El teatro de calle, es una fórmula teatral, en la que lo popular alcanza su máxima expresión, sobre todo cuando la organización del evento arranca también desde ese lado, desde lo popular. Esto sucede cuando un grupo de aguerridos ciudadanos, consideran que su pueblo ofrece una serie de peculiares escenarios aptos para la representación y entre todos deciden abordar la loca aventura de crear un pequeño festival.
En el año de gracia de 2010 nació bajo estas características el festival “Noctívagos” en Oropesa (Toledo). Todo el pueblo se volcó en este acto, el que no cedía una toma de corriente desde su casa, donaba materiales para las diversas instalaciones que se hicieron por todo el pueblo, prestaba su casa para que se cambiasen los actores, o colaboraba directamente en la organización del evento. Todo el pueblo participó en mayor o menor medida, a excepción de las autoridades competentes, que se limitaron a dar permiso al acto sin molestarse en aportar nada más, por su puesto su posterior desconcierto fue enorme, dado el arrollador éxito del festival, que resultó modélico en todo su desarrollo.
Por cierto, los noctívagos, nombre bajo el que se presenta este festival, son unas esculturas gigantes de mas de dos metros, creadas a dúo por los escultores Pepe Pino y Guillermo Montenegro, que toman emblematicamente el pueblo durante la celebración del festival, y que representan ese sencillo acto de pasear y contemplar mientras se vive la noche.
De la mano de El Navarro, compañía gestora e instigadora del evento, el festival se enfrenta ahora a una segunda edición, que al igual que la pasada condensa arte, exposiciones temáticas, y teatro. Durante los próximos 17 y 18 de julio se podrá disfrutar en este acogedor pueblo toledano, de su entorno, de su arte, y de la hospitalidad de sus habitantes, generosos con las visitas y público ejemplar en cada una de las representaciones.
Resulta curioso tanto arte en un pueblo tan pequeño. Oropesa cuenta ahora con unas más que afamadas Jornadas Medievales y con un Festival Internacional de Teatro, pequeño, pero grande. Queda claro que cuando las voluntades se aúnan, son capaces de conseguir pequeños milagros.
Si aceptan un consejo, no se lo pierdan, el verano es escaso y ha de empezarse cuanto antes, tecleen “Noctivagos” en su ordenador y accedan a la programación.
Edepé
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domingo, 12 de junio de 2011
domingo, 5 de junio de 2011
Poder vivir la muerte
Preparatio Mortis. Concepto: Jan Fabre. Coreografía: Jan Fabre y Annabelle Chambon. Interprete: Annabelle Chambon. Composición y ejecución musical: Bernard Foccoulle. Producción: Troubelyn/Jan Fabre (Amberes, Belgica). Madrid, Sala Cuarta Pared, 3, 4 y 5 de junio de 2011.
Para acceder a este espectáculo, es preciso dejarse embriagar por la luz de las flores, por su perfume. La flor que acompaña al muerto, es siempre un símbolo de vida, de resurrección. En este espectáculo se dan cita la Ofelia de Millais, muerta en el lago, rodeada de flores y La Bella durmiente de Disney, encerrada en su urna de cristal.
El espectáculo arranca con una luz lenta, que se irá abriendo paso desde la indeterminación de la fantasmagoría, a la concreción del ordenado ritual de la muerte. En el centro de un delimitado campo de flores, podemos apreciar un féretro realizado con la misma materia. Sobre la superficie del mismo, como si flotasen sobre agua, las flores comenzarán a moverse lentamente, estamos en mundo de Ofelia. Annabelle Chambon nos ofrecerá un renacimiento cargado de ingravidez, su cuerpo emergerá de entre las flores, para a continuación hundirse en lo telúrico, intentando abrazar la vida, tomándola con brusquedad. El ritualizado orden del principio, devendrá caos al final de la primera parte, culminando cuando nuestra performer acabe de descubrir su féretro, una enorme urna de cristal.
En la parte de atrás de está urna está escrita una fecha. 17 del 1 de 1975. Tal vez tenga solo sentido para Fabre. 1975 es la fecha de inicio de sus trabajos teatrales, podría ser el día en que concibió esta historia, el día en que se generó Preparatio Mortis, y como suelen hacer muchos artistas anotó la fecha del parto. En cualquier caso ni aporta, ni perturba a la percepción de la obra.
Entrando en la segunda parte, abordamos el territorio de Blancanieves. Annabel Chambon está ya dentro de la urna, sumergida en un agua inexistente que su cuerpo recrea con precisión. Sigue rodeada de flores, pero esta vez son flores que vuelan, ya que en el interior de la urna la acompañan una docena de vistosas mariposas. Poco a poco el vaho generado por su respiración nos devuelve a la fantasmagoría del principio, su imagen se disuelve, la luz se va.
La música de Bernard Foccoulle, ejecutada por él mismo utilizando como único instrumento un órgano de iglesia, podría recordar o sugerir un oratorio. Sin embargo se distancia de este concepto adentrándose en una particular forma de Jazz, estridente e incómoda la mayor parte del tiempo, como si intentase mantener despierto al público mientras sus ojos se adentran en un mundo particularmente onírico.
Durante años hemos visto cómo la performance, la danza, o la música, se alejaban del territorio teatral, para construir un territorio propio bajo la batuta de nuevos creadores. Aquello del "teatro" sonaba a un concepto tan viejo como su misma realidad, sin embargo mientras unos se separan, Fabre entiende que todos estos conceptos forman parte de un concepto superior denominado Teatro. Preparatio Mortis es un buen ejemplo de ello. Danza, música y performance podrían funcionar como elementos aislados, cada uno de los elementos propuestos por Fabre tienen tanta fuerza que podrían sostenerse de forma independiente, pero es de su alianza, de donde surge el verdadero espectáculo, un espectáculo que impregna la retina del espectador, dejando un eco de extrañeza cuando se cierra el telón.
Edepé
lunes, 23 de mayo de 2011
El interminable viaje a Tar
Fando y Lis de Fernando Arrabal.
Interpretes: Jorge Yaman Serrano. Laura Barba. Carmen Flores. Juan Molano. Pau de Nut. Música: Víctor Nubla. Iluminación: J.M. Cedeiriña. Producción: TeatrodeCERCA. Dirección: Quique Culebras.
Del 10 al 21 de Mayo en el Círculo de Bellas Artes. Madrid.
Antes de entrar, el público es invitado a participar escribiendo en un papel algo de lo que desea deshacerse y que será enterrado al final de la función. Tras este acto tan cercano la psicomagia de Jodorosky, entramos en territorio Arrabal. Apenas cruzada la puerta, la voz del dramaturgo nos recibe, habla de los tiempos de la infancia, de la guerra, de un temprano periplo vital que en brazos de su madre les hizo recorrer a él y sus hermanos el territorio comprendido entre Melilla y Ciudad Rodrigo. Un viaje posiblemente percibido por una mente de niño como interminable y absurdo. En aquel momento los frentes de guerra estaban ya en activo, por lo que tuvieron que atravesarlos en más de una ocasión. Arrabal nos cuenta este periplo y también la dura circunstancia en la que se vio su padre al negarse a formar parte alzamiento nacional. Una demoledora frase pone final a esta narración. “Claro, que esto me importa solo a mi”
Nacida en 1955 esta es una obra vomitada. Aquel difícil momento entró en la mente de un niño de cuatro años, para aparecer 19 años después vestido por una imaginación en plena efervescencia. La realidad tal y como la percibimos se desdibujó para mutar en una nueva realidad, posiblemente liberadora, capaz de transformar el pasado en un nuevo presente.
Fando y Lis son dos niños atrapados en un cuerpo de adulto. Paralizada de medio cuerpo, Lis no puede andar así que Fando es su medio de transporte,ambos viajan a Tar, sin embargo lo único que hacen es dar vueltas alrededor del mismo sitio. Por el camino se encontrarán con una inusual familia encaminada también en un imposible viaje a Tar.
El trabajo de los actores es impecable, generoso, entregado. Pacientes, reciben al público como tales, esperan a que se siente mientras ultiman algunos detalles de escena, nos dejan claro que vamos a asistir a una representación. Finalmente a la vista del público se transforman. Durante toda la función ejecutan un trabajo corporal potente, perfectamente compenetrado con el diálogo. Es destacable la gestualidad con la que Carmen Flores impregna su personaje, sorprende, divierte.
El espacio sonoro creado por Víctor Nubla, compositor ampliamente conocido en el mundo de la música experimental, ocupa también un lugar destacado. En su composición dominan las voces, junto a un espacio concebido con pequeñas ráfagas sonoras: la avioneta que cruza, o ese pájaro carpintero que puede confundirse con una ráfaga de ametralladora que suena también de cuando en cuando.
El montaje cuida la sencillez, la elabora. Quique Culebras, su director, sabe jugar los ritmos, consigue una composición limpia y eficaz. Las tres dimensiones escénicas, actores, personajes y marionetas consiguen un correcto equilibrio
Un montaje emocionante, cargado de sugerencia, con un final brillante. Solo se puede pedir que sigan girando mientras llegan a Tar.
Edepé
Interpretes: Jorge Yaman Serrano. Laura Barba. Carmen Flores. Juan Molano. Pau de Nut. Música: Víctor Nubla. Iluminación: J.M. Cedeiriña. Producción: TeatrodeCERCA. Dirección: Quique Culebras.
Del 10 al 21 de Mayo en el Círculo de Bellas Artes. Madrid.
Antes de entrar, el público es invitado a participar escribiendo en un papel algo de lo que desea deshacerse y que será enterrado al final de la función. Tras este acto tan cercano la psicomagia de Jodorosky, entramos en territorio Arrabal. Apenas cruzada la puerta, la voz del dramaturgo nos recibe, habla de los tiempos de la infancia, de la guerra, de un temprano periplo vital que en brazos de su madre les hizo recorrer a él y sus hermanos el territorio comprendido entre Melilla y Ciudad Rodrigo. Un viaje posiblemente percibido por una mente de niño como interminable y absurdo. En aquel momento los frentes de guerra estaban ya en activo, por lo que tuvieron que atravesarlos en más de una ocasión. Arrabal nos cuenta este periplo y también la dura circunstancia en la que se vio su padre al negarse a formar parte alzamiento nacional. Una demoledora frase pone final a esta narración. “Claro, que esto me importa solo a mi”
Nacida en 1955 esta es una obra vomitada. Aquel difícil momento entró en la mente de un niño de cuatro años, para aparecer 19 años después vestido por una imaginación en plena efervescencia. La realidad tal y como la percibimos se desdibujó para mutar en una nueva realidad, posiblemente liberadora, capaz de transformar el pasado en un nuevo presente.
Fando y Lis son dos niños atrapados en un cuerpo de adulto. Paralizada de medio cuerpo, Lis no puede andar así que Fando es su medio de transporte,ambos viajan a Tar, sin embargo lo único que hacen es dar vueltas alrededor del mismo sitio. Por el camino se encontrarán con una inusual familia encaminada también en un imposible viaje a Tar.
El trabajo de los actores es impecable, generoso, entregado. Pacientes, reciben al público como tales, esperan a que se siente mientras ultiman algunos detalles de escena, nos dejan claro que vamos a asistir a una representación. Finalmente a la vista del público se transforman. Durante toda la función ejecutan un trabajo corporal potente, perfectamente compenetrado con el diálogo. Es destacable la gestualidad con la que Carmen Flores impregna su personaje, sorprende, divierte.
El espacio sonoro creado por Víctor Nubla, compositor ampliamente conocido en el mundo de la música experimental, ocupa también un lugar destacado. En su composición dominan las voces, junto a un espacio concebido con pequeñas ráfagas sonoras: la avioneta que cruza, o ese pájaro carpintero que puede confundirse con una ráfaga de ametralladora que suena también de cuando en cuando.
El montaje cuida la sencillez, la elabora. Quique Culebras, su director, sabe jugar los ritmos, consigue una composición limpia y eficaz. Las tres dimensiones escénicas, actores, personajes y marionetas consiguen un correcto equilibrio
Un montaje emocionante, cargado de sugerencia, con un final brillante. Solo se puede pedir que sigan girando mientras llegan a Tar.
Edepé
La distancia correcta
Volver a ver ese clásico del cine que es Eva al desnudo, supone sumergirse durante más de una hora en el mundillo teatral, en sus personajes, en su peculiar argot, todos miembros de uña exclusiva familia, la familia del teatro. Bueno, tal vez no todos, hay un personaje de frontera, uno que no acaba de estar dentro de todo porque perdería la perspectiva, pero que conoce todos los entresijos del mundillo como si fuese uno más de la familia. Me refiero, claro está, al crítico.
Nada más iniciarse la película, Addison Dewitt, interpretado por el oscarizado actor inglés Georg Sanders, se presenta a sí mismo como crítico y comentarista, eso sí, con fina ironía, solo, y distante. Distancia necesaria para poder observar, ya sabemos que demasiado cerca, la mirada desenfoca y distorsiona. Todo un acierto de guión, ya que desde su particular situación se convierte en el personaje ideal para desvelar la trama.
Si se dedican unos segundos a analizar la particular trayectoria de Addison a lo largo de esta historia, y a pesar de que se le presenta como un geniecillo un tanto maligno, queda clara la ecuanimidad constante que mantiene en sus actuaciones. No hay maldad cuando habla de que los personajes jóvenes deben de ser interpretados por actrices jóvenes y no por otras, talentosas, pero de edad superior a la del personaje. Tampoco hay maldad cundo decide apoyar a una joven prometedora actriz, ni siquiera la hay cuando llega la hora de poner en evidencia las oscuras maniobras con las que ha ido construyendo su carrera, en todo momento se está trabajando a favor del teatro.
Desde 1950 hasta hoy, son muchas las cosas que han cambiado en el mundo del teatro, pero ese territorio particular desde el que debe actuar el crítico, permanece y debe permanecer impertérrito, solo desde aquí puede el crítico ejercer de, permítaseme la licencia, de A.P.L.E.T. (Agente para la evolución teatral) Puede sonar a broma, sin embargo es absolutamente real. El crítico desde esta particular perspectiva anteriormente citada, desde ese conocimiento pleno del mundo teatral, y sin duda teniendo en cuenta ese punto de intersección que ocupa en relación al público, tiene en sus manos los elementos necesarios para establecer una valoración sobre el donde estamos, a donde vamos, y a donde deberíamos de ir.
Sin duda el crítico debe de ser un amante del teatro, pero como acontece en toda relación amorosa, también se filtra el odio, y como no, el cansancio. Sin embargo dicen las últimas teorías sobre el amor, que este ha de renovarse cada tres años, si hacemos caso a esto, o mucho nos hemos de equivocar, o todo apunta a que el periodo de desamor, siempre será más corto que el de amor, así que la evolución, el movimiento, y el cambio están prácticamente garantizados. Se recomienda paciencia con los momentos difíciles.
No creo que el crítico sea un corazón vacío como se insinúa al final de la película, ni que deba unirse a otro corazón vacío como sucede también en esta historia, pero sí así fuese; Críticos del mundo, y posibles candidatos a enamorarse de actores ó actrices, ¡cuidado con las Evas y Evos Harrington!, tienen una cierta tendencia a la mentira como forma de avanzar en la vida, aunque esto, como sabemos, sucede en casi todas las profesiones.
Edepé
Nada más iniciarse la película, Addison Dewitt, interpretado por el oscarizado actor inglés Georg Sanders, se presenta a sí mismo como crítico y comentarista, eso sí, con fina ironía, solo, y distante. Distancia necesaria para poder observar, ya sabemos que demasiado cerca, la mirada desenfoca y distorsiona. Todo un acierto de guión, ya que desde su particular situación se convierte en el personaje ideal para desvelar la trama.
Si se dedican unos segundos a analizar la particular trayectoria de Addison a lo largo de esta historia, y a pesar de que se le presenta como un geniecillo un tanto maligno, queda clara la ecuanimidad constante que mantiene en sus actuaciones. No hay maldad cuando habla de que los personajes jóvenes deben de ser interpretados por actrices jóvenes y no por otras, talentosas, pero de edad superior a la del personaje. Tampoco hay maldad cundo decide apoyar a una joven prometedora actriz, ni siquiera la hay cuando llega la hora de poner en evidencia las oscuras maniobras con las que ha ido construyendo su carrera, en todo momento se está trabajando a favor del teatro.
Desde 1950 hasta hoy, son muchas las cosas que han cambiado en el mundo del teatro, pero ese territorio particular desde el que debe actuar el crítico, permanece y debe permanecer impertérrito, solo desde aquí puede el crítico ejercer de, permítaseme la licencia, de A.P.L.E.T. (Agente para la evolución teatral) Puede sonar a broma, sin embargo es absolutamente real. El crítico desde esta particular perspectiva anteriormente citada, desde ese conocimiento pleno del mundo teatral, y sin duda teniendo en cuenta ese punto de intersección que ocupa en relación al público, tiene en sus manos los elementos necesarios para establecer una valoración sobre el donde estamos, a donde vamos, y a donde deberíamos de ir.
Sin duda el crítico debe de ser un amante del teatro, pero como acontece en toda relación amorosa, también se filtra el odio, y como no, el cansancio. Sin embargo dicen las últimas teorías sobre el amor, que este ha de renovarse cada tres años, si hacemos caso a esto, o mucho nos hemos de equivocar, o todo apunta a que el periodo de desamor, siempre será más corto que el de amor, así que la evolución, el movimiento, y el cambio están prácticamente garantizados. Se recomienda paciencia con los momentos difíciles.
No creo que el crítico sea un corazón vacío como se insinúa al final de la película, ni que deba unirse a otro corazón vacío como sucede también en esta historia, pero sí así fuese; Críticos del mundo, y posibles candidatos a enamorarse de actores ó actrices, ¡cuidado con las Evas y Evos Harrington!, tienen una cierta tendencia a la mentira como forma de avanzar en la vida, aunque esto, como sabemos, sucede en casi todas las profesiones.
Edepé
domingo, 15 de mayo de 2011
ProtAgonizo
Dramaturgia, dirección e interpretación: Ester Bellver
Sala Triangulo. Hasta el 11 de julio.
La vida es un cuento, mi vida es un cuento. Mi voz de cuento te acaricia suave. Mi historia contiene el pavor de la nana, pero su música quiere transmitir la calma que precede al sueño. El cuento de mi vida, de una vida real, ese, es el cuento que te cuento a ti.
ProtAgonizo es un titulo que se configura con la unión de dos palabras protagonizo, y agonizo, remarcada esta unión por una intermedia y gráfica “A” mayúscula. A esta primera unión le sigue una segunda, ya que en este espectáculo, persona y personaje se funden durante 90 minutos en un poético, ameno, e intenso monólogo.
Desnuda, con una bella sonrisa dibujada en su rostro, como si una sorpresa o un poco de magia se hubiese filtrado en el escenario, así se presenta Ester Bellver ante el público, podría ser la chica de la tarta, pero es la mujer que sale de detrás del espejo. Ella es la actriz protAgonizando su carrera, el ser humano protAgonizando la vida, dos caminos sinuosos, como ese cuerpo desnudo, que reflejado por tres estratégicos espejos, ve delatadas todas sus curvas, mientras exhibe impúdico la vida que contiene.
Todo en este espectáculo apunta a una sinceridad dulce y extrema. El inicial choque de la desnudez acaba adquiriendo un tono de naturalidad. Nuestra actriz personaje te habla a ti, pero también habla contigo, el espectador se convierte en un segundo personaje, en un interlocutor participe de su juego de realidades.
Este espectáculo nacido en lo alternativo, que se mueve sobre todo en estos espacios, sobrepasa ya las 100 representaciones y ha recorrido buena parte del territorio español. Después de un año y medio, todo apunta a que todavía le queda mucha vida, sobre todo si sabe mantenerse en los espacios adecuados, aquellos en los que es posible su voluntad de intimidad y confidencia, donde la dificultad de su sencillez puede apreciarse de cerca.
Ester Bellver, escribe, dirige y actúa, parece una especie de Alicia ante el espejo de la realidad, de una realidad que se transforma con cada actuación.
Sala Triangulo. Hasta el 11 de julio.
La vida es un cuento, mi vida es un cuento. Mi voz de cuento te acaricia suave. Mi historia contiene el pavor de la nana, pero su música quiere transmitir la calma que precede al sueño. El cuento de mi vida, de una vida real, ese, es el cuento que te cuento a ti.
ProtAgonizo es un titulo que se configura con la unión de dos palabras protagonizo, y agonizo, remarcada esta unión por una intermedia y gráfica “A” mayúscula. A esta primera unión le sigue una segunda, ya que en este espectáculo, persona y personaje se funden durante 90 minutos en un poético, ameno, e intenso monólogo.
Desnuda, con una bella sonrisa dibujada en su rostro, como si una sorpresa o un poco de magia se hubiese filtrado en el escenario, así se presenta Ester Bellver ante el público, podría ser la chica de la tarta, pero es la mujer que sale de detrás del espejo. Ella es la actriz protAgonizando su carrera, el ser humano protAgonizando la vida, dos caminos sinuosos, como ese cuerpo desnudo, que reflejado por tres estratégicos espejos, ve delatadas todas sus curvas, mientras exhibe impúdico la vida que contiene.
Todo en este espectáculo apunta a una sinceridad dulce y extrema. El inicial choque de la desnudez acaba adquiriendo un tono de naturalidad. Nuestra actriz personaje te habla a ti, pero también habla contigo, el espectador se convierte en un segundo personaje, en un interlocutor participe de su juego de realidades.
Este espectáculo nacido en lo alternativo, que se mueve sobre todo en estos espacios, sobrepasa ya las 100 representaciones y ha recorrido buena parte del territorio español. Después de un año y medio, todo apunta a que todavía le queda mucha vida, sobre todo si sabe mantenerse en los espacios adecuados, aquellos en los que es posible su voluntad de intimidad y confidencia, donde la dificultad de su sencillez puede apreciarse de cerca.
Ester Bellver, escribe, dirige y actúa, parece una especie de Alicia ante el espejo de la realidad, de una realidad que se transforma con cada actuación.
Edepé
lunes, 25 de abril de 2011
Los Lázaros de los sueños
La Semana Santa ha finalizado una vez más, como siempre, han muerto muchos y no ha resucitado nadie.
Personalmente nunca he conocido a ningún resucitado, solo una vez oí hablar de uno, habelos ailos. Ocurrió en la amurallada ciudad de Lugo, 24 horas después de fallecer, un amigo de uno de mis profesores de instituto resucitó en el depósito. Lejos de alterarse, parece ser que subió a planta para saber ¿qué hora era?, ¿qué había pasado? y ¿dónde estaba su ropa? Mi profesor contaba el estremecimiento que años después todavía le producía encontrarse con él.
Cosa a parte son los muertos que nos visitan en sueños. El pasado miércoles volví a encontrarme con mi vecina Dolores, falleció hace dos años, a los 94 y se ve que después de muerta no ha renunciado a su edad (hay muertos que si lo hacen, presentándose nuevamente jóvenes y lozanos), eso sí, ha aprovechado para ir a la peluquería y se ha puesto unas coloristas gafas de mariposa, siempre fue muy coqueta, por cierto, estaba muy contenta, podría decirse que la muerte le ha sentado bien, sobre todo teniendo en cuenta la dureza de sus últimos meses.
El mundo de los sueños es verdaderamente fascinante, en el antiguo Egipto solía contratarse a un soñador para que soñara para a modo de oráculo. En la Grecia clásica el iatromantis (sanador), se tumbaba al lado del enfermo y durmiéndose, se sumergía en el sueño buscando una posible cura para su paciente. Durante años hemos desterrado el mundo de los sueños, lo hemos abandonado ante la poderosa realidad, sin embargo dudo que nuestro bienestar de vigilia, tuviese muchas garantías de cordura sin esa otra realidad compensatoria que nos asalta cada noche. Cada vez que visitamos al médico enfermos de angustias vitales, este no solo debería aconsejarnos descanso, también debería indicarnos el saludable beneficio de soñar y si es posible recordarlo.
Desde la adolescencia, mis muertos me han ido visitando esporádicamente, la primera fue mi abuela, luego mi abuelo, he escrito “visita” porque hay una diferencia entre soñar con el muerto y que el muerto te visite, en el segundo caso la sensación en el sueño es de una fuerte realidad, tanto, que la propia realidad resulta irreal al despertar. Ni que decir tiene que agradezco sus visitas, y si leen esto les pediría que fuesen un poco mas conversadores, ya que suelen ser parcos en palabras, supongo que el esfuerzo de hacerse visibles consume buena parte de su energía.
Cuando abrieron la tumba de Lázaro, cuenta la biblia que olía mal, la limpieza en la época no era una práctica cotidiana, el estar encerrado en un reducto pequeño seguramente aumentó la intensidad del olor, es más, es probable que en el proceso que estaba sufriendo perdiese el control de su esfínter. Personalmente siempre he pensado que de no haber abierto aquella tumba, finalmente, Lázaro, habría muerto.
Concluye la Semana Santa y no ha resucitado nadie, el propio Jesús pudo salir de la tumba por su propio pie tras varios días de ser cuidado y atendido con amor. Como no le gustó el trato recibido, marchó a Cachemira donde vivió una vida normal hasta el fin de sus días.
Lo dicho, no ha resucitado nadie, pero los muertos seguirán visitándonos.
Edepé
Personalmente nunca he conocido a ningún resucitado, solo una vez oí hablar de uno, habelos ailos. Ocurrió en la amurallada ciudad de Lugo, 24 horas después de fallecer, un amigo de uno de mis profesores de instituto resucitó en el depósito. Lejos de alterarse, parece ser que subió a planta para saber ¿qué hora era?, ¿qué había pasado? y ¿dónde estaba su ropa? Mi profesor contaba el estremecimiento que años después todavía le producía encontrarse con él.
Cosa a parte son los muertos que nos visitan en sueños. El pasado miércoles volví a encontrarme con mi vecina Dolores, falleció hace dos años, a los 94 y se ve que después de muerta no ha renunciado a su edad (hay muertos que si lo hacen, presentándose nuevamente jóvenes y lozanos), eso sí, ha aprovechado para ir a la peluquería y se ha puesto unas coloristas gafas de mariposa, siempre fue muy coqueta, por cierto, estaba muy contenta, podría decirse que la muerte le ha sentado bien, sobre todo teniendo en cuenta la dureza de sus últimos meses.
El mundo de los sueños es verdaderamente fascinante, en el antiguo Egipto solía contratarse a un soñador para que soñara para a modo de oráculo. En la Grecia clásica el iatromantis (sanador), se tumbaba al lado del enfermo y durmiéndose, se sumergía en el sueño buscando una posible cura para su paciente. Durante años hemos desterrado el mundo de los sueños, lo hemos abandonado ante la poderosa realidad, sin embargo dudo que nuestro bienestar de vigilia, tuviese muchas garantías de cordura sin esa otra realidad compensatoria que nos asalta cada noche. Cada vez que visitamos al médico enfermos de angustias vitales, este no solo debería aconsejarnos descanso, también debería indicarnos el saludable beneficio de soñar y si es posible recordarlo.
Desde la adolescencia, mis muertos me han ido visitando esporádicamente, la primera fue mi abuela, luego mi abuelo, he escrito “visita” porque hay una diferencia entre soñar con el muerto y que el muerto te visite, en el segundo caso la sensación en el sueño es de una fuerte realidad, tanto, que la propia realidad resulta irreal al despertar. Ni que decir tiene que agradezco sus visitas, y si leen esto les pediría que fuesen un poco mas conversadores, ya que suelen ser parcos en palabras, supongo que el esfuerzo de hacerse visibles consume buena parte de su energía.
Cuando abrieron la tumba de Lázaro, cuenta la biblia que olía mal, la limpieza en la época no era una práctica cotidiana, el estar encerrado en un reducto pequeño seguramente aumentó la intensidad del olor, es más, es probable que en el proceso que estaba sufriendo perdiese el control de su esfínter. Personalmente siempre he pensado que de no haber abierto aquella tumba, finalmente, Lázaro, habría muerto.
Concluye la Semana Santa y no ha resucitado nadie, el propio Jesús pudo salir de la tumba por su propio pie tras varios días de ser cuidado y atendido con amor. Como no le gustó el trato recibido, marchó a Cachemira donde vivió una vida normal hasta el fin de sus días.
Lo dicho, no ha resucitado nadie, pero los muertos seguirán visitándonos.
Edepé
Protocolo
El teatro contemporáneo tiene por costumbre modificar a menudo el espacio de representación, modificación que puede responder a tanto a cuestiones dramáticas, como a romper una convención que permitirá al espectador una pequeña sorpresa, una nueva forma de disfrute. Ahora bien, al hacer esto los directores deberían de tener muy en cuenta aquello que entra en ese espacio visual del espectador, a veces se superponen sobre los espectáculos elementos nada contributivos a un buen resultado.
Hace unos años en el exitoso espectáculo “Cabaret”, mientras en el plano inferior acontecía una escena dramática, en el superior, a la altura de los espectadores de la grada, salía un grupo de gogós, que minutos después mediante la proyección de un fuerte haz de luz, se convertían en danzantes siluetas de mujeres instrumentistas. El problema consistió en que eran sombras perfectamente visibles desde su aparición, y que el caos de su entrada, se continuó posteriormente en las interesantes conversaciones que seguían manteniendo situadas ya en escena. “Me queda pequeño el top”. “Lo he dejado con mi novio”. “Mira tía no te aguanto”. “Dios, creo que voy a vomitar” Eso sí, cinco segundos antes del compás todas en posición.
Recientemente en la obra “Santo”, obra que se ha exhibido en la sala pequeña del Español, y que ha sido concebida con escenario en formato pasillo, situando al público a ambos lados de la escena, ha ocurrido algo similar. En esta función el cuadro técnico ha ocupado una céntrica posición, entrando de pleno en el campo visual de los espectadores de la derecha. Si bien es cierto que hubo sigilo y comedimiento en la visible presencia de los técnicos, también es cierto que somos humanos, y lo humano vence, así que la representación se vio afectada por una serie de mal disimulados bostezos, consulta de algún mensaje en el móvil y miradas al reloj sobre todo ante la proximidad del final.
Se debería de ser completamente cuidadosos en todo aquello que afecta al campo visual del público, lo sucio, a menos que sea una propuesta estética no conviene al teatro y si por circunstancias algunos aspectos del montaje intervienen en el mismo de forma inevitable, tal vez deberíamos de establecer un protocolo, una fórmula para que su presencia resulte apenas perceptible.
Cierto es que si lo que introducimos en el campo visual del espectador es otro espectador, no podemos pretender controlar su comportamiento, si disfruta o se aburre está en su derecho, y si esto modifica la percepción de la obra, quienes hayan decidido el formato escénico deberán de asumirlo, pero esta debería de ser la única excepción.
El ojo del público ve, y casi siempre perdona, pero el profesional no debería de ampararse en esta circunstancia.
Edepé
Hace unos años en el exitoso espectáculo “Cabaret”, mientras en el plano inferior acontecía una escena dramática, en el superior, a la altura de los espectadores de la grada, salía un grupo de gogós, que minutos después mediante la proyección de un fuerte haz de luz, se convertían en danzantes siluetas de mujeres instrumentistas. El problema consistió en que eran sombras perfectamente visibles desde su aparición, y que el caos de su entrada, se continuó posteriormente en las interesantes conversaciones que seguían manteniendo situadas ya en escena. “Me queda pequeño el top”. “Lo he dejado con mi novio”. “Mira tía no te aguanto”. “Dios, creo que voy a vomitar” Eso sí, cinco segundos antes del compás todas en posición.
Recientemente en la obra “Santo”, obra que se ha exhibido en la sala pequeña del Español, y que ha sido concebida con escenario en formato pasillo, situando al público a ambos lados de la escena, ha ocurrido algo similar. En esta función el cuadro técnico ha ocupado una céntrica posición, entrando de pleno en el campo visual de los espectadores de la derecha. Si bien es cierto que hubo sigilo y comedimiento en la visible presencia de los técnicos, también es cierto que somos humanos, y lo humano vence, así que la representación se vio afectada por una serie de mal disimulados bostezos, consulta de algún mensaje en el móvil y miradas al reloj sobre todo ante la proximidad del final.
Se debería de ser completamente cuidadosos en todo aquello que afecta al campo visual del público, lo sucio, a menos que sea una propuesta estética no conviene al teatro y si por circunstancias algunos aspectos del montaje intervienen en el mismo de forma inevitable, tal vez deberíamos de establecer un protocolo, una fórmula para que su presencia resulte apenas perceptible.
Cierto es que si lo que introducimos en el campo visual del espectador es otro espectador, no podemos pretender controlar su comportamiento, si disfruta o se aburre está en su derecho, y si esto modifica la percepción de la obra, quienes hayan decidido el formato escénico deberán de asumirlo, pero esta debería de ser la única excepción.
El ojo del público ve, y casi siempre perdona, pero el profesional no debería de ampararse en esta circunstancia.
Edepé
miércoles, 30 de marzo de 2011
Clown en blanco y negro
El camino del clown, de y con Vladimir Olshansky. Idea original: Victor Bogoraz, Escenografía: Adriana Lucis, Vladimir Olshasky, Vestuario: Adriana Lucis, Rita Fabbri, Photo: Marco Del Otto. Madrid, El Montacargas, 17 de marzo de 2011.
Para el pequeño espacio del Montacargas es una noche de éxito, el aforo está completo, no queda ni una butaca vacía y afuera, en la calle, un número de espectadores suficiente para llenar la sala una segunda vez, tendrá que esperar otra oprtunidad.
Vladimir Olshansky es un payaso ruso cuyos orígenes se remontan al grupo de clown Lizidei, histórica compañía de la que fue miembro fundador junto a Slava Polunin con el que también trabajó en el Cirque du Soleil y en “Slava Snow Show”, si bien no goza de la fama de este, su trabajo, como era de esperar, es impecable. Durante una hora y cuarto Vladimir, tal y como promete en un pequeño manifiesto que lee un ayudante al principio del espectáculo, hace un recorrido por el mundo del clown, partiendo del payaso del circo, pasa minutos después por la poesía, y finaliza un poco más tarde en la filosofía.
El espectáculo produce una cierta extrañeza, en escena un payaso en blanco y negro, no hay colores en la cara ni en el vestuario, la clásica nariz roja ha sido sustituida por una negra acompañada de gafas de igual color. Se suma a este planteamiento un mínimo decorado en blanco y negro que girando un par de elementos nos hace entender que pasamos del día a la noche, el color solo entrará en escena a través de la luz. Es posible que el espectáculo quiera hablarnos de la vida en blanco y negro, de cómo la risa y la tristeza se dan la mano, pero no acaba de cuajar, la propuesta inicial convierte al conjunto de sketchs en una especie de lección magistral que aplaude el entendido, pero desconcierta al resto del público.
Los payasos suelen ser autores, actores y directores de sus propios montajes, a veces dedican años a perfeccionar un único número, sin embargo el ritmo que imponen estos tiempos obliga ya a una revisión de esta circunstancia, la necesidad de innovar pasa por una imperiosa necesidad de reinventarse antes de que el género se agote de tanto reincidir sobre los mismos recursos.
Vladimir Olshansky es un gran clown que necesita un buen espectáculo exento de didactismo y apto para todos los públicos, entendidos y profanos.
Edepé
To play, jouer, jugar
Tal vez el teatro nació así.
Aquella noche T, contó una nueva historia al calor de las llamas, solía hacerlo cuando sentía que el cansancio no había derrotado por completo a la tribu, entonces solía narrar alguna historia antigua, una que tal vez no había sucedido nunca, pero que sin duda conseguía alimentar el espíritu tribal. Hacía tiempo que T se había convertido en el depositario de su memoria, una memoria que modificaba en algunas ocasiones con la intención de que fuese útil, de que sirviese de ayuda para sostenerse ante las adversidades diarias. Confortados por la historia y el calor del fuego una noche más todos durmieron.
A la mañana siguiente T pudo observar como E, A, y Tsegundo jugaban con la historia que había contado la noche anterior, cada uno de ellos había asumido un personaje, E y A se habían convertido en guerreros, mientras que Tsegundo cubierto con un trozo de piel, se había convertido en la bestia que moraba en la cueva que habían construido utilizando algunas ramas. T rió viendo aquello y pensó que podría ser una buena forma para contar una de sus historias, así que llamo a E, a A, y a Tsegundo y juntos empezaron a preparar la historia que contaría aquella noche.
Cuando los mayores regresaron al atardecer, T pidió a R que al anochecer preparase dos hogueras en vez de una, le llevó a la cueva y le indicó donde debía levantarlas, luego habló con O y le pidió que tensase la piel de su tambor.
Al llegar la noche, ante los despiertos ojos de la tribu, cobró vida una de las clásicas historias de T. Aquellos jóvenes iluminados por la amarillenta luz de las llamas le insuflaron una nueva vida. T apenas habló, solo para introducir algún detalle que se escapaba o para indicar a O cuando debía tocar el tambor.
Cuando acabó la historia hubo un pequeño silencio, los jóvenes intérpretes rieron primero, luego los niños, en cuestión de segundos toda la tribu reía como si hubiese sido presa de algún extraño hechizo, algunos empezaron a golpear el suelo con piedras y palos, necesitaban dar salida a aquella nueva emoción. Pasada la euforia, poco a poco se fueron calmando, se acomodaron en sus huecos y dejaron una vez más que el sueño llegase para liberarles del cansancio.
En aquellos lejanos tiempos el mundo era la tribu, aquella noche, el mundo cambió. Hoy, el mundo, es un mundo de tribus, y cada mañana, cada mediodía, atardecer o noche, sigue cambiando. Aquellos primigenios seres que tenían por nombre unas letras tan simples como una T, E, A, Tsegundo, R, y O, nos mostraron un camino, una sencilla forma de jugar que nos permite acercarnos al conocimiento de nosotros mismos y al de esta continuamente mutable vida.
En el 27 de marzo del 2010 día internacional del teatro
Edepé
lunes, 28 de marzo de 2011
Ver de lejos, ver de cerca
La ciencia del teatro.
Al principio el teatro se veía de lejos, a ello debemos esta palabra, teatro, cuyo origen se remonta a la palabra griega teatrom, que significaba exactamente eso, ver de lejos. Para ver y oír de lejos hacía falta algo que facilitase este acto, entonces el hombre se puso una máscara, una máscara grande de peso considerable, necesaria, ya que la representación transcurría al aire libre. Por aquel entonces el hombre no estaba muy seguro de sí, así que buscó en los dioses una respuesta a su existencia, pues consideraba que eran los únicos con capacidad de explicarla y darle sentido, para poder entenderse con ellos los humanizó, tanto, que al menos en cuanto a sus pasiones acabaron siendo semejantes a las de los hombres
El hombre que como ya sabemos tiene gran curiosidad pasó los siguientes siglos acercándose cada vez más, cayeron aquellas primeras máscaras, cayeron los dioses, el hombre desnudó su rostro, pero al rato fueron apareciendo nuevas mascaras que le caricaturizaban exacerbando sus defectos, evidenciando su necedad, arrancándole la risa, pero imponiéndole la reflexión. Aquello estuvo bien, pero algo seguía escapándose. Entonces decidió que como ya era imposible acercarse más lo ideal sería cerrar por completo el campo de experimentación y añadirle una nueva luz, así lo hizo, creó un espacio arquitectónico donde el experimento alcanzaría un mayor grado de control. Por primera vez sintió que se miraba en un espejo, y así pasó algunos años hasta que se dio cuenta de que la realidad que ofrecía aquel espejo no era demasiado real, a veces resultaba falsa y otras deformante, paradójicamente la deformante podía llegar a parecer más verdadera que la real, algo fallaba, así que volvió a pensar.
En cualquier experimento científico cuando el resultado fluctúa conviene revisar el proceso, así que el hombre volvió a revisarlo por si algo se había quedado por el camino, la evolución parecía correcta, las personas…, un momento, que significaba persona, persona significa máscara. Detrás de cada máscara, en cada imagen que devuelve el espejo hay una máscara fija, una personal y particular imagen, una personalidad configurada que nos impide ver esa verdad trascendente durante tanto tiempo buscada. No había otra opción, había que ir mas adentro, atravesar la máscara, mostrar aquello que se oculta tras su velo.
A día de hoy el proceso continua, seguimos buscando esencia y verdad, queremos ver lo que hay detrás de esa última máscara. La palabra teatro ya no significa ver de lejos, teatro hoy significa bisturí que corta y cauteriza en este proceso de vivisección al que constantemente nos sometemos. El experimento científico no ha concluido, hoy las distintas partes del proceso han entrado en contacto a la búsqueda de nuevas perspectivas, vamos camino del misterio, aunque puede que en algún momento del proceso nos demos cuenta de que lo importante tal vez no sea resolverlo, sino mantenerlo.
En el día del teatro 27 de marzo del 201.
Edepé
jueves, 17 de febrero de 2011
FUNNY SEX (Sexo divertido)
GOOD SEX, GOOD DAY de Yolanda García Serrano
Interpretes: Ruth Gabriel. Carla Gil. Noelle Mauri
Producción: Carla Gil. Música: Luis F Borruey. Iluminación: Victor Matellano
Escenografía: Fernando Tizón y Leticia Rivillas. Asesoramiento: Luis Vallés “Koldo”
Teatro del arenal. (Sala pequeña) Madrid. 17.02.2011
Desposeer lo sexual de su siempre morbosa carga, vestirlo de espontaneidad, es algo verdaderamente inusual en estos tiempos, reír con el sexo, pero no del sexo, parece una tarea imposible, sobre todo en este país, y este es el éxito de esta comedia que llega ahora a la cartelera madrileña, tras un ligero periplo por el off brodway americano, una aventura que parece haber dejado una hollywodiense huella tanto en el título, ya que rememora un famoso programa de TV de aquellas tierras, Buenos días, Buena suerte, como en la divertida fotografía del programa de mano, absolutamente made in Hollywood
Otra sorpresa lo constituye el hecho de que la joven actriz Carla Gil, sea la productora en funciones, y que acepte el desafío de lanzarse a generar trabajo en vez de quedarse a esperar una siempre desesperante llamada.
Por si no lo saben, igual que sucedió en los años setenta, nos encontramos en plena oleada de avistamientos OVNI, así que no es de extrañar que tres alienígenas hayan aterrizado en un teatro con la intención de desvelar a la más joven el curioso comportamiento sexual de los seres humanos. Con este pretexto, arropada por una escenografía mínima, conoceremos a través de una virtual teatralidad, la historia sexual de tres amigas, cuya amistad y feminidad está por encima de todo, incluidas sus respectivas parejas, quienes por cierto, no las dejan quedar nada bien en lo relativo a ciertos íntimos asuntos.
Ruth Gabriel, Noelle Mauri y Carla Gil, juegan al teatro, y juegan bien, también juega bien el guión, que alimentando una comicidad progresiva hace que se olviden algunas pequeñas deficiencias en la articulación de la historia. En este juego cabaretero, un poquito más de cabaret para las extraterrestres vedettes, ayudaría a conformar la historia, y hay tiempo, ya que en su formato actual apenas alcanza la hora y veinte.
Resulta gratificante ver a mujeres abordando la comedia, ya no son aquellas cómicas de antes, son actrices con talento para trasladar emociones, son guionistas como Yolanda, propietaria de un Goya al mejor guión. Necesitamos descubrir qué hace reír a las mujeres, necesitamos que nos hagan reír con su visión del mundo, y sí, vamos por buen camino.
edepe
Interpretes: Ruth Gabriel. Carla Gil. Noelle Mauri
Producción: Carla Gil. Música: Luis F Borruey. Iluminación: Victor Matellano
Escenografía: Fernando Tizón y Leticia Rivillas. Asesoramiento: Luis Vallés “Koldo”
Teatro del arenal. (Sala pequeña) Madrid. 17.02.2011
Desposeer lo sexual de su siempre morbosa carga, vestirlo de espontaneidad, es algo verdaderamente inusual en estos tiempos, reír con el sexo, pero no del sexo, parece una tarea imposible, sobre todo en este país, y este es el éxito de esta comedia que llega ahora a la cartelera madrileña, tras un ligero periplo por el off brodway americano, una aventura que parece haber dejado una hollywodiense huella tanto en el título, ya que rememora un famoso programa de TV de aquellas tierras, Buenos días, Buena suerte, como en la divertida fotografía del programa de mano, absolutamente made in Hollywood
Otra sorpresa lo constituye el hecho de que la joven actriz Carla Gil, sea la productora en funciones, y que acepte el desafío de lanzarse a generar trabajo en vez de quedarse a esperar una siempre desesperante llamada.
Por si no lo saben, igual que sucedió en los años setenta, nos encontramos en plena oleada de avistamientos OVNI, así que no es de extrañar que tres alienígenas hayan aterrizado en un teatro con la intención de desvelar a la más joven el curioso comportamiento sexual de los seres humanos. Con este pretexto, arropada por una escenografía mínima, conoceremos a través de una virtual teatralidad, la historia sexual de tres amigas, cuya amistad y feminidad está por encima de todo, incluidas sus respectivas parejas, quienes por cierto, no las dejan quedar nada bien en lo relativo a ciertos íntimos asuntos.
Ruth Gabriel, Noelle Mauri y Carla Gil, juegan al teatro, y juegan bien, también juega bien el guión, que alimentando una comicidad progresiva hace que se olviden algunas pequeñas deficiencias en la articulación de la historia. En este juego cabaretero, un poquito más de cabaret para las extraterrestres vedettes, ayudaría a conformar la historia, y hay tiempo, ya que en su formato actual apenas alcanza la hora y veinte.
Resulta gratificante ver a mujeres abordando la comedia, ya no son aquellas cómicas de antes, son actrices con talento para trasladar emociones, son guionistas como Yolanda, propietaria de un Goya al mejor guión. Necesitamos descubrir qué hace reír a las mujeres, necesitamos que nos hagan reír con su visión del mundo, y sí, vamos por buen camino.
edepe
martes, 15 de febrero de 2011
VOLVER A DIBUJAR LA PALABRA
NOSOTROS LOS VIVOS Dramaturgia y dirección Saladina Jota
Interpretes: Ramiro Melgar. Mirian Lopez. Rubén Villoslada. Iñaki Rubio. Ana Eva Cruellas. Escenografía: Gema Solanilla Maestro. Alberto Bermúdez del Castillo.
Vestuario: Natalia Alonso Mariño Diseño e iluminación: Pau Ferrer Garrofé
Sala García Lorca de la RESAD. Madrid. 14-02-2011 Única representación.
Una vez más el conflicto bélico toma la escena, la repulsa que produce genera en nuestros artistas la necesidad de denunciarlo repetidamente, la esperanza de que tal vez surja esa chispa capaz de modificarlo, aliviarlo, o acercarlo a una comprensión que permita abrazar una deseada salida, nunca desaparece.
¿Qué ocurre cuando el vencedor empatiza con el vencido, con su dolor?, ¿qué ocurre cuando el otro es yo?, ¿cuándo lo miro y me veo en él? Saladina Jota arranca su obra desde esta particular perspectiva, un profundo aullido de dolor que surge de las entrañas araña la escena apenas iniciada la función, Ninguna y Nadie, los dos personajes centrales de la obra, aúllan su dolor, el lamento del uno, encontrará respuesta en el lamento del otro.
Colateral, violación, tortura, racismo, exterminio, son palabras que por exceso de repetición van diluyéndose en la cotidianidad, van perdiendo su capacidad para convocarnos a la acción, por eso en esta obra se explora un nuevo lenguaje, lo poético entra reclamando la atención del espectador, obligándole a escuchar, a conectarse con los acontecimientos, y lo consigue, la exigencia lingüística del principio abre un canal que se mantiene durante toda la función.
El espacio escénico está bien definido, una alambrada fronteriza atraviesa el escenario en diagonal curvándose hacia el fondo, dejando bien claro que apenas queda ya nada por conquistar. A la derecha una edificación singular que mediante un juego de luces permite que nuestra mirada se adentre a través de sus paredes, permitiéndonos descubrir una intimidad que de otra forma nos habría sido velada.
El conjunto instrumental va sonando, pero habría que revisar la estructura interpretativa, se producen disonancias y estridencias que descolocan la partitura, tal vez esa palabra poética con la que se guía la obra necesite otro acomodo y contención, una formula particular en la que los entregados actores puedan aproximarse a acciones y emociones sin necesidad de inútiles excesos.
Nosotros los vivos todavía no es una obra, Saladina Jota ha hecho un esfuerzo por ofrecer al público una pieza cerrada en vez de un simple fragmento, se agradece el esfuerzo, ahora siga el boceto su viaje y que vuelva a nosotros en un futuro no demasiado lejano.
Interpretes: Ramiro Melgar. Mirian Lopez. Rubén Villoslada. Iñaki Rubio. Ana Eva Cruellas. Escenografía: Gema Solanilla Maestro. Alberto Bermúdez del Castillo.
Vestuario: Natalia Alonso Mariño Diseño e iluminación: Pau Ferrer Garrofé
Sala García Lorca de la RESAD. Madrid. 14-02-2011 Única representación.
Una vez más el conflicto bélico toma la escena, la repulsa que produce genera en nuestros artistas la necesidad de denunciarlo repetidamente, la esperanza de que tal vez surja esa chispa capaz de modificarlo, aliviarlo, o acercarlo a una comprensión que permita abrazar una deseada salida, nunca desaparece.
¿Qué ocurre cuando el vencedor empatiza con el vencido, con su dolor?, ¿qué ocurre cuando el otro es yo?, ¿cuándo lo miro y me veo en él? Saladina Jota arranca su obra desde esta particular perspectiva, un profundo aullido de dolor que surge de las entrañas araña la escena apenas iniciada la función, Ninguna y Nadie, los dos personajes centrales de la obra, aúllan su dolor, el lamento del uno, encontrará respuesta en el lamento del otro.
Colateral, violación, tortura, racismo, exterminio, son palabras que por exceso de repetición van diluyéndose en la cotidianidad, van perdiendo su capacidad para convocarnos a la acción, por eso en esta obra se explora un nuevo lenguaje, lo poético entra reclamando la atención del espectador, obligándole a escuchar, a conectarse con los acontecimientos, y lo consigue, la exigencia lingüística del principio abre un canal que se mantiene durante toda la función.
El espacio escénico está bien definido, una alambrada fronteriza atraviesa el escenario en diagonal curvándose hacia el fondo, dejando bien claro que apenas queda ya nada por conquistar. A la derecha una edificación singular que mediante un juego de luces permite que nuestra mirada se adentre a través de sus paredes, permitiéndonos descubrir una intimidad que de otra forma nos habría sido velada.
El conjunto instrumental va sonando, pero habría que revisar la estructura interpretativa, se producen disonancias y estridencias que descolocan la partitura, tal vez esa palabra poética con la que se guía la obra necesite otro acomodo y contención, una formula particular en la que los entregados actores puedan aproximarse a acciones y emociones sin necesidad de inútiles excesos.
Nosotros los vivos todavía no es una obra, Saladina Jota ha hecho un esfuerzo por ofrecer al público una pieza cerrada en vez de un simple fragmento, se agradece el esfuerzo, ahora siga el boceto su viaje y que vuelva a nosotros en un futuro no demasiado lejano.
martes, 25 de enero de 2011
Serial Killer Hispano
Palabras encadenadas de Jordi Galcerán
Dirección: Juan Pedro Campoy; Interpretes: Celia Nadal y Javier Manzanera. Iluminación y sonido. Pedro Antonio Bermejo. Audiovisual. David Perea. Vestuario. Inés Pardo. Escenografía. Norri. Música original. Leandro Martínez Romero. Fotografía. Pepe H. Producción. Cía La Ruta.
Madrid, Teatro Nueva Alcalá. Estreno 13 de enero
Palabras encadenadas es un título sugerente, contiene poesía, promete un juego con la palabra que tal vez nos guíe por un complicado laberinto de emociones. Iniciada la obra el título parece convertirse en una pequeña metáfora de los dos personajes, ambos encerrados en un sótano, ambos encadenados, él a sus no resueltas emociones, ella a una mesa, pero minutos más tarde se vuelve evidente, sencillamente hace referencia al clásico juego que lleva ese nombre, juego al que se juega en la obra, eso sí, bajo el apremiante concepto de vida o muerte.
La función se sostiene a base de golpes de guión, como si se tratase de una producción en la que se han aunado unos cuantos capítulos de serial, logrando un nuevo formato que permitirá vender la historia una segunda vez. El espectáculo arranca presentándonos a un supuesto asesino en serie que plantea a su futura victima unas variables reglas de juego. Lamentablemente todo es un tópico, neones parpadeantes, sótano, asesino simpático aunque terrorífico, intención de remover al público utilizando crueles descripciones de tortura y asesinato de mujeres y niños. Por suerte este momento se rompe con un sorprendente hallazgo dramático, pero eso será todo, a partir de aquí se sucederán distintos giros dramáticos que si bien consiguen mantener la atención, lo cierto es que podrían cerrarse los ojos y asistir al espectáculo como si se tratase de un serial radiofónico.
Falta claridad en esta historia, no se define la clave en la que se está trabajando, ¿drama?, ¿comedia?, ¿es un hibrido? El filón dramático que se dibuja en un primer momento, el estupendo juego de la verdad y la mentira que oscila entre los dos personajes alimentando la intriga, se diluye velozmente, para concluir en un final pretendidamente tragicómico que acaba de rematar la ya muy escasa credibilidad.
Palabras Encadenadas bebe del cine en su estructura argumental, en los diálogos, y en esa naturalidad que nos ofrecen sus dos actores, sin embargo no consigue cuajar como teatro, plantea esos rincones oscuros del alma, pero nada sobre la superficie sin atreverse a entrar en ellos.
El público aplaudió sin convicción, tal vez porque notó su ausencia.
El público aplaudió sin convicción, tal vez porque notó su ausencia.
Edepe
domingo, 16 de enero de 2011
Plano secuencia. Morir… ¡Dormir! Tal vez soñar
Luis García Berlanga
Don Luis murió el pasado 13 de noviembre del 2010, hasta el momento del deceso durmió y soñó, soñó en la vigilia, soñó mientras dormía, y creó. Antes de morir, la vida le sumergió en el profundo sueño del Alzheimer, y ya no le dio opción a despertar.
Don Luis murió el pasado 13 de noviembre del 2010, hasta el momento del deceso durmió y soñó, soñó en la vigilia, soñó mientras dormía, y creó. Antes de morir, la vida le sumergió en el profundo sueño del Alzheimer, y ya no le dio opción a despertar.
En su juventud se apuntó en la división azul, con la intención de que este acto facilitase la estancia de su padre en la cárcel, había sido encarcelado por su pertenencia al frente popular, su delito: haber sido gobernador civil durante la Segunda Republica. Desde el principio, vida y obra de Berlanga estarán completamente ligadas a la evolución política y vital de nuestro país.
Este valenciano nació para la vida 12 de Junio de 1921 y para el cine en 1947 tras ingresar en el “Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid”. Recibió el bautismo con la película Esa pareja feliz con un guión en el que colabora otro grande, Juan Antonio Barden. Su puesta de largo vino de la mano de Bienvenido Mister Marshall, y rozó la cumbre cuando fue nominado al Oscar a la mejor película extranjera por Placido.
Berlanga destaca por su habilidad e imaginación para crear durante la censura. Almodovar ha dicho de él que de haber trabajado en inglés tendría una proyección internacional, no importa, para nosotros es un clásico de oro, afortunadamente lo fue también en vida.
Al igual que a Fellini, a Berlanga le gustaba el erotismo, dirigió durante años la colección de literatura erótica La sonrisa vertical, un sencillo título que contiene un buen ejemplo de esa ironía y acidez que pueblan toda su obra, y que le eran tan útiles a la hora de desvelar la verdad.
Don Luis fue sin duda el rey del plano secuencia, sus películas están llenas de largos planos secuencia, le gustaba, porque a pesar de ensayarlo una y otra vez, antes de proceder a la toma definitiva, la improvisación entraba en él por la puerta grande y con ella entraba la vida, una vida, que desde hace ya unos días, se manifiesta en cada encuentro con su obra.
Edepe
TRES (Pensar la risa)
Mutis Producciones. Autor y director Juan Carlos Rubio.
Actores: Kiti Mánver. Nuria González. Aurora Sánchez. Octavi Pujades.
Teatro Lara, Madrid
Sorprende que nada más abrirse el telón se escuchen risas en la sala, realmente no ha pasado nada, pero el público parece dispuesto a la risa, supongo que esto es bueno, pero un poco raro, tal vez los verosímiles porros que se fuman los personajes durante los primeros minutos, vayan un poco más allá de lo verosímil y la bocanada de humo que se desplaza por la sala, sea la causante de tanta risa. Sin embargo algo no funciona, la señora que está sentada a mi lado se gira hacia mí cada vez que la risa asoma por su garganta, busca una complicidad que progresivamente dejará de buscar, para marcarse un escasamente disimulado bostezo cercanos ya al final.
De entrada “Tres” es una comedia que funciona, así lo demuestran los 30.000 euros que viene recaudando cada semana. El tema es actual, tres antiguas compañeras de colegio, hoy mujeres talluditas y sin pareja, deciden abordar la maternidad (se deja traslucir que por soledad). El decorado también apunta hacia el moderno minimalismo de un único espacio completamente diáfano. Sin embargo la función tiene un tufillo a otra época: el movimiento de los actores en escena, los personajes esteriotipados (El personaje de Ángela trae a la memoria a una inigualable Gracita Morales), y una rancia utilización del atrezzo, no concuerdan con esa supuesta actualidad.
Tema aparte es el texto, todo apunta a que Juan Carlos Rubio va a adentrarse en ese moderno tema de las nuevas formas de familia, y desde la comedia, ¡wao!, pero transcurrido el primer cuarto de hora todo se ha convertido en una excusa para la interacción de los distintos personajes y sus chistes.
Dividida en tres actos, los dos cortes están arropados por unos cortos monólogos moralizantes que a lo único que contribuyen es a deshacer el ritmo y a divulgar un poco más a ese viejo amigo de la adolescencia que es Gibran Kalil Gibran.
“Tres” podría ser una buena comedia, no lo es, le falta instinto, modernidad, agilidad, dos actos serían suficientes, descubrirnos a esos personajes sin que todo sea un chiste sería interesante. El público se ríe, se ríe mucho, pero cuando acaba la función sale con la misma idea del mundo con la que entró.
Si necesita reírse vaya a verla, la risa es buena en cualquier momento. Si lo que quiere es risa y algo más espere a la siguiente oportunidad, aunque por lo poco que se prodiga el género “comedia” tal vez haya que conformarse. Usted decide.
Edepe
lunes, 22 de noviembre de 2010
Snow Show. El show de Slava Polunin
Teatro Apolo Madrid hasta el 18 de octubre del 2009
Slava Polunin el payaso ruso mas internacional presenta en el teatro Apolo su espectáculo Snow Show, un espectáculo afinado que recoge una agrupación de sus mejores creaciones y que ha sido aplaudido en todo el mundo, no cabe duda de que aquí también lo será. Algún corte de este espectáculo ya se pudo ver cuando nos visitó por primera vez el Circo del Sol con su espectáculo “Alegría”, era el año 1998, por aquel entonces Slava era su payaso estrella, encarnando a “Asisyai” el payaso de la nariz roja y el mono amarillo, que se independizaría algún tiempo después, para lanzarse a la aventura del mundo de forma individual.
Sorprende en su propuesta la manipulación del tiempo, el espectáculo es lento, sorprendentemente lento, en comparación con el a veces vertiginoso ritmo al que nos tienen acostumbrados los espectáculos de clow europeo. Pero ese es uno de sus logros, ralentizar el espectáculo hasta que el más sencillo de los gags se convierte en enorme. Todo está perfectamente medido, el mínimo movimiento, la mirada, el gesto, siendo la mayor parte de las veces la música, la herramienta con la que se construye el ritmo, desde la triste melodía inicial del “Blue canari”, hasta el “Carmina Burana de Orf” durante la tormenta.
Poco a poco el público va entrando en esa particular dimensión donde viven los payasos. La luz junto a una efectiva escenografía de ágil resolución dan vida a los distintos momentos y a unos espacios escénicos sobre los que reina un visual romanticismo: la tormenta, el temporal, la nieve, el viento. Slava aúna en el escenario ingenuidad y poesía, risas y pinceladas melancolícas, el conjunto se desborda en consonancia con esos fenómenos atmosféricos que saltan de la escena hasta implicar todo el espacio teatral.
A este espectáculo en el que la palabra se ha suprimido como concepto, solo le faltaría un poco más de escenario, las paredes del Apolo resultan pequeñas, el aparato escenográfico pide más espacio, se le nota constreñido. La sensación puede deberse a que fue concebido para una pista de circo y no para las restrictivas paredes del teatro, aun así el espectáculo brilla.
Slava, payaso, 56 años, quiere devolver a su público la capacidad de sorprenderse y maravillarse mágicamente como cuando era niño, por si no lo hubiera conseguido con el discurrir de su espectáculo, todavía se reserva un último número en el que les garantizo que independientemente de cual sea su edad, volverán a ver nacer en ustedes al niño que llevan dentro.
Edepe
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