Y al principio fue el verbo

Kaspar, de Peter Handke. Director: Roberto Ciulli; Dramaturgia: Helmut Schäfer; Reparto: María Neumann, Simone Thorna, Petra von der Beek, Rosmarie Brücher… entre otros. Theatre an der Ruhr. Teatro de la Abadía del 1 al 4 de junio.

El mundo se creó con la palabra como única herramienta. Se cuenta que el viejo chamán crea el mundo cada mañana nombrando los elementos que lo componen: cielo, tierra, nubes… La compañía de teatro alemana Theatre an der Ruhr nos trae una historia que nos habla de la importancia de la palabra… a través de las imágenes.

El espectáculo se basa en la historia real de Kaspar Hauser, un niño salvaje que fue encontrado en Colonia a principios del siglo XIX. Pero esto es tan sólo una excusa para hablar del significado del lenguaje en la sociedad actual, y del deterioro que sufre.

El italiano Roberto Ciulli, fundador de Theatre an der Ruhr es uno de los directores escénicos menos convencionales de la escena internacional. Nos propone en este Kaspar una puesta en escena fascinante y sorprendente.

El espectáculo está dividido en dos partes bien diferenciadas. En la primera se nos cuentan los esfuerzos de Kaspar por aprehender el nuevo mundo al que ha sido llevado. La única forma de comprenderlo, de asimilarlo, de formar parte de él, es a través de la palabra. Pero pronto ha de descubrir las trampas del lenguaje. Los circunloquios, los dobles sentidos, las palabras vacías que han perdido su significado. Se trata de una puesta en escena sobria, exquisita. Los movimientos están perfectamente coreografiados, dando la sensación de baile.

La segunda parte nos muestra un espectáculo prácticamente mudo. Nos muestra la posible evolución de esta sociedad que ha pervertido de tal forma la lengua que ha llegado a perderla, llegando a caer en la desesperación y la barbarie. La estética es totalmente distinta a la parte anterior. Este crítico la definiría como una mezcla entre La clase muerta de Tadeusz Kantor y una película de Tim Burton. El espectáculo es a ratos brutal, lleno de imágenes poderosas, apocalípticas, y consigue que el público, alucinado, no aparte la vista de lo que ocurre en escena.

Al principio fue el verbo. Y el final será la ausencia del mismo, parecen decirnos. Confiemos en que el chamán siga nombrando/creando el mundo durante muchos miles de años. Cielo, tierra, nubes… y sobre todo, buen teatro como este.

Tragedia Express

Rey Lear, de William Shakespeare. Compañía Kaputt, Dirección: Ana Contreras; Versión: Marc Gutiérrez Rubio y Marcos García Barrero. Reparto: Diego Santos Simona Ferrar, Huichi Chiu, Marina Bruno, Andrés Bernal, Marcos García Barrero, Clemente García, André Börner y Andrej Yaroshenko. Centro Cultural Moncloa. Del 6 al 12 de Junio.
Llevar a escena a Shakespeare es un proyecto titánico más propio de centro dramático nacional que de una pequeña compañía como Kaputt. Al menos llevarla a escena tal y como fue escrita hace cuatrocientos años. El dramatis del Rey Lear se compone de una veintena de personajes (sin contar criados, caballeros, etc), hay gran variedad de escenarios, tormentas, guerras, combates… Lo más lógico es realizar una adaptación dramatúrgica para contar lo mismo con menos medios. LePage por ejemplo, realizó en su montaje Elsinore una adaptación de Hamlet para un solo actor (aunque había decenas de técnicos tras el escenario)
Hay una propuesta dramatúrgica detrás de este Rey Lear, pero es a todas luces insuficiente. Se han eliminado personajes, tramas y se ha mutilado la florida prosa del bardo inglés, dejando un texto que por momentos es de lo más ramplón. (Quizá es de agradecer, pues los soliloquios que han quedado están dichos por los actores sin apenas convicción, resultando las más de las veces algo tediosos)
Se ha conseguido reducir a hora y media esta tragedia que nos cuenta el descenso a los infiernos de Lear, rey repudiado por sus hijas tras cederles su reino.
Pese a todo, a esta versión aún le sobran personajes que no aportan nada a la trama, obligando a los actores, que doblan papeles, a, en algunas ocasiones hacer rápidos y absurdos cambios de vestuario como si fueran el mítico Fregoli . También sobran escenas, que no aportan nada y no hacen más que deslucir más aún el conjunto, y no consigue resolver las partes más complicadas de llevar a un escenario como es el del Centro Cultural de Moncloa, (los distintos escenarios, apuñalamientos, crímenes, peleas con espada no terminan de funcionar en este montaje.
Estamos de acuerdo que el de este centro es un escenario difícil. Es pequeño y no se pueden conseguir los efectos deseados. Pero debemos intentar ir a favor de nuestros medios materiales, nunca en contra.
Todo es confuso y apresurado. No se da tiempo a que las escenas o los actores evolucionen convenientemente. Todo parece descuidado y da la impresión de cajón de sastre: la obra comienza con una fiesta, por lo que las paredes están decoradas con brillantes tiras de papel. Pero según evoluciona la obra, los escenarios cambian, aunque las lustrosas tiras permanecen distrayendo la atención del público (sobre todo cuando se enganchan a los actores) Quizá un escenario completamente neutro hubiera ayudado más. Tampoco entendemos el uso de música medieval cuando parece que la acción se sitúa en un contexto contemporáneo.

En definitiva, la compañía Kaput no ha medido sus fuerzas, dando como resultado un espectáculo irregular.

UN GOLPE DIRECTO A LA CONCIENCIA

Grietas

Autora: Angie Martín; Dirección: Diego Domínguez; Escenografía: Nuria Enríquez; Vestuario: Gala Domínguez e Irene Serrano; Iluminación: Miguel Ángel Ruz; Reparto: Cristina González, Angie Martín; Irene Montes; Irene Serrano.

“¡El horror! ¡El horror!” eran las últimas y enigmáticas palabras que pronunciaba Kurtz, rodeado de las hermosas selvas africanas, en la novela de Conrad El corazón de las tinieblas. Con ellas no se refería a ningún peligro concreto, sino a todo lo abominable, lo incomprensible, todo lo oscuro que habita en el alma humana.

Grietas nos muestra una realidad que no por lejana nos es desconocida. Grietas se asoma al interior de uno de esos agujeros que se abren en las tierras de Ciudad Juárez, brechas por las que se cuelan y desaparecen cientos de mujeres cada año. Grietas ilumina una de esas oscuras rendijas, haciendo que nos enfrentemos cara a cara con ese horror al que se refería Conrad. La violencia descarnada que sufren mostrada en algunos momentos de forma cercana al snuff, nos golpea constantemente a lo largo de la obra. Un horror al que ni siquiera podemos ponerle rostro.

No se nos propone un texto dramático al uso. Poca acción existe en el tema de la víctima indefensa que se repite a lo largo de la obra. Pero en ningún momento resulta un espectáculo monótono. Como la jungla de Conrad, el contexto es bello. La poesía de la joven dramaturga Ángeles Martín, un estupendo elenco de actrices y el director Diego Domínguez, que pone al servicio de la obra toda su pirotecnia audiovisual, consiguen algunos momentos de una hermosura sobrecogedora, haciendo que nos preguntemos ¿cómo pueden cohabitar esos dos mundos? ¿Cómo el ser humano puede ser capaz de albergar tanto horror y tanta belleza?

En definitiva, una obra denuncia cuyo mensaje nos llega como un golpe certero, directo a la boca del estómago.

Marisa Plasencia

Y es que "Algo de ruido hace"...

“Algo de ruido hace” de Romina Paula. Dirigida por Lautaro Perotti. Intérpretes: Fernanda Orazi, Santi Marín y Eloy Azorín. Teatro Pradillo. Madrid.

Dos primos que viven como detenidos por el tiempo, en un pueblecito de costa hasta que llega inesperadamente su prima, que es la única modificación que sufre esa casa desde hace años. Así empieza esta propuesta de teatro argentino que forma parte de la oferta dentro del Festival de Otoño.

La música y la escritura son los elementos de salvación para cada uno de los hermanos, que tienen una relación cíclica basada en la continua necesidad el uno del otro que se alterna con momentos de hastío.

Cuando llega la prima (Fernanda Orazi), da la impresión de que ha llegado tarde a algo, pero no se sabe muy bien a qué, si a la muerte de la madre de los primos, o a un acontecimiento más profundo.

El silencio se impone en una casa donde una mujer busca su lugar en el mundo. Donde el olvido a veces aparece como lo normal y en ocasiones como lo imposible. Los personajes construidos a base de gestos precisos y medidos dotan de fuerza cada acción, por mínima que sea. Fernanda Orazi, como siempre magnífica, llena la escena de energía y de ganas de buscar permanentemente un lugar en el mundo.

El texto roza lo sobrenatural, lo que se apoya con la escenografía, la iluminación y el sonido, todos con elementos que enrarecen un ambiente aparentemente normal. Posiblemente no se entienda bien si realmente en la casa conviven con el fantasma de la madre, o esto es fruto de la imaginación enfermiza de los hermanos. También se centran demasiado en el síntoma: el estado de ostracismo de los hermanos, sin terminar de ahondar en las razones. La obra promete demasiadas cosas que no llega a cumplir.

Habría que revisarla, porque sin duda tanto los actores como el punto de partida, prometen.

Aphrax K.

Insomnio y corsé

“Dorothy, Phyllis,Virginia y Rosemond” (La Vida tiene muchos días) de y dirigida por Sandra Dominique.

Intérpretes: Alba Pérez, Cristina González, Alexandra Hervás y Sole Solís. Escenografía e iluminación: Alezeia Fidalgo. Vestuario: va Ruzickova. Sonido: Pablo Alonso. RESAD. Sala A. Madrid.

A la señal de la directora, Dorothy Parker presenta a una Virginia Woolf tímida y encorvada, temblorosa y con la voz rota que se prepara para dar una conferencia sobre el papel de la mujer en el siglo XX, basándose en la historia de dos hermanas que representan las acciones que Woolf narra.

Se establece así un mecanismo en el que el espectador entra sin dificultad, y en el que todos los actores juegan su papel con un gran dominio de la gestualidad. La directora presente con sus indicaciones, forma parte también de este mecanismo, lo que no hace sino enfatizar la esencia de experimento social.

La iluminación, la escenografía y el vestuario logran que se respire un ambiente encorsetado con pequeñas fisuras por la que se escapa inevitablemente lo humano: los deseos, los sueños, las frustraciones, los miedos de las hermanas frente al matrimonio, la necesidad de perfección…

En un momento en el que hay cambio de escena realizado por las actrices, estas hablan fuera de sus personajes sobre el corsé de nuestro tiempo: los esfuerzos por llegar a una talla determinada. Se enlaza así un tipo de mujer de la sociedad del siglo XX con un tipo de mujer de la sociedad del siglo XXI.

Sandra Dominique logra sacar alguna sonrisa de reconocimiento por parte de las mujeres del público, cuando nos presenta a una Dorothy Parker sufriendo insomnio y atacando una tarrina de helado, o a Virginia Woolf, también sin poder dormir, escribiendo cartas compulsivamente.

El texto mezcla componentes científicos propios de una conferencia, con toques de humor, confidencias o reflexiones en voz alta que dan qué pensar. Una obra sin duda que aúna placer con calidad.

Aphrax K.

Sueños desde el mar

“El tiempo de Kim” de y dirigida por Godstime Gambler. Intérpretes: Maya Nanji, Pablo Ngoma y Kris Mdemb. Parque Genovés de Cádiz.

La obra del dramaturgo y director Godstime Gambler se enmarca dentro de un ejercicio de los integrantes del grupo teatral “Mama Afrika” que pretende hacernos partícipes de su cultura y de sus vivencias en España como inmigrantes.

La obra, al aire libre y en círculo, comienza con la narración de Kim, interpretado por Pablo Ngoma, hablando de un viaje sin retorno, en el que el sol y la sal se convertían en fantasmas, y las olas en potenciales lápidas.

Cuenta como acompañado por su hermana y su mujer llega a España donde tiene que aprender a sobrevivir, con otro clima, otro idioma, otras costumbres, otra cultura…

Se sirven de elementos escenográficos sencillos. Una silla se convierte en un asiento del metro, en un banco de una calle céntrica de cualquier ciudad. Una tabla de madera es una patera, una cama, una puerta, una mesa…

Las actrices Maya Nanji y Kris Mdemb se valen de sus espectaculares voces para hacer llegar al público, que se sienta en círculo, diferentes sentimientos llenos de musicalidad, que en ocasiones expresan cantando al ritmo de un tam- tam.

Termina la obra con los elementos esparcidos en escena y los tres actores en la tabla, como si todo hubiera sido un sueño, como si aún estuvieran en el mar intentando alcanzar la costa. Como si todas las peripecias escenificadas fueran lo mejor que podría pasarles en sus vidas. Maya Nanji entona una canción que va haciéndose cada vez más tenue antes de que el público rompa a aplaudir.

En seguida se levantan, saludan y recogen todo para preparar la próxima función. Se sale del parque con la sensación de haber vivido algo que se asemeja a las raíces del teatro.

Aphrax K.

El deseo que se convirtió en locura.

Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams. Versión: J.L. Miranda; Dirección: Mario Gas; Reparto: Vicky Peña, Roberto Álamo, Ariadna Gil y otros; Escenografía: Juan Sanz y Miguel Ángel Coso. Teatro Español. Madrid. Del 4 de febrero al 10 de abril de 2011.

Tennessee Williams parece estar siempre de moda. Los montajes de sus obras se suceden a diestro y siniestro. Las interpretaciones de las mismas son variadas y casi siempre, funcionan. Con Un tranvía llamado deseo, Williams consiguió el que sería el primero de sus premios Pulitzer, galardón que conseguiría de nuevo con La gata sobre el tejado de zinc caliente. Ahora es Mario Gas el que se atreve de nuevo a coger el tranvía, y lo hace con notables resultados.

En Un tranvía llamado deseo, Williams nos ofrece dos modos de vida totalmente diferentes, y por lo mismo, enfrentados. Dos culturas condenadas a no entenderse. Blanche Dubois y su hermana Stella, educadas en Nueva Orleans, en la elegancia y el saber estar, y Stanley, marido de Stella, un polaco bruto y maleducado, bebedor, acostumbrado a vivir la vida casi a golpes. Stella se mueve entre esos dos mundos en un intento de reconciliación que está condenado al fracaso. Su hermana y su marido se enfrentan de manera despiadada, en un juego con cierto matiz sexual, aposentado en las bases de la naturaleza, en la que el más fuerte siempre gana. Por lo tanto, un duelo que uno de los dos perderá sin remedio posible. Finalmente será Blanche la que descienda a los infiernos. Una mujer que intenta mantener a flote a aquella que fue en su pasado, pero que se verá cada vez más hundida en la bebida y en la fatalidad de un mundo que se le revela ajeno. Un mundo que la conducirá a la locura.

La propuesta de Gas está totalmente anclada al original. Gas habla de esa diferencia de clases, de la lucha por la supervivencia en un mundo duro, de la necesidad de guardar las apariencias y esconder los errores, y también de la búsqueda del amor. Vicky Peña, que encabeza el reparto en su papel de Blanche, ofrece un personaje con tantos matices, tan concienzudamente elaborado, tan sincero en todos sus planos, que realmente hace que el espectador viaje con ella. Que la entienda y la compadezca. Los personajes se mueven en este triángulo imposible, trazando las líneas de lo improbable, es decir, dejando aflorar a la superficie que hay batallas que nunca podrán ser ganadas. Y relaciones que siempre serán imposibles. El contrapunto de Blanche es Stanley, interpretado por un rudo Roberto Álamo, que a ratos, parece demasiado, así, sin más. Demasiado bruto, demasiado natural, demasiado alejado en su interpretación a la tan matizada actuación de Peña. Ariadna Gil, en el papel de Stella, se mueve entre los dos como un árbitro que no acierta a distinguir quién cometió la primera falta. Y que, a pesar de tomar una decisión, seguirá preguntándose toda su vida si hizo lo correcto.

La escenografía, a cargo de Juan Sanz y Miguel Ángel Coso, es un elemento fundamental de esta puesta en escena. Apurada hasta sus últimos detalles, da al espectador una idea del espacio absoluta y precisa en una única mirada. La pequeña cocina, la sala, el dormitorio, separado por cortinas, un baño del que sólo vemos la puerta y la luz en una ventana, y por último, la escalera que comunica este espacio tanto con la casa de los vecinos, arriba, como con la calle, abajo. Un espacio concentrado en el que se resumen los avatares de varias vidas.

El escenario se llena del calor de las bochornosas tardes de verano, y del frío de algunas de esas almas rotas y sin salida. Y el espectador que asiste a este desgranar de sentimientos también se impregna del frío y del calor, como si fuese uno más dentro de esa paleta de memorias. Al que la locura asusta tanto como a cualquier otro.

Porque ese resorte está en todos, presto a activarse en cualquier momento.

El cristal que recuperó su brillo

El zoo de cristal, de Tennessee Williams. Dirección: Diego Domínguez; Dramaturgia: Manuel Benito; Reparto: Paloma Tabasco, Carlos Serrano, Paula Ruiz y Mario Ballesteros. Escenografía: María Arévalo. Sala García Lorca. RESAD. Madrid. Martes 17 a las 18:30. Miércoles 18 a las 12:30 y 17:00

A estas alturas, hablar de Tennessee Williams no es nada nuevo. Y su zoo de cristal está grabado en la memoria colectiva, al menos en este mundo en que nos movemos. Y no es para menos. La obra respira fragilidad, pero también fuerza, y deseo, y desesperación, y ganas de cambio, y sueños, sobre todo sueños. El de Amanda Wingfield por encontrar un marido a su pobre hija coja, Laura, que vive en un mundo de cristal, el de sus animales, tan frágiles como ella. Laura, tan frágil que podría romperse en el puño de un hombre, como ocurre con su unicornio de cristal. Laura sueña con amores de instituto, que son el reflejo de una imposibilidad que se guarece bajo su timidez, y bajo el implacable paso del tiempo y sus circunstancias (su amor platónico del instituto vuelve, pero sólo para marcharse de nuevo, no sin antes dejarla rota, ya sin redención posible). Y, por último, el sueño de Tom, la necesidad de alejarse de esa casa y de esa madre que le oprimen. También la necesidad de abandonar su trabajo como zapatero -oficio que por cierto también desempeñó el autor-, llevándose sus ansias de poeta bajo el brazo. Hasta ese lugar en el que encontrarse. El reflejo de una familia que podría ser como cualquier otra, pero que en ese momento es única en su devenir.

Esa es la idea que respeta Manuel Benito, encargado de la dramaturgia de la obra. Trabaja en esa dirección, y se reafirma en cierto dolor de vivir, en las fracturas de la existencia, en lo inútil de algunos sueños. Y sobre todo, en el desgaste que el tiempo hace, no sólo en la superficie de las cosas, sino también en lo más profundo. Como ese cristal, que con el tiempo y tras tanto frotar, va perdiendo su brillo y ganando arañazos.

Diego Domínguez ahonda en esta búsqueda imposible de la felicidad, a través de unos personajes fieles a los que Williams dibujó en su día. Carlos Serrano, maravilloso en su papel de hermano y narrador, traslada al que mira por una historia tan plagada de realidad que parece dolerle a él, ahí, en medio de los ojos. Tom narra, vive, sufre, se enfada, mira la luna, nos mira, y hace que el que está ahí, entienda. Paula Ruiz asombra con la increíble fragilidad que desprende al moverse por el escenario. No resultaría extraño que en cualquier momento se rompiera, sin más, como un vaso de cristal que cae al suelo. Y cómo no, Amanda. Paloma Tabasco realiza una interpretación que lleva al espectador desde la risa más inesperada hasta la bofetada más cruel. Una madre casi esquizofrénica a la que se le escapan todos los deseos de las manos. Que no es capaz de controlar ni su vida, ni, a pesar de todos sus intentos, las de sus hijos. No hay sueños imposibles, parece decirse, pero vive en una perpetua mentira. Y lo sabe. Y todo esto bajo la mirada de un padre que vive sólo en un cuadro colgado en el salón, lo único que les queda desde que les abandonara.

La delicada escenografía de María Arévalo ayuda mucho a la construcción de la historia. Distintas alturas, un diván un tanto desvencijado, unas pareces que se nos muestran a partir de unos pocos trozos forrados en rayas a tonos pastel, esa terraza, reflejo metálico desde el que mirar la luna, la foto del padre, y por último, unas cortinas hechas con gasa que ayudan de manera absoluta no sólo a diferenciar los espacios reales, sino a descubrir, transparentar o esconder también los reflejos del alma. A lo que también ayuda la sutil iluminación, que en momentos se convierte en un personaje de la obra, jugando con los claroscuros de los mismos, mostrándonos los diferentes rostros de este drama.

Otra muestra más del buen hacer de los alumnos de la RESAD, que siguen manteniendo viva esta ilusión que llamamos teatro.