Necrológica Eva Harrington

(5 de Octubre de 2180)

Eva Harrington nació avanzados los años 40. Nunca desveló su verdadera edad y sabiendo que seguramente hubiera mentido, a nadie se le ocurrió preguntársela. Nació de la cabeza de la escritora Mary Orr. Teniendo en cuenta los rasgos de carácter que poseía Mrs Harringnton, ambiciosa, implacable, obsesiva y depredadora, se tiende a pensar que fue fruto de una mala experiencia de su progenitora, pero lo cierto es que como bien reconoce su artífice: “Todos llevamos a una Eva dentro”.

Todo hacía pensar que la Señorita Harrington sería eterna, pero lo cierto es que en nuestra recién estrenada verdadera democracia, los trepas son tan anacrónicos como la doble vainica en faldas y vestidos.

Ante la perspectiva de no poder afilarse los colmillos, buscar un buen cuello dónde imprimirlos, y competir, competir, competir, la Señorita Eva se fue marchitando. “Somos todos tan educados” le confesó días antes de morir a un viejo enemigo.

En sus últimos días se la vio frecuentando salas de teatro y viendo una y otra vez las mismas obras. El final de su vida coincidía con aquellos años dorados en los que Eva merodeaba actrices cuarentonas en sus últimos momentos artísticos. Contaba con apenas veinte años y era puro talento.

Una verdadera trepa ha de estar respaldada por grandes dosis de talento, sino su técnica no sirve de nada, contaba en su último libro: “Sube”. El que daba consejos de belleza y maneras a aspirantes, con secciones deliciosas: Luce siempre sonriente, Veinte pasos para estar más perfecta, Como ser su amiga. La cifra de ventas viene a confirmar que todos llevamos una Eva dentro.

¿Cómo será el mundo ahora que no se necesitan uñas? ¿Necesitaremos las manos?

Un mundo con moral es un mundo mejor, pero también mucho más aburrido.

Te echaremos de menos Eva Harrigton.

Ana María García.

El papelito

Me encontraba yo en esa frágil frontera en la que estás vivo o estás muerto, burocráticamente hablando. Y no diré el trámite. Para que no se me tenga de este o de aquel lado. Lo que me separaba de ese otro mundo en el que se vive tranquilo o en el que al menos eres alguien, consistía en, como se podrá adivinar, un papelito. Menos de dos miligramos y con vocación de convertirse en cualquier cosa: envoltorio de bocadillo, servilleta improvisada, pajarita de papel.

- Necesita usted un papelito como éste. Tiene usted tres días a partir de ya. dijo el hombre sin piernas.

- Pues deme ése. dije yo

- Siguiente. Dijo él.

Me volví sobre mis talones y todas aquellas ventanillas me parecieron casilleros de juego de mesa, todos esos hombres como dibujados con mal pulso y aquella gente. Qué decir de aquella gente. Entonces sonó dentro de mí una vieja música de concurso de televisión. Hay melodías que te acompañan toda la vida. Qué sería la vida sin los trámites.

Me dirigí rauda y veloz, con una extraña alegría, al otro lado de la ciudad. A unas dependencias lúgubres, color blanco neón. Paraíso de los formularios. Esas ventanillas estaban habitadas por bocas, que se fruncían en una especie de mueca.

- Ese papel no lo tenemos aquí. Lo tienen en las dependencias del otro lado.

- De ahí vengo.

- Dice que de ahí viene.

Y todas las bocas rieron por la ocurrencia.

Yo comencé a sentir un riachuelo de sangre al principio, recorriendo mis pantorrillas, para terminar convirtiéndose en un torrente de sangre subiéndose a mi cabeza. Abrí mi boca para que toda esa ira saliera de mi garganta y cual fue mi sorpresa, cuando descubrí que no podía emitir sonido alguno. Las bocas decían siguiente una y otra vez. Siguiente, siguiente, siguiente.

Entonces me acordé de pronto que tenía que ir a trabajar. ¿Cuánto tiempo había pasado? Busqué un reloj por toda la dependencia y encontré uno triangular ocupando una esquina y derritiéndose lentamente.

Un momento. Los relojes no se derriten. Las bocas no existen sin sus caras.

- Oiga, despierte. Es su turno. Oiga le toca.

- No se rían.

- Nadie se ríe. Es su turno. Se ha quedado usted dormido.

Es lo mejor que puede hacer uno en una cola larguísima. Inclinarse un poquito y dormir. El único riesgo son las pesadillas. Me acerco rápidamente a la ventanilla. Le doy los impresos cumplimentados. Me dice:

- Necesita usted un papelito como este, cuenta con tres días a partir de ya.

Ana María García.

EDUARDO HARO TECGLEN

Testigo de la izquierda

Hay escritores que cuando se mueren, se llevan consigo un trozo de pasado en el bolsillo interior de la chaqueta. Y aun cuando sus lectores nunca hayan tenido el placer de tomarse un cortado con ellos, o conocer sus más íntimas manías (ni falta que hace), sienten el dolor del hueco de su columna vacía cada lunes en los periódicos.

Eduardo Haro Tecglen se hizo imprescindible para muchísimos lectores, en calidad de testigo privilegiado de esa primavera de colores brillantes, que fue la Segunda República Española. Desde sus columnas y ensayos se encargó de constatar que no había sido un sueño, que aquello ocurrió de verdad. Y llevó a cabo esta tarea todos los días porque ni un solo día dejó de escribir, de decir lo que pensaba, de denunciar la injusticia, según palabras de Concha Barral, su esposa, desde su página personal.

Niño entre bambalinas

La labor de cronista, como su amor al teatro, le venía de casta. Su padre Eduardo Haro Delage fue periodista y comediógrafo. El niño Haro creció entre prestigiosos intelectuales de la época como Eduardo y Ángel Guzmán, reporteros de La tierra y ABC respectivamente, y dramaturgos como Lauro Olmo, célebre autor de La camisa, retrato social de la España de posguerra, o Antonio Montoro, o Pepe Ojeda. Todos ellos retratados en la colección de ensayos El niño republicano que cumplen la función para su autor de unas memorias un poco a la remanguillé. Como bien podrían haber dicho los habitantes de ese Madrid afrancesado heredero de una tardía ilustración.

Haró Tecglen amaba el teatro, él dijo que siempre le fascinó aunque nunca tuviera vocación de escribirlo y que si bien el culpable de esta pasión era sin duda su padre también le debía mucho a Celia Gamez.

Las razones del éxito de Celia Gámez no son fáciles de comprender a quienes no la vieron, puesto que no era una belleza arrebatadora, no tenía una gran voz, ni siquiera era una bailarina consumada; no obstante su personalidad llenaba la escena, tenía evidente magnetismo y sabía organizar a su alrededor espléndidos espectáculos a medio camino entre la revista y la opereta, de los que salieron muchísimas melodías populares y en los que dieron sus primeros pasos muchos artistas como Concha Velasco, Lina Morgan y Esperanza Roy. Durante bastantes años elevó considerablemente el tono generalmente bajo de las populares revistas. Una de las necrológicas más bellas que escribió Eduardo fue a esta tanguista, cupletista y bailarina de chotis, leyenda viva de la España republicana. Aparte de esta pasión más o menos confesable no fue muy amante del género chico. La zarzuela, por ejemplo, nunca le gustó, dijo de ella que los libretos eran miméticos unos de otros, y todos de los clásicos. La música chabacana. Los actores que cantaban no sabían bailar y continuaban con la voz impostada diciendo sus papeles tontos. Los decorados tenían dobleces de tanto viajar.

El crítico

Ejerció la crítica teatral desde 1977 en Hoja de los lunes y desde 1978 en el País. Su doble naturaleza de literato y de cronista le hacía enfocar la tarea de la crítica teatral desde la escritura y desde el retrato social del público asistente a la obra en cuestión. Es bella la apertura de esta crítica de una reposición de una obra de Benavente, seguramente no del todo Santo de su devoción:

Desde el fondo del patio de butacas se ve un mar de cabezas grises, blancas, con reflejos azulados. Abrigos de pieles, bastones, algunas toses profundas y a veces un poco dramáticas: la burguesía ha vuelto al teatro. Van Español, otra vez, a ver a Benavente. Otra vez.

Es un regreso al orden. La burguesía había sido dispersada, expulsada, durante muchos años. El teatro fue suyo, lo construyeron ellos, lo hicieron a su imagen y semejanza en su lenta labor de poder. Por dentro y por fuera: elevaron a sus autores, crearon la adoración por las primeras actrices --las grandes damas--, por los primeros actores: los monstruos sagrados. Construyeron sus salas con dorados y terciopelos --como sus salones--, y arañas colgadas brillantes, irisadas.

El poeta

Haro era dueño de una prosa elegante e intensa, y como todos los grandes escritores no poseía ese ridículo pudor por mostrarse sensible. Algunas metáforas suyas martillean la cabeza de los que tienen la suerte de leerle.

Seguramente la intensidad de su estilo sea reflejo de los trágicos sucesos con los que le obsequió la vida. Haro Tecglen perdió a un hijo en los ochenta. Este suceso lo expurga en varios de sus escritos puesto que la línea entre su vida y su obra era delgada. Quizás el escrúpulo y el rigor de relojero con las que según su mujer Concha Barral, componía sus artículos, le salvaron de una tristeza inevitable o quién sabe si esa tristeza dio el aroma preciso a sus escritos.

Su parte de activista político de izquierdas la ejerció desde las revistas, fundadas por él en su mayoría, El Triunfo, que fue cerrada poco después por su evidente tendencia antifranquista, en la que también era redactor un joven Vazquez Montalbán, Jose Monleón y Fernando Savater.

La calle de la memoria

En los días que sucedieron a la muerte de Haro, se mantuvo un debate absurdo y un tanto irrisorio por parte de algunos portavoces de los partidos políticos. EL tema central giraba entorno si Eduardo Haro Tecglen merecía tener una calle o no. Este suceso hubiera sido tratado por él desde una columna con el tono irónico que le caracterizaba. Él que tanto recorrió y escribió las calles de Chamberí, la glorieta de Quevedo, la Calle Eloy Gonzalo, seguramente hubiera pensado que ninguna posesión colma más que las que atesora la retina y la memoria.

Durante los últimos años escribió la columna visto/oído para el diario El País y un blog, y además mantenía la sección diaria barra libre en el programa La Ventana de la Cadena SER. El 17 de octubre de 2005 sufrió un paro cardiaco mientras comía en un restaurante, por lo que fue trasladado a un hospital, donde falleció de madrugada.
Leer Haro Tecglen es leer sobre el Madrid de la Guerra Civil, es asomarse a un balcón de tiempo, en el que se forja nuestro presente y nuestro pasado. Un balcón al que aún no queremos asomarnos.

Ana María García.

Hiperrealidad

Todos los veranos de mi vida me ocurre el mismo fenómeno. Concluí llamarlo así desde que supe que me ocurría algo. Antes de aquel momento sentía la famosa piedra de Cortázar en mi zapato derecho y cuanto más adentro se hincaba la piedrita en mi talón, mi cerebro, la parte izquierda concretamente, más se empeñaba en mandar órdenes a mi conciencia eres feliz, eres feliz, eres feliz. Creo que ese debe de ser el recorrido: cuerpo, cerebro, consciencia. Cuerpo que recibe, cerebro que rebota, conciencia que se duerme. Pero nunca consigo noquearla del todo y todo el proceso deviene en un constante y cotidiano ligero malestar.

Este fenómeno se ha extendido a otros ámbitos de mi vida y ya solo soy un triste holograma de mi misma. Y todo comenzó un verano. El verano de mi desgracia. Empezaré mi triste relato por cualquier parte que es por dónde mejor se empieza cualquier cosa.

Un año cualquiera de mis últimos diez, estaba yo viendo la tele. No estaba sola. Me encontraba yo con un sujeto mujer, de veintidós años, soltera y trabajadora, publicitariamente hablando. O sea un sujeto de mi mismo perfil. Era el mes de Agosto a la hora de la siesta. El primer anuncio no hizo mella alguna en nosotras. Un coche. No lo necesitamos. Somos chicas que viajan a pie o en bici y el confort todavía no nos atrapa. El segundo: Seguros de hogar. No gracias. Somos chicas nómadas. El tercero. Música de cuerda. Suspense. Largo pasillo y gasas tornasoladas. La cámara avanza hacia un salón de imperiales columnas. En el centro Eva Longoria, a punto, a puntito de caer en la tentación y comerse un bombón de chocolate helado de cuya marca no quiero acordarme. Cuando al fin, decide que sí, que total un día es un día, toma el mango del bombón entre sus uñas rojas, le propina un mordisco con sus dientes blanco azulados y empuja la porción hacia dentro de su garganta profunda con su lengua rosa terciopelo. Los ojos se le ponen del blanco de sus dientes y sus gasas.

- Quiero uno de esos- dice mi prima con la boca abierta.

- Ya bajo yo – le digo cartera en mano.

Cuando regresé mi prima estaba sentada como si el sofá fuera una chaise longue. Abrí el helado con ansia. En ese instante recordé no sé por qué, mi infancia de polo de papel pegado. Y entonces me ocurrió por primera vez. El fenómeno. Encontré a aquel helado notablemente más pequeño que el que se comía la Longoria, ridículamente achatado por los extremos y pálido como si lo hubieran pintado mal. Miré a mi alrededor. Los muebles dieciochescos en combinación con la mesa de Ikea hacían del cuarto de estar un decorado desolador.

- Igual que el de la tele eh.

- Sí. Qué bien que es verano.

En ese momento supe que mis veranos nunca serían como los de la publicidad para poco a poco ir descubriendo que la tortilla de patata redonda y perfecta es congelada, que bebo y bebo bayleis y no hay manera de que aquel hombre vuelva, que no quiero esa falda, que quiero esas piernas y que me sobra el vestido de noche: Quiero la noche y el chico.

Pocos años más tarde me rapé la cabeza y frecuenté una secta. Ahí me enteré de que ese fenómeno ya está nombrado. Que suerte. Que alivio el de las cosas nombradas. El fenómeno se llama Hiperrealidad ha dicho un profeta.

Qué puedo decir de mi verano

Hiperreal, como todos los veranos.

Ana María García

LAS CHICAS SE DESVELAN

“Dorothy, Phyllis,Virginia y Rosemond”. (La Vida tiene muchos días) de Sandra Dominique.

Reparto: Alba Pérez, Cristina González, Alexandra Hervás y Sole Solís. Escenografía e iluminación: Alezeia Fidalgo. Vestuario: va Ruzickova. Sonido: Pablo Alonso. RESAD, Madrid 2011.

Virginia Woolf y Dorothy Parker ni siquiera se conocieron y probablemente de haberlo hecho, no se hubieran caído bien. A la frágil e hipersensible Woolf le hubiera dicho la mordaz y mundana Parker: Anímate anda, nada hay que no se arregle con un buen Vodka. Sin embargo, el fondo de las obras de ambas escritoras es el mismo y aunque las personas difieran, las artistas son siamesas. Desde estilos distintos, las dos reivindican un lugar para la mujer dentro de la sociedad del siglo XX. A las dos les dolía verse encorsetadas en unas normas rígidas y abusivas dictadas por y para hombres.

En pleno siglo XXI, a la autora y directora de La Vida tiene muchos días, le duele lo mismo y por ello decide conectarse desde la ficción con ambas autoras y a éstas entre sí. Ante una orden explícita de la autora, la obra comienza. Una irónica Dorothy Parker se dirige al público y presenta a una quebrada Virginia Woolf a punto de dar una conferencia. A finales del Siglo XIX, las tesis a cerca de un tema con miras a convertirse en científico, se ejemplificaban con casos concretos casi siempre inventados. Así procedía Freud con los múltiples casos de histéricas que acudían a su consulta y que ya se consideran parte de la literatura romántica. Estos casos han sido material dramático en varias ocasiones.

Virginia Woolf nos habla de Philis y Rosemond, dos muchachas de la sociedad victoriana que emprenden un excéntrico experimento: ser ellas mismas, sin aceptar el marido y las actividades que su entorno les imponía. El resultado es el viaje iniciático de estas chiquillas por el Londres más deliciosamente oscuro. El público asiste a una noche de desvelo de estas dos mujeres compartiendo escenario con las dos insomnes escritoras que se encuentran en un bloqueo creativo. El tono agridulce que se desprende desde la escritura es muy atractivo.

A estas alturas el espectador tiene la impresión de estar asistiendo a una buena idea con una eficaz estética decimonónica, pero empieza a percibir que la integración de todos los elementos no está lo suficientemente cohesionada. Se entiende que el desvelo de Virginia Woolf pueda estar conectado con el de sus criaturas pero ¿Y Dorothy Parker? ¿A qué se debe su desvelo? ¿El espectador ha de saber algo de antemano?

Desde el principio se muestran los mimbres de la ficción, la directora dando órdenes a las actrices, los técnicos hablando entre sí. Este recurso siempre es atractivo pues da la posibilidad al espectador de ser espía, de asistir al misterio de la creación de un espectáculo, pero si se hubiera integrado un poco mejor dentro de la ficción, hubiera hecho de esta obra que apunta grandes cosas, un espectáculo redondo.
Las interpretaciones son acertadas. El dúo de hermanas sirven a la comicidad natural de la obra, y las actrices que interpretan a ambas escritoras le ponen la pasión que requieren los personajes.

El desvelo de estas cuatro mujeres consigue conmover al público a pesar de que no en todo momento se hayan hecho entender.

Dejarse la piel

Estado de Ira, de Ciro Zórzoli. Dirección: Ciro Zórzoli. Reparto: Valeria Lois, Pablo Castronovo, Carlos Defeo, Marina Fantini, Vanesa Maja, Cecilia Meijide, Diego Rosental, Diego Velazquez. Vestuario y escenografía: Oria Puppo. Iluminación: Eli Sirlin. Madrid. Teatro La Abadía.

¿Cómo contar un clásico hoy? ¿Tiene sentido representar las mismas obras una y otra vez? ¿Cómo hacer llegar Hedda Gabbler al desencantado y sobreinformado espectador de hoy? Estas son las preguntas que Ciro Zórzoli tomó como punto de partida al comenzar los ensayos de la obra de Ibsen. La respuesta, aun contando con recursos ya conocidos y usados por otros directores, ha dado como resultado una propuesta de radical originalidad y un concierto de risas en el patio de butacas.

El planteamiento que se hace desde la adaptación es: una supuesta dependencia pública en las afueras de la ciudad, en la que se preparan a actores sustitutos para las obras que están en cartel. Toda la obra es la preparación de una actriz, La Señora Ferrucci, interpretada por una magnífica Valeria Lois, la gran dama del teatro alternativo bonaerense. Lo que el espectador presencia no es sino un ensayo vertiginoso, pues el supuesto estreno tiene lugar al día siguiente. El público tiene acceso a lo que sienten esos actores únicamente por gestos de disgusto por parte de los demás integrantes de la compañía, si la sustituta no se sabe el papel o gritos desde el mismo texto de Hedda Gabbler, si no son respetadas las marcas de ensayos.

Sólo al principio se nos informa, de que está pasando ahí a través de la angustiosa conversación mantenida por el director y la sustituta, que saluda al público despreocupada (ajena al calvario que se le avecina), puesto que esos ensayos se realizan con público para ejercer una presión positiva sobre los actores.

Desde el principio se instala una atmósfera extraña y misteriosa, además de una pregunta que consigue mantener adherida la atención del público: ¿Qué están sintiendo verdaderamente estos personajes debajo de sus máscaras? ¿Qué hay detrás de estas “máquinas del trabajo”? Una pregunta muy extrapolable a los tiempos que corren. Al mismo tiempo la obra se convierte en todo un manual de actuación puesto que al tomar el cariz de ensayo, se asiste en directo a la revelación de los trucos que utilizan los actores para hacerse creibles.

El recurso de mostrar el andamiaje de una obra teatral ha sido de sobra utilizado, lo hemos visto en numerosas películas y obras de teatro, desde Bertolt Brecht o incluso antes, pensemos en Thornton Wilder y en todo el teatro expresionista norteamericano. En este montaje está acertadamente aprovechado, las puertas móviles sin pared que dan lugar a clásicos pero siempre efectivos gags, el truco de la bofetada con palmada al mismo tiempo, o el ruido de disparo con palo de madera sobre el suelo. Todo se deja a la vista para regocijo del espectador que gusta instintivamente de ver el mecanismo.

Los actores reales interpretan actores sobreactuados de melodrama, engolan las voces, histrionizan el gesto, y sufren como solo se sufre en la ficción. Cabe destacar la apabullante presencia escénica de los actores argentinos, su eficacia, así como su manejo del cuerpo a servicio de una técnica impecable.

La dirección dota de un ritmo espectacular al montaje, hace del denso drama feminista una comedia hilarante, y crea imágenes memorables: Como la de una protagonista que después de haber sido vapuleada durante todo el ensayo por no saberse el papel, por no controlar las marcas, por besar al apuntador cuando este le decía bajito la letra al oído, por el mismo cansancio de una obra tan larga, finalmente, al acabar el ensayo y recoger la escenografía, se ve atrapada entre puertas falsas, y muebles imposibles. Desde esa posición es instada a que diga el último parlamento, en el que se suicida. Es entonces cuando la Señora Ferrucci haciendo de Hedda Gabler se apunta al corazón y dispara, con el consabido golpe en el suelo. Después los ayudantes la desnudan y queda en ropa interior, de cara al público. Su mirada desconcertada y triste parece decirnos que en el teatro como en la vida hay que dejarse la piel, sólo por pasar un buen rato. Un contrapunto grotesco que dota de profundidad al montaje.

Desde la escenografía que es un local de ensayo acondicionado como un salón burgués decimonónico, se ha jugado con la descontextualización de los objetos. Recurso muy propio del clown. A falta de los objetos del estreno, la compañía de la ficción, iba poniendo los objetos que tenía a mano. Un saco de palos de golf por un poto tropical, un caballo de mar de bronce por una mesilla. Todo ello sumaba risas entre los asistentes.

Todos los recursos usados nos son familiares, de lo que podemos desprender que lo bien hecho siempre funciona.

El público aplaudió entusiasmado, pidiendo a los actores que salieran una y otra vez a saludar.

Ana María García

Oratorio fúnebre

La Indagación de Peter Weiss. Dirección y versión: Charo Amador. Interpretación: Alumnos de 4º de Interpretación textual. Sala García Lorca de La RESAD. Madrid, 2011.

Peter Weiss, es uno de los autores principales del llamado Teatro Documento, así denominaron un grupo de dramaturgos alemanes a un género teatral caracterizado por tomar argumentos de la actualidad política y social y llevarlos a la escena sin aparente intervención dramatúrgica. El espectador experimenta la impresión de estar viviendo lo que se representa a tiempo a real, sin moralejas que adulteren lo que verdaderamente ocurrió y sin mano de autor que nos conduzca a ninguna ideología en particular. Este género se inspira en el teatro político de Piscator que pretendía, como el teatro épico brechtiano, educar la capacidad de juicio crítico del espectador, en tiempos en los que era de especial importancia tenerlo afinado.

Si esta escuela teatral surge, es con el propósito de que la realidad sea sometida a un juicio constante y que futuras generaciones sometan a juicio su realidad de semejante manera. Por este motivo es un tanto contradictorio poner en escena esta obra hoy.

La obra reproduce los juicios de Auschwitz llevados a cabo a los políticos y funcionarios de dichos campos de concentración durante el régimen nazi, a los que Peter Weiss acudió en calidad de testigo. Este juicio junto a los llevados a cabo en Nüremberg, sirvieron como catarsis al sufrimiento del pueblo judío infligido por el funcionariado nazi en los campos de concentración.

La obra se nos presenta un escenario diáfano en forma de pasarela, casi vacío, con excepción de unas cuantas sillas a derecha y a izquierda dónde comparecen los acusados, todos ellos funcionarios y custodios de los campos de concentración. El fondo del escenario servirá como pantalla para proyectar las caras reales de los acusados. El sentido de estas proyecciones es un tanto vago, pues no son funcionales y no se integran en la totalidad del espectáculo. Las proyecciones han de servir para enriquecer el sentido de la obra desde otra perspectiva, y no subrayarlo literalmente, pues se torna redundante.

La obra posee tratamiento de tragedia desde su concepción, pues el autor la divide en once cantos y un oratorio. La dirección ha llevado este hecho hasta las últimas consecuencias, los testigos comparecen uno a uno contando las atrocidades experimentadas en los campos, para después alternarse con las intervenciones del coro que repiten a modo de funesto estribillo frases sueltas del testimonio. Entre testimonio y testimonio, bailarines ilustran alegóricamente el dolor de lo vivido además de distender un tanto el ánimo del espectador sobrecogido por los relatos.

Los actores interpretan tanto a acusados como a testigos, lo que supone un acierto pues nos recuerda que nos hallamos dentro de una ficción, que está al servicio de mantener siempre alerta el sentido crítico del espectador. Dicha coralidad sirve, también, como refuerzo expresivo.

Las interpretaciones son sobrias y ajustadas, aunque quizás se abuse un tanto del hieratismo, que si bien es un recurso que apoya la intención de manipular lo menos posible, ha de romperse con escasos gestos pero muy precisos, que en ocasiones se echaban de menos.

El espectáculo es digno de un cuarto de interpretación en cuanto a su acabado final y da cuenta de unos artistas que han trabajado duro para dar lo mejor de sí.

El público conmovido aplaudió la dedicación y la pasión de estos alumnos en su trabajo final.

Ana María García

Si hubiera dudado un poquito

Yo no digo mentir, pues no es propio de reyes y además se corren riesgos, como que te crezca mucho la nariz y a ver que hubieran hecho luego todos los pintores, con la cuestión de la perspectiva. Yo digo: dudar un poquito.

Imaginemos que somos reyes por una temporada. Imaginemos que un sector de la población nos aclama, que vamos con una sábana de capa y descalzos por ahí hablando en poesía, que tenemos poderes, que el sexo opuesto siente una atracción irresistible por nuestra persona. En resumen, que nos van bien las cosas. Imaginemos que el bando opuesto empieza a sentir envidia, pasión humana por excelencia y que quiere hundirnos física y moralmente. Y todo porque por fin, nos van bien las cosas.

Imaginemos que en plena ola de éxito, las cosas se ponen peor, nos hacen un juicio y nuestros poderes proféticos nos advierten de que ese juicio se va a repetir durante toda la eternidad. Eternamente vamos a estar arrastrando la misma cruz de dos metros y treinta kilos, por mucho que Mel Gibson exagere las cifras, para siempre se nos caerá la misma cruz en el mismo tramo, cada jueves por primavera nos colocarán la dichosa coronita y la sempiterna pregunta resonará en nuestros oídos, me atrevería a decir que a diario y no solo en Semana Santa: ¿Eres culpable? Able…able…able…

Y aquí es dónde la historia debería en mi opinión dar un brusco pero firme volantazo:

Caifás: ¿Eres el Mesías?

Jesucristo: El Mesías lo que se dice el Mesías…

Caifás: ¿Eres o no eres el Mesías?

Jesucristo: Hombreee… Así dicho…no.

Caifás: ¿Quién eres entonces?

Jesucristo: No se puede negar que caigo bien, que tengo don de gentes.

Caifás: ¿Eres o no eres el hijo de Dios?

Jesucristo: Me encanta que me hagas esta pregunta.

Si hubiera dilatado un poco la cuestión, tal y como hacen hoy en día todos nuestro políticos, quizás no tendríamos este peso metafísico sobre nuestros hombros, peso de cruz lo llaman algunos. Y es que si bien Jesucristo se murió un día, la cruz invisible la llevamos el resto durante toda la eternidad, no veo claro eso de que murió por nosotros. Yo creo que desde que murió él, morimos todos un poquito todos los días. Lo bueno que tiene todo esto son las vacaciones, eso se lo agradecemos muchísimo. (reverencia)

Yo propongo: quedarnos con las vacaciones, con el espectáculo, pero quitarle el aire gore e introducir unas pequeñas variaciones que distiendan lo grave de la situación.

Ahí queda la aportación de una joven dramaturga.

Ana María García.

Bocado amargo

Pin, Pan…Toda la vida, Escrita y dirigida por Enío Mejía. Interpretación Axia Villagrán y Sara Pasamar . Microteatro por dinero. Madrid, 16-3-2011.

Microteatro por dinero es una propuesta refrescante. En un panorama teatral dónde triunfa la reposición y el revival de difícil digestión, llega al fin teatro joven hecho por gente joven, barato y de corta duración. Siete obras de diez minutos en cada una de las habitaciones acondicionadas como salas. Y si le ha gustado el aperitivo, puede repetir porque cada obra está a precio de canapé: tres euros.

Por este módico precio te introducen en una sala de ocho metros cuadrados, no apto para claustrofóbicos, sí para público hambriento de nuevas experiencias y de calor humano. Los espectadores se miran entre sí, inquietos, con cara de qué nos van hacer ahora. Al igual que en el pasaje del terror, se crean vínculos eternos entre los pasajeros.

En el colmo del realismo aparece una mujer borracha. Es tal lo poco convencional de la situación, la cercanía entre los asistentes, las dimensiones reducidísimas de las sala y la inexistencia de escenario, que sabemos que es la actriz y no una fiestera que se ha colado, porque habla más alto de lo normal. Este efecto de extrañamiento, no sé si concebido a conciencia o resultado de la falta de ese dinero que reclaman en el título, capta totalmente la atención del público. Lo más básico que ha de suscitar un espectáculo, está de sobra conseguido.

A continuación asistiremos al bajón de la borrachera de este personaje. Que podría ser el de cualquiera de los asistentes cualquier sábado por la noche. La soledad de los que viven en las ciudades y el deseo de dormir con alguien y no tener con quién, son tratados en este monólogo con ágil ritmo de comedia.

La actriz dota a su minipapel de una cualidad grotesca con un toque de ternura que arranca al público más de una carcajada en un tiempo record. Quizás la dirección sobreexpone a la actriz e incomoda al público más de lo necesario, al marcar un striptease no del todo justificado.

El toque surrealista es otorgado por la salida del espejo del doble de la protagonista. Un doble canalla, que no le gustaría tener a nadie. Un reflejo que le recuerda que no es tan joven, que no es tan guapa como ella está cantando al espejo, que sus carnes no están tersas y que debe asumir que se le ha pasado el arroz y ya nunca, nunca podrá… ¿casarse?

Un final anticuado y una moraleja conservadora para lo que en principio es un teatro de corte fresco y joven. Da la impresión que a los autores se les ha ido tanto la mano con la farsa que han conseguido un mensaje digno de abuela: Cásate cuanto antes que a partir de los cuarenta estás muerta.

Lo que comenzó siendo un apetitoso canapé se tornó cuatro minutos y doce centésimas de segundo más tarde en un bocado amargo.

Ana María García

Elegía Pop

La distancia más corta entre dos puntos es la muerte. De y dirigida por Felix Estaire. Intérpretes: Nacho Jiménez e Irene Montes. Vestuario: Lúa Testa. Diseño de iluminación: Pau Ferrer Garrofé. Sala B de la RESAD. Madrid, 16 de febrero de 2011.

Toda familia, toda pareja que se precie de serlo, cuenta siempre con algo de lo que no se puede hablar, algo que olvidar, en definitiva algo que esconder. Por eso las cenas de Navidad se convierten en terreno de material explosivo y todos alguna vez hemos recibido un buen codazo por decir lo que no procedía en absoluto. Es lo que popularmente conocemos como los trapos sucios. Esos, que al parecer, han de lavarse en casa.

En la obra de Felix Estaire la metáfora se ha hecho carne. El escenario es habitado por una pareja joven, entre montañas de ropa sin lavar, bajo la que se esconde una realidad intolerable. Por no afrontarla, unas veces los personajes hablan sin escucharse y otras se desarman en un ping-pong verbal de gran lirismo, en ocasiones demasiado sintético, lo que dificulta la comprensión general del argumento.

La propuesta que tiene mucho de videoclip, es muy plástica. A ello contribuyen los actores: Irene Montes y Nacho Jiménez, habituales en las muestras de los alumnos de la RESAD. Ambos poseen notable intensidad interpretativa y la juventud necesaria para dar aires de pop rock al conjunto.

La dirección completa la propuesta textual con acertadas acciones. (Imágenes como la de la pareja acariciándose sin tocarse quedan fijadas en la retina del espectador.) Pero se hace necesaria una dramaturgia de pautas más concretas. ¿Qué quieren el uno del otro? ¿Con qué fin esa pareja increpa al público? ¿Qué ha pasado para llegar a esa situación? La síntesis poética lograda por el autor, perjudica a la progresión dramática, inherente al hecho teatral.

El público sobrecogido asiste finalmente a lo que esta pareja tiene que esconder y aplaude a los jóvenes artistas, consciente del trabajo y el riesgo que conlleva este montaje.

Lentejuelas y smog

Los negros, de Jean Genet. Dirección: Miguel Narros. Intérpretes: Claudia Coelho, Boré Buika y Patrick Mitogo, entre otros. Escenografía: Andrea D´Odorico. Madrid, Sala Verde de los Teatros del Canal. Estreno: 26 de enero de 2011.

Jean Genet es heredero en partes iguales de Antonin Artaud y los poetas malditos de los años treinta. Si hubiera una poética del mal la habría inventado Francia, pueblo civilizado por excelencia. Valga la paradoja. Jean Genet, de acuerdo a los preceptos de Artaud busca un teatro que se dirija a los sentidos, que no descanse en la palabra y que desafíe a la moral convencional. Para ello elige un marco de ceremonia, fuertemente ritualizado y donde se libere los instintos más primarios del ser humano. El teatro de Genet pretende conectarnos con nuestro lado más instintivo, el que hemos ido reprimiendo para poder llamarnos civilizados.

En Los negros, el autor vuelve a utilizar el mismo mecanismo de ceremonia que en otras de sus obras. Unos negros celebran el funeral de una mujer blanca que yace dentro de un ataúd en el medio del escenario. A la vez que celebran su particular misa negra, en otro nivel, sobre una plataforma se lleva a cabo el juicio por el asesinato de la mujer blanca. El asesino está entre ellos. La obra consiste en el desarrollo de esa tensión: el juicio, que aunque desempeñado por negros, representa a la cultura occidental y la misa negra, en el nivel más bajo, que representaría la cultura más tribal y más ancestral, anterior a la colonización y anterior a nuestra propia civilización. Es decir, la civilización frente a la barbarie. Jean Genet parece decirnos que la civilización no es sino otra forma de barbarie. A pesar de ser interesante esta tesis, la exposición no es tan eficaz como en otras de sus obras. Falta síntesis y sobra texto. Los parlamentos son excesivamente largos y el formato de juicio va en detrimento de la acción, convirtiendo el espectáculo en un recital poético.

El espectáculo arranca con ritmo. En el nivel inferior, se presentan seis actores vestidos como para un concierto de blues. Uno de ellos, el maestro de ceremonias se encarga no solo de organizar los aspectos más técnicos de la reunión, sino que también orienta sobre lo que los demás personajes tienen que decir e incluso que pensar. Hubiera sido un personaje interesante, si desde la dirección no se hubiera marcado demasiado movimiento sin un fin claro. En ocasiones, hay demasiado revuelo en escena e impide entender con suficiente claridad la misma historia. En el nivel superior, el resto de personajes, como máscaras de la comedia del arte dieciochescas, al más puro estilo Lecqoc, ofrecen mejor factura que los de abajo. El resultado de ambos niveles, es la visión de un espectáculo extrañamente heterogéneo y caótico, en vez del eclecticismo que el director ha pretendido.

La escenografía participa de la idea global de espectáculo, que asoma pero que no se consigue. Esa idea es la mezcla entre lo más bajo y lo más sublime. Esencia misma del teatro de Genet y los herederos de Artaud. Los trajes de noche carísimos brillan junto al girón de tela que cubre el ataúd, las exquisitas máscaras bailan entre andamios oxidados.

Un largo y cálido aplauso agradeció a Miguel Narros su larga trayectoria en el teatro español.

Ana María García

Obra con actriz semienterrada

Los días felices de Samuel Beckett. Reparto: Isabel Ordaz y Julio Vélez. Dirección de escena: Salva Bolta. Escenografía y vestuario: Ricardo Sánchez Cuerda. Iluminación: Felipe Ramos. Espacio Sonoro: Luis Miguel Cobo. Producción: Come y Calla. Madrid, Teatros del Canal.

Un actor casi inmóvil en un escenario casi vacío siempre será un actor inmóvil en un escenario casi vacío. Sería lo mismo decir que un mecanismo de tales características desafía a las leyes del entretenimiento. Si Samuel Beckett retuerce los límites de la dramaturgia convencional es para incomodar al espectador complaciente, no para hacerlo bostezar. Es para angustiarlo, no para abrumarlo. Aburrirse no es un grado, por mucho que insistan algunos directores de culto.

Lo que diferencia a Happy Days de Cinco Horas con Mario, es unos cuantos gramos más de terror y un poco más de negritud en el sentido del humor, pero en el fondo no equidistan tanto. Ambos son monólogos para actrices, con personajes que se quejan de lo mismo; el gran timo que es la vida finalmente, y ambos, han de abordarse de la misma manera: trabajando cada matiz interpretativo con precisión de relojero. Esa es la única receta para no aburrir a un todo un auditorio. Pero la movilidad de que dispone la protagonista de Cinco Horas con Mario hace posible una interpretación más general soportada por algo más de acción, mientras que la actriz que interprete a Winnie de Happy Days no puede engañar a nadie. Está desnuda. Literalmente atada de pies y manos.

Isabel Ordaz es una actriz con demostrada solvencia interpretativa. Posee una cualidad excéntrica que la hace interesante, una técnica y un manejo de la voz impecables, además de gran plasticidad. Pero Winnie, su personaje, pide más. Pide compromiso con el presente. Lo que los más stanislavskianos llamarían verdad. (Como si verdad solo hubiera una y les perteneciera a ellos, pero este es otro tema.)

En otras palabras, lo que Happy Days necesita es un clown. Dícese de esos actores que saben improvisar o que hacen parecer que improvisan, que se muestran vulnerables ante un presente que les llena de terror y que ante ese vacío hacen lo único que les queda: actuar, hacer. En el fondo lo que intenta cualquiera en la vida real.

El resto, los personajes construidos desde la estética, la técnica o incluso la ideología no caben en esta obra. Se acaba viendo el andamiaje.

La escenografía recrea acertadamente la atmósfera de más allá apocalíptico que traslucen los universos beckettianos. Un plano inclinado sitúa a la actriz en un terreno inestable que favorece la angustia que pretende transmitir el texto. Las luces rosa, verde y naranja flúor dan un toque irreal al conjunto y finalmente una placa rectangular de luces apuntando a la cabeza de la actriz, la hacen parecer una planta en un extravagante invernadero.

Todo impecable, la técnica de la actriz, la escenografía, las luces, el público mudo en sus butacas. Hubiera hecho falta algo más para que esta obra pasara de ser una obra con actriz semienterrada a una metáfora de la existencia. Ese algo es el entretenimiento. Hay quien lo trata de fácil.

El público respondió afectuoso a una actriz querida y agradeció su esfuerzo titánico con un cálido aplauso.

Ana María García

Los abrazos que duelen

La máquina de abrazar de José Sanchis Sinisterra. Sala: Guindalera. Actrices: Elia Muñoz y María Pastor. Espacio Escénico y Dirección: Juan Pastor. Producción: Teresa Valentín Gamazo.

Lo que más detestaba de niña Temple Grandin era un buen abrazo. Sobre todo si se lo proporcionaba espontáneamente algún ser querido. Algo que cualquier persona no aquejada de autismo agradecería, de no estar estresada, enfadada o simplemente poco cariñosa. Hoy Temple Grandin, prestigiosa Científica Animal se deja fotografiar rodeada de fans en actos públicos. Lo que demuestra que el autismo, como cualquier otra condición puede ser un punto de partida en vez de una limitación. Temple Grandin sustituyó los abrazos convencionales por la presión mecánica de una máquina destinada a aplacar el nerviosismo del ganado. Parecía tener más en común con los animales a los que visitaba en la granja de su tío, que con las personas con las que se encontraba obligada a convivir a diario. Hizo de esta circunstancia un modo de vida. El caso de Temple Grandin es recogido por Oliver Sacks, neuropsicólogo y escritor, en el libro Un Antropólogo en Marte.

Oliver Sacks hace de su terapia y de sus pacientes carne de ficción, como haría Sigmund Freud con sus famosas histéricas. A su vez el dramaturgo Sanchis Sinisterra, llevará a las tablas uno de estos casos como en su momento fue llevado El extraño caso de Dora.

El extraño caso de Temple Grandin, cargado poesía y lirismo, es retratado por el célebre dramaturgo, en una de sus últimas obras: La máquina de abrazar. El mecanismo dramático que presenta Sanchis Sinisterra en esta obra recuerda al diseñado por Juan Mayorga en Copito de Nieve. Dos personajes: un monstruo, en el mejor calderoniano sentido de la palabra, y su custodio. Encarnados en la obra de Sanchis Sinisterra, por una psicóloga neurótica y una lúcida paciente autista, valga la paradoja. Ambas exponen su caso en un ciclo de conferencias dónde se tratan asuntos de mucha más envergadura y sobre todo de mayor trascendencia económica. Tienen también estos dos personajes algo de Quijote y Sancho Panza persiguiendo su particular quimera. Sanchis Sinisterra gusta de utopías como demuestra en Ay Carmela o la recién reestrenada El Cerco de Leningrado.

Juan Pastor apuesta por una escenografía austera: un par de sillas y un atril de metacrilato, además de una pantalla dónde Iris va proyectando imágenes de sus queridos animales y plantas. El resultado es cierta atmósfera beckettiana, tan particular como el paisaje interno de su protagonista. Mayor cantidad de elementos habrían despistado la atención de la verdadera escenografía: el despliegue interpretativo de las actrices. Cabe destacar la magnífica e intensa actuación de María Pastor que a partir de tres sencillos rasgos que le sirven de base, un guiño, un movimiento de manos y una cadencia ronca, compone un personaje conmovedor no por ello exento de sentido del humor.

A lo largo de la obra paciente y psicóloga empequeñecen ante un mundo agresivo y cada vez más amenazador que va demasiado deprisa. Demasiado para la gente como Iris que posee otro sentido del tiempo. Entre tanto Iris se ha dejado abrazar en los momentos de mayor estrés por la máquina, sabiamente sugerida detrás de una pantalla. Máquina que funcionará como metáfora del aislamiento afectivo que no sólo sufre Iris, sino todos los que vivimos proyectándonos al futuro en vez de vivir el presente y pensando en cómo tener cada vez más en menos tiempo.

A medida que se quedan solas se van mirando la una en la otra, en un efectivo juego de espejos, para descubrir finalmente que tienen mucho más en común y están mucho más solas de lo que pensaron en un principio.

Después de un emotivo final, el público se rindió en un cálido aplauso ante este espectacular dúo tragicómico.

Ana María García

Ya soy encargada

Las jerarquías. Qué invento. Dice mi mente, que no mi boca, porque cuando eres camarera las cosas se piensan no se dicen. Es la única ventaja de ser un currante por debajo del poder de otros: Se desarrolla muchísimo la imaginación. Por eso los jefes de los bares procuran que todos sus empleados sean artistas. Porque saben que un trabajador con una imaginación más de andar por casa les pega un puñetazo al segundo día. Un artista puede estar sonriendo y estar cometiendo crímenes al mismo tiempo.

- Oye ponme una caña, haz el favor que te la he pedido hace tres horas.
- Disculpe, ahora se la pongo.

Y lo que piensa una camarera, mientras sonríe, lo dejo a la imaginación del lector.
Es justo en ese momento cuando llega tu encargado y te dice

- ¿Pero qué pasa todavía no has limpiado la siete? Date vida.

Y mientras la mente de la camarera acaba con la del encargado: La vida. También imagina el día en que ella misma será la encargada. Primero se suceden las fantasías de venganza y una se dice a sí misma que cuando sea encargada se va a dar la buena vida y va a trabajar más bien poquito. Pero poco después la conciencia de la pobre camarera entra en conflicto con su educación cristiana y se dice a sí misma: No. Cuando yo sea encargada voy a ser justa. La más justa y la más buena.

Serás la mediadora perfecta entre el jefe y los empleados, no darás nunca órdenes arbitrarias, jamás azuzarás al subalterno como si fuera un buey de carga, no consentirás los dimes y diretes, el diálogo será la base, harás visitas al almacén como todos los demás, no pagarás tu mal humor con el subalterno, el cliente no tendrá siempre la razón, no chivarás, no cobrarás más.

Y una vez elaborados los diez mandamientos, cinco días por semana, la vida le besa a una en la boca con todo su mal aliento y un buen día su nuevo jefe en su nuevo trabajo, con un brillo en los incisivos, le dice

YA ES USTED ENCARGADA.

Lo primero que observa una responsable, eufemismo que me deja muchísimo más tranquila, es que cuando dice buenas tardes le contesta una espalda. Al principio piensa que la espalda tiene muchas cosas que hacer, así que se acerca a otro compañero y le dice con su mejor voz

- Buenas tardes.
- Ey. - contesta su espalda.

Qué bien ya soy encargada- me digo a mi misma

A lo segundo que atiende una buena responsable es que su visión se desarrolla. Sagaz como la del halcón y en diferentes planos, como la de la araña común. En ocasiones esa visión tiene un radio de alcance que trasciende los confines del bar en el que trabaja e incluso los poderes ordinarios de la visión física. Así, una responsable está durmiendo en su cama y se despierta sobresaltada a las tres de la mañana por un extraño llamado del más allá

- Dios mío la calefacción
- Yo la enciendo- dice su pareja entre sueños.
- Me he dejado la calefacción encendida. Estoy segura. El bar está ardiendo en llamas. Estoy segura.

Y así la pareja se acerca al bar en zapatillas de casa para comprobar que la calefacción está apagada y mantienen una discusión memorable en medio de la oscuridad.

Qué bien ya soy encargada.

Una de las cosas que ha de tener en cuenta un responsable es que su trabajo es de naturaleza un tanto abstracta y que tiene que reinventar su cargo varias veces al día. Con razón las espaldas se dicen entre sí:

- ¿Y ésta es la encargada? Pero si no manda.

Inútil explicarles que considero que las órdenes han de ser una medida excepcional. Para ellos si mandas eres una bruja y si no mandas una pringada. No existe término medio.

Qué bien ya soy encargada.

Esta mañana me he mirado al espejo. Tengo ojeras. Me he pesado. He perdido tres kilos en una semana y lo peor de todo es que me he mirado a mi misma a los ojos y he descubierto que me ha cambiado el gesto. De verdad. Tengo una expresión extraña:

Como de pedir perdón eternamente.

Qué bien ya soy encargada.

Ana María García

Comentario al texto de Machado

Cargado de buenas intenciones Don Antonio Machado hace un retrato de lo que en principio debiera ser un periódico. No pretende ser una crítica. Los periódicos son igual de necesarios que los idealistas. Unos y otros nos reconcilian con lo mejor de nosotros y le devuelven a uno al paraíso de las cosas que debieran ser y que no son. De todas formas, quiero pensar que algo queda bueno en nosotros sí somos capaces de inventar. Se constata en este escrito que Don Antonio Machado es en el buen sentido de la palabra, pues eso: bueno.

O quizás los periódicos de principios de siglo, así como sus gentes y sus comunidades eran, como decirlo, buenos. Quizás mantenían el brillo de una inocencia recién estrenada y servían, no sé, para informar. O quizás solo había un periódico y en muchos kilómetros a la redonda no había ningún otro con el que entablar una guerra carnicera que le obligara a manipular el contenido de sus noticias. O quizás estaban plagados de buenas noticias.

Sí, como no se me había ocurrido. Seguramente en las fotos de sus portadas sacaban presidentes de verdad, quiero decir no títeres con asesor de imagen y sonrisa ensayada, sino presidentes de esos que se ocupan de los países y que en los periódicos (de sus países) no vuelva a ser portada que se cae la economía (de un país) inexplicablemente, o que no hay trabajo para un montón de gente. O que una red de políticos que se llaman así mismos con nombres raros, como de comic de ficción, han llevado a cabo una malversación de fondos si bien muy real no por ello menos increíble. No sé si les pasa, pero a mi imaginación le cuesta acariciar esas sumas de dinero. Para algunos, miles de euros nos suenan igual que millones. No los tenemos y punto.

El texto de Antonio Machado no es solo bueno. También es bello. De cuando ambas palabras obedecían a un mismo concepto. Que tiempos.

Ana María García

Plantar un árbol. Escribir un libro.

El Diez de Junio del 2010 a las seis y media de la tarde Raúl Rodríguez pondrá en escena “La petición de empleo” de Michael Vinaver, dentro del marco de muestras anuales que se llevan a cabo durante el fin de curso en la Escuela Superior de Arte Dramático. En este segundo curso los alumnos de dirección abordarán escenas de teatro postdramático.

“El hecho de dirigir este tipo de teatro ya supone un reto para mí” afirma el aspirante a director “no va en la línea del teatro que nos enseñan en la escuela. Siempre nos ceñimos a estructuras aristotélicas que avanzan de forma dialéctica hacia un desenlace” Aclara.

Michel Vinaver, uno de los autores de cabecera del teatro europeo, pone a prueba el lenguaje y sus relaciones con lo real, deconstruyendo la estructura dramática y sobre todo sacando a la superficie en sus textos los sentidos ocultos llevados por la sustancia física y musical del lenguaje. De ahí que en algunas de sus obras rechace la puntuación y las exigencias sintácticas en beneficio del ritmo y de la respiración impresa a la frase por la respiración del actor.

“He trabajado mucho con la voz de los actores” manifiesta Raúl que en los últimos nueve meses ha estado asistiendo a clases de voz con Vicente León, profesor de esta misma escuela.

“He aprendido que hay voces que no habitan su cuerpo correspondiente o dicho de una manera

más clara, he aprendido que la voz también es una máscara” nos cuenta el director.

En relación a la puesta en escena Raúl apostará por un minimalismo escenográfico con la intención de que cobre total protagonismo la interpretación actoral. “En mi opinión, el escenario lo constituye el actor” asevera. Aunque no va a prescindir de elementos simbólicos imprescindibles para dotar a la historia de su pleno significado.

En cuanto al enfoque argumental, Raúl se centrará en la incomunicación inevitable a la que se ve condenado el hombre moderno en una sociedad deshumanizada como la nuestra. “Quiero que los personajes no se interpelen directamente” nos cuenta “Creo que esto no supone una gran innovación, pues creo que se desprende de la temática del mismo texto” concluye acertadamente; ya que “La petición de empleo” constituye la carrera de unos personajes por adaptarse al ritmo frenético que todos padecemos:

Encontrar empleo, educar un hijo, conseguir afecto, ser entendidos, plantar un árbol, escribir un libro.

Ana María García

Perfil Edgar Allan Poe

Edgar Allan Poe nació en Boston en 1809. Sus padres, actores de una compañía itinerante, murieron siendo él muy pequeño. Fue adoptado, aunque no oficialmente, por John y Frances Allan un matrimonio procedente de Richmond. Allí cursó su primer año en la universidad que no pudo terminar por sus continuos problemas con el alcohol y el juego, adicciones que su padrastro se negó a costear. La vida de Edgar Allan Poe está marcada por la muerte de las mujeres más importantes de su vida. No es de extrañar que la muerte de una mujer bella constituya su máximo ideal estético. Primero sufrió la muerte de su madre, después la de su madrastra y después la de su esposa Virginia, con la que contrajo matrimonio cuando esta contaba con apenas trece años.

Curso un año en la Universidad de Virginia. Fue allí donde comenzó a consumir alcohol y a aficionarse al juego. Adicciones que le acompañarían toda la vida y que le acarrearon problemas con su padrastro, que siempre se negó a ayudarle económicamente. Tras su breve experiencia universitaria viajó a Boston. En esta ciudad publicaría su primer libro de poemas Tamberlan y otros poemas.

La vocación de Poe siempre fue la poesía. Ya desde pequeño admiraba a Bocaccio y a Chaucer, influencias éstas reconocibles en su obra, junto con la de los poetas románticos como Byron y Keats. Fue por dinero que el escritor se diversifica en otros géneros tales como la crítica periodística, el ensayo y el relato, género éste en el que se le considera un maestro dado su evidente instinto como narrador. Así relatos El pozo y el péndulo, Berenice o El corazón delator se han convertido en clásicos dentro del género del cuento de terror.

Destaca también su única novela Las aventuras de Arthur Gordon Pym, de crudo realismo y en la que reaparecen numerosos elementos de sus cuentos. La obra de Poe influyó notablemente en los simbolistas franceses, en especial en Charles Baudelaire, quien lo dio a conocer en Europa.

Su obra estaba dotada de un eclecticismo muy singular. La lírica fruto de sus tempranas lecturas, mezclada con lo morboso y tenebroso de gusto popular en su momento, aderezado con la ironía inteligente que le es propia y un exquisito talento narrativo. Cada cuento es como una perla irregular de una belleza insólita.

Edgar Allan Poe murió en Baltimore en 1849 en circunstancias no aclaradas. Se le encontró en la calle en estado de delirio ,según las crónicas, y lo llevaron al Hospital de Washington College, dónde murió al día siguiente sin que nadie pudiera saber cómo había llegado a ese estado.

Ana María García

ES UN ASUNTO DE TODOS, NO ES UN ASUNTO DE UNO SOLO

El 18 de Diciembre del 2009 en la sala S1 de la Real Escuela Superior de Arte Dramático, tendrá lugar la esperada muestra de escenas de los alumnos de dirección de 2º curso. La duración de la muestra será de dos horas aproximadamente y se expondrán siete escenas de dramaturgos enmarcados dentro de una estética realista. “Hemos aplicado el método Stanislavsky, es por dónde ha de empezar a trabajar un estudiante de dirección o de interpretación” Montse se muestra firme “Es una técnica que lleva funcionando cien años y que ha dado los mejores resultados en materia de obras de arte” Se refiere sin duda a una polémica que no nos es ajena a los estudiantes de dramaturgia y dirección de la RESAD y que ha tenido como consecuencia más de una acalorada discusión el pasado año. ¿Es el método Stanislavsky aplicable a toda obra? ¿Tiene sentido aplicar el método en una obra de Oscar Wilde? ¿Hay vida más allá del realismo?

Sin duda a Deseada, el drama que Max Aub escribió en 1950, le queda bien la controvertida técnica, pues se trata de un drama psicológico entre dos mujeres. El drama de una madre y una hija enfrentadas por dos hombres. Un que pertenece al pasado, no solucionado y sobre todo, no hablado a tiempo y un presente el hombre del que las dos se enamoran. “Sin duda Deseada habla de de la carga que supone omitir el pasado y las consecuencias que esto tiene en el presente” confirma Montse Ortiz.

El trabajo también se enfoca desde la producción y desde la regiduría, pues los alumnos han de procurarse los actores, diseñar la escenografía y coordinar los ensayos. En total han sido tres meses de trabajo que a juzgar por la cara de cansancio que exhibían los últimos días ha debido ser sido muy intenso.

Las escenas están coordinadas por Nacho Sevilla, profesor de dirección, que en todo momento ha abogado por un trabajo colectivo “Al principio no le hice mucho caso a esta cuestión” comenta Montse “Después caí en la cuenta de lo importante que era la opinión de mis compañeros para mi trabajo. Estás tan embebida en el proyecto que se te pasa por alto abordar los problemas con sencillez y ahí están tus compañeros para recordártelo. No es un asunto de uno, es un asunto de todos”

Son todos los que van a hacer posible que el viernes 18 de Diciembre a las doce y media disfrutemos de la primera muestra como directores de los alumnos de segundo. Es cada uno el que pone su pasión, su tiempo y su esfuerzo para su cuarto de hora de escena.

No faltaremos.

Ana María García

Décalogo del buen estudiante de dramaturgia

1º Examen escrito. Todo el mundo supera esta primera parte. Incluso sin estudiar. Hay quién dice que ha venido de sus vacaciones de Lloret de Mar directamente en bermudas a la prueba escrita y ha conseguido aprobar el examen. Hay quien dice que lo único que afirmaba conocer de Lope de Vega hasta el momento de hacer el examen, era su pasado de rostro de billetes de cien, sin embargo aprobó ese examen. Hay quien asegura haber hecho el examen borracho, de empalmada, dormido. Y sin embargo aprobó ese examen. De hecho lo más probable es que si usted se estudia todos los autores, le caiga uno remoto. No importa, haga lo que haga, usted aprobará ese examen. Así ha sido y así es desde que el mundo es mundo y desde que la RESAD es la RESAD.

2º Entrevista personal. Haga frases cortas. Si usted se hace el interesante e intenta construir frases con empaque acabará diciendo cosas inverosímiles. Si usted quiere decir, por ejemplo, Cuán me deleito con ese excelso escritor llamado Fernando Arrabal artífice de ilustres obras como El Arquitecto y el emperador de Asiria, se sorprenderá a usted mismo diciendo: Yo soy un excelso escritor, de obras tales como el Arquitecto y el Emperador de Asiria, mi nombre no sé si lo he dicho, es Fernando Arrabal. Entonces usted se reirá (por no llorar) y esos siete hombres (sin piedad) le mirarán muy serios. Asúmalo. Está usted nervioso. Si no asume esta sencilla circunstancia, sufrirá usted de miedo al miedo y la catástrofe estará servida.

3º Primer día o la convención de genios. Toda persona que frecuenta esa institución tarde o temprano, casi siempre antes de comenzar a frecuentarla, ha sufrido una inquietante revelación: La de ser un genio. Usted también lo cree. Es inútil que lo niegue. Ante este hecho fehaciente tiene dos opciones.

Opción uno: comprarse una armadura y/o unos guantes de boxeo e ir esquivando y encajando derechazos y puñaladas durante cuatro años. Teniendo en cuenta que esto es muy cansado siempre puede tomar la opción dos.

Opción dos: Asuma cuanto antes que no es un genio. Al principio duele. Como todo. Luego descubrirá que se siente ingrávido y que usted está hecho de un material elástico y resbaladizo, como los castillos inflables, material en el que las afrentas llegan, impactan y vuelan en un sorprendente efecto boomerang.

4º Segundo día. Igual que el primero.

5º El mundo al revés. Durante los primeros meses, en los cuales todos estamos tratando de sostener lo de la mencionada imagen de genio, siempre que exponga un trabajo suyo a la opinión pública tenga en cuenta que
Me gusta mucho significa en realidad que su trabajo es pasable, sin lanzar cohetes.
No me gusta nada es que algo hay de interesante en su trabajo, una pepita de oro brillando en el barrizal de lo que seguramente sea su primer trabajo. Encontrarla depende de usted. No sea suspicaz y pregunte: Oye, perdona y ¿Qué es lo que menos te gusta? Mantendrán una conversación dantesca. No funcionará.
Interesante trabajo. No hay duda. Su trabajo aburre a los pingüinos.

6º Lea a Aristóteles con devoción, haga lo mismo con Horacio, crea en Bolieau, tome como modelo a Brecht, a Luzán, para acto seguido coger a Aristóteles, a Horacio, a Boileau , a Brecht y a Luzán hacer una gran bola de papel, prenderle fuego y rendirle un funeral privado. Cueste lo que cueste perpetre su propia poética aunque no por ello deje de rendirle culto a los muertos.

7º Invoque al azar. Basta que usted aspire a un ideal para que ese ideal se convierta en polvo de estrellas. En cambio si usted escribe y escribe y después escribe se encontrará con lo impensado. Cultive la casualidad.

8º Una vez que se haya hecho amigo de la casualidad. Estructure. Una obra sin una estructura previa es una obra en la que los personajes se desdicen, entran cuando deberían salir para acabar traicionándose a sí mismos irremediablemente en el segundo acto.

9º Acuda al parque de atracciones más cercano. Localice una atracción popularmente conocida como “La Lanzadera”. Un clásico del terror. Cómprese un billete. Deje que le suban a 60 metros de altura para que posteriormente le abandonen en caída libre a 83km/h. en tan solo dos segundos. La sensación que experimentará será análoga a la que vivirá en relación a sus pequeños éxitos y fracasos literarios dentro de esa institución. Abróchese el cinturón si todavía le queda ego.

10º Estudiar dramaturgia no es apto para hipertensos, neuróticos, individuos con vidas al margen, de embarazos ni hablamos y/o enfermos del corazón.

Ana María García

Cuestión de fe

El Comité de Ciencias de la Cámara de los Comunes sostiene que los remedios homeopáticos carecen de base científica, que dichos remedios pueden ser calificados de placebo y solicitan que sean retirada toda ayuda económica a este sector por parte del gobierno. Esta información ha sido facilitada por BBC mundo.

Una escucha BBC mundo e impresiona bastante, la verdad. No digamos Comité de Ciencias de los Comunes, con todas esas ces. Una piensa que antes de informar, estos organismos elaboran mucho las noticias y que cuando ya poseen el dato que va a aportar una luz esclarecedora sobre un asunto de vital importancia para la humanidad, salen en la tele, esa ventana al mundo, ese vehículo de cultura y saber. ¿Qué los remedios homeopáticos son un placebo?

Pues ya lo sabíamos- dicen al unísono los homeópatas y simpatizantes.

“Se basan siempre en un engaño del paciente” Pues sí. “Casi siempre la curación es el resultado de una adecuada transferencia emocional entre médico y paciente, y no de las propiedades curativas intrínsecas al medicamento” Claro. “El éxito de esta terapia está sujeto a la fuerte ritualización que conlleva la administración del citado medicamento y la fe irracional que el paciente deposita en todo el conjunto” Este argumento me escama. Intuyo el insulto debajo de tanta ceremonia. ¿Fanática yo?
¿Pero no debería ser esa la base de toda terapia? ¿No está sujeta la toma de antibióticos a parecida base ritual? ¿No duele menos la inyección con bromita de enfermera que inyección a palo seco? ¿Qué sucede cuando uno tiene demasiada información acerca de su enfermedad o demasiado poca? ¿No puede uno entorpecer su propio proceso de curación?

¿No es precisamente la burocratización y en consecuencia la deshumanización el verdadero cáncer de la medicina occidental?

Desengáñese. Si usted se cura no es gracias a las flores de Bach. Es gracias a su fe.

Vaya noticia.

Ana María García