDEA NUEVA, novedad un tanto anticuada
Hoy en día cuesta entender el nacimiento de un nuevo periódico como una fiesta. Es más, cuesta hablar de nacimiento cuando se trata de la letra impresa, la cual está agonizando para dar paso a la prensa en formato digital.
Por otro lado, el autor menciona la existencia de caciques en su tiempo, asunto vigente incluso a día de hoy; sin saber cómo eran los de su época, he de admitir que los de la nuestra se presentan ante los ojos del populacho disfrazados de curas, alcaldes y policías.
La prensa ha tenido y tendrá siempre tanto seguidores como detractores; no veo nada malo en que se dividan en dos bandos y discutan, siempre y cuando tengan argumentos para ello. Opino que criticar a los críticos es tan necesario como juzgar a los jueces.
A diferencia de Machado, dudo mucho de que en el tiempo en que vivimos la prensa contribuya a crear la vida ciudadana, ni que sea un reflejo fiel de la consciencia colectiva. No hay más que ver la cantidad de publicidad o de des-información burda y vil que contiene la prensa española de hoy. Y si de verdad en eso consiste la dichosa consciencia colectiva, espero que se me considere un paria.
Esos “portentosos rotativos que nos aportan diariamente noticias de todos los rincones del planeta” se contradicen los unos a los otros. Si en la época de Machado hubiera tanta diversidad como ahora para escoger un periódico, el propio Antonio se preguntaría quién manipula la información y a quién creer.
En resumen, habría que ver al señor Machado en el año 2010; ¿habría tantos halagos dedicados a la prensa como en el texto en cuestión? No lo creo.
Por otro lado, el autor menciona la existencia de caciques en su tiempo, asunto vigente incluso a día de hoy; sin saber cómo eran los de su época, he de admitir que los de la nuestra se presentan ante los ojos del populacho disfrazados de curas, alcaldes y policías.
La prensa ha tenido y tendrá siempre tanto seguidores como detractores; no veo nada malo en que se dividan en dos bandos y discutan, siempre y cuando tengan argumentos para ello. Opino que criticar a los críticos es tan necesario como juzgar a los jueces.
A diferencia de Machado, dudo mucho de que en el tiempo en que vivimos la prensa contribuya a crear la vida ciudadana, ni que sea un reflejo fiel de la consciencia colectiva. No hay más que ver la cantidad de publicidad o de des-información burda y vil que contiene la prensa española de hoy. Y si de verdad en eso consiste la dichosa consciencia colectiva, espero que se me considere un paria.
Esos “portentosos rotativos que nos aportan diariamente noticias de todos los rincones del planeta” se contradicen los unos a los otros. Si en la época de Machado hubiera tanta diversidad como ahora para escoger un periódico, el propio Antonio se preguntaría quién manipula la información y a quién creer.
En resumen, habría que ver al señor Machado en el año 2010; ¿habría tantos halagos dedicados a la prensa como en el texto en cuestión? No lo creo.
lunes, 25 de enero de 2010
Perfil del Crítico: Foster Kane
Hijo de un irlandés y una española, nace en Valencia (1982). De niño se traslada a Madrid, donde posteriormente estudia Publicidad y Marketing. Se marcha a Londres para estudiar un año de carrera. Ahí visita “el Globo” y se enamora del teatro. Conoce a Declan Donnellan en una fiesta privada y este le invita a participar en algunos de sus ensayos a modo de lecciones. Vuelve a Madrid y acaba su licenciatura. En su último año como estudiante forma junto con otro compañero de clase una companía de teatro, Nonsense Company. Montan obras de teatro inglés y francés en salas alternativas. Actualmente ejerce de publicista al tiempo que frecuenta la butaca y escribe críticas para revistas inglesas como “Criticism” o “Theatre Re-view”.
Perfil de Poeta real: Vladimir Vysotskiy
Vladimir Semiónovich Vysotskiy (1938-1980) nació en Moscú, y fue poeta lírico, cantautor, actor de cine y de teatro. Estudió en el instituto de ingeniería de construcciones, carrera que dejó en el primer curso; tras ello cambió radicalmente de especialidad, metiéndose a estudiar interpretación en el Teatro del Arte de la capital rusa (MHAT), que acabaría en 1960.
Trabajó en distintos teatros moscovitas, como el Teatro de Pushkin o el Teatro de Miniaturas. A partir de 1964 – en el de Taganka. En cine actuó en más de una veintena de películas, entre las que destaca El lugar de encuentro no se puede cambiar, un filme que le consagró como estrella nacional soviética.
Buena parte de su obra fue empleada en múltiples películas y espectáculos y ha sido retrasmitida públicamente via radio y TV.
En el terreno de la lírica llaman la atención las series Mi Hamlet y Llamada de los rendidos, ambas incluidas en la gran recopilación del autor - Nervio. Este libro contiene casi todos sus poemas y sorprende por la amplia variedad métrica y sobre todo – temática: Vysotskiy recurre a las obras de autores como Schiller, Carroll o Shakespeare, de las que hace una relectura y una posterior reescritura, desde el punto de vista popular de su tiempo. Estos poemas aluden a la represión política, el uso de drogas como herramienta de creación, las relaciónes cotidianas o la aniquilación del yo. También hay una crítica y a la vez alarde de las costumbres y tradiciones rusas, además de alusiones al mundo clásico (Roma) y personajes/hechos históricos (Napoleón Bonaparte y Revolución Francesa). Si es considerado como uno de los grandes poetas soviéticos, es por que en su lírica capta la esencia del pueblo ruso y la expone ante los ojos del público (lector) con un lenguaje cercano, cálido y cargado de ironía.
Trabajó en distintos teatros moscovitas, como el Teatro de Pushkin o el Teatro de Miniaturas. A partir de 1964 – en el de Taganka. En cine actuó en más de una veintena de películas, entre las que destaca El lugar de encuentro no se puede cambiar, un filme que le consagró como estrella nacional soviética.
Buena parte de su obra fue empleada en múltiples películas y espectáculos y ha sido retrasmitida públicamente via radio y TV.
En el terreno de la lírica llaman la atención las series Mi Hamlet y Llamada de los rendidos, ambas incluidas en la gran recopilación del autor - Nervio. Este libro contiene casi todos sus poemas y sorprende por la amplia variedad métrica y sobre todo – temática: Vysotskiy recurre a las obras de autores como Schiller, Carroll o Shakespeare, de las que hace una relectura y una posterior reescritura, desde el punto de vista popular de su tiempo. Estos poemas aluden a la represión política, el uso de drogas como herramienta de creación, las relaciónes cotidianas o la aniquilación del yo. También hay una crítica y a la vez alarde de las costumbres y tradiciones rusas, además de alusiones al mundo clásico (Roma) y personajes/hechos históricos (Napoleón Bonaparte y Revolución Francesa). Si es considerado como uno de los grandes poetas soviéticos, es por que en su lírica capta la esencia del pueblo ruso y la expone ante los ojos del público (lector) con un lenguaje cercano, cálido y cargado de ironía.
“Yo dirijo con la verga”
El próximo viernes, día 18 de Diciembre, tendrá lugar la presentación de una escena de Edmond, obra de David Mamet, dirigida por Raúl Rodríguez, en la sala S-17 de la Real Escuela Superior de Arte Dramático. Dicha escena formará parte del ejercicio Drama Realista, una muestra del trabajo realizado por los alumnos de 2ºCurso de Dirección.
El acto está programado para la una de la tarde, con una duración de no más de 3 horas, incluidas las pausas destinadas a los cambios de escenas, en las que se podrán ver puestos en escena textos de autores tan dispares como Oscar Wilde, Lorca o Wedekind, entre otros.
Se tratará de mostrar al público el resultado de meses de ensayos que corresponden a la asignatura de Dirección Actoral impartida por el profesor Nacho Sevilla. El trabajo de los alumnos-directores ha sido dedicado en su totalidad a dirigir a los intérpretes, únicamente, por lo que no se han de valorar elementos de la puesta en escena como la escenografía, el espacio lumínico o el sonoro. Por su parte, Nacho Sevilla ha exigido a sus alumnos que trabajen a partir del planteamiento propuesto por Jorge Saura, basado en el análisis activo.
En lo que respecta a Raúl Rodríguez (México D.F., 14.02.83), decir que para analizar su labor debemos tener en cuenta la formación que recibió en El Foro Teatro Contemporáneo, escuela de la capital mexicana en la que estudió la carrera de Interpretación durante 4 años. En su estancia allí, participó en montajes como Rey Lear, de Shakespeare o Rhinoceronte, de Ionesco.
Como director aún no ha dirigido una pieza teatral completa, así que esta será su muestra-prima en la RESAD. Se ha decidido por el texto de Mamet por que este “ofrecía múltiples posibilidades con las que jugar”, lo cual se verá plasmado, puesto que Raúl “definió, decidió y encontró la manera adecuada que el texto le exigía para poder jugar”. Claro que, la manera adecuada según él mismo.
Pero no hay nada acabado, nada definitivo, nisiquiera el planteamiento de dirigir a los actores según los sucesos y el análisis activo, sobre el que opina el director: “Tan sólo es una herramienta, pero no la única”.
La pareja de actores, Guillermo de los Santos y Lidia Méndez – alumnos de 3er Curso de Interpretación Textual de la RESAD, previamente habían participado en muestras de escenas de autores como Chéjov o Cervantes, decían estar muy contentos de trabajar con este director americano.
En los primeros ensayos de la escena, los 3 comenzron a trabajar a partir de improvisaciones que les permitía “descubrir y respirar el mundo de Mamet”. Así, fuimos encontrando hallazgos del texto y de la propia escena, que nos ha permitido indagar en diversas posibilidades escénicas” comenta Raúl Rodríguez. Conociendo el texto de David Mamet sabemos que hay una muerte en escena; tratándose de un ejercicio dedicado a la dirección actoral, será interesante poder ver la resolución que le dará el pinche director a esta posibilidad escénica. “El trabajo del director consiste en encontrar interés a un texto”, afirma Raúl, quien afirma dirigir actores con la misma pasión que actúa en la cama.
El acto está programado para la una de la tarde, con una duración de no más de 3 horas, incluidas las pausas destinadas a los cambios de escenas, en las que se podrán ver puestos en escena textos de autores tan dispares como Oscar Wilde, Lorca o Wedekind, entre otros.
Se tratará de mostrar al público el resultado de meses de ensayos que corresponden a la asignatura de Dirección Actoral impartida por el profesor Nacho Sevilla. El trabajo de los alumnos-directores ha sido dedicado en su totalidad a dirigir a los intérpretes, únicamente, por lo que no se han de valorar elementos de la puesta en escena como la escenografía, el espacio lumínico o el sonoro. Por su parte, Nacho Sevilla ha exigido a sus alumnos que trabajen a partir del planteamiento propuesto por Jorge Saura, basado en el análisis activo.
En lo que respecta a Raúl Rodríguez (México D.F., 14.02.83), decir que para analizar su labor debemos tener en cuenta la formación que recibió en El Foro Teatro Contemporáneo, escuela de la capital mexicana en la que estudió la carrera de Interpretación durante 4 años. En su estancia allí, participó en montajes como Rey Lear, de Shakespeare o Rhinoceronte, de Ionesco.
Como director aún no ha dirigido una pieza teatral completa, así que esta será su muestra-prima en la RESAD. Se ha decidido por el texto de Mamet por que este “ofrecía múltiples posibilidades con las que jugar”, lo cual se verá plasmado, puesto que Raúl “definió, decidió y encontró la manera adecuada que el texto le exigía para poder jugar”. Claro que, la manera adecuada según él mismo.
Pero no hay nada acabado, nada definitivo, nisiquiera el planteamiento de dirigir a los actores según los sucesos y el análisis activo, sobre el que opina el director: “Tan sólo es una herramienta, pero no la única”.
La pareja de actores, Guillermo de los Santos y Lidia Méndez – alumnos de 3er Curso de Interpretación Textual de la RESAD, previamente habían participado en muestras de escenas de autores como Chéjov o Cervantes, decían estar muy contentos de trabajar con este director americano.
En los primeros ensayos de la escena, los 3 comenzron a trabajar a partir de improvisaciones que les permitía “descubrir y respirar el mundo de Mamet”. Así, fuimos encontrando hallazgos del texto y de la propia escena, que nos ha permitido indagar en diversas posibilidades escénicas” comenta Raúl Rodríguez. Conociendo el texto de David Mamet sabemos que hay una muerte en escena; tratándose de un ejercicio dedicado a la dirección actoral, será interesante poder ver la resolución que le dará el pinche director a esta posibilidad escénica. “El trabajo del director consiste en encontrar interés a un texto”, afirma Raúl, quien afirma dirigir actores con la misma pasión que actúa en la cama.
¿6 DRAMATURGOS 6? "Todos ibamos borrachos", I. Gª May
El pasado viernes 22 de enero en la Sala de Profesores de la RESAD se celebró un acto inaudito: el departamento de Escritura y Ciencias Teatrales quiso festejar los 6 premios que se han llevado sus exalumnos en 2009.
Para ello se han dado a conocer fragmentos de las obras (ganadoras del SGAE, el Calderón de la Barca, etc) por boca de los propios docentes, quienes han realizado una lectura dramatizada de las mismas, dirigida por Julio Escalada, otro maestro de la escuela.
Los que hemos tenido la suerte de asistir (pocos alumnos de dramaturgia acudieron a la presentación) disfrutamos tanto por la calidad de los textos como por la buena lectura de los profesores, destacando la voz de Ignacio García May en el papel de héroe de la obra de Lola Blasco. El dramaturgo se mostró muy contento pese a reconocer estar “encasillado en este tipo de personajes”.
Por otro lado, Juán Antonio Vizcaíno, quién imparte Critica Teatral, estuvo castigado durante la ceremonia, leyendo tan sólo las acotaciones de los textos. A propósito de su asignatura, Pedro Víllora – también docente del centro, declaró que siempre la consideró como “materia maría”, lo cuál causó silencio en la sala. Este último y José Cruz, profesor de Historia de la Música y el Teatro Lírico, se vieron especialmente emocionados a la hora de dedicarles palabras a sus antiguos alumnos y compañeros.
Al margen de los premiados (Nacho Diego, Antonio Sansano, José Manuel Mora, Blanca Doménech, Paco Becerra y la ya citada Lola Blasco) el acto fue también presenciado por profesores de la escuela, como Fernando Doménech, y antiguos profesores, como Juán Mayorga.
Nada más finalizar la lectura, el champán y el licor de limón se adueñaron de la situación y tanto los protagonistas de la tarde como los espectadores pudimos mantener un agradable acercamiento.
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